I won’t ever need the sunlight
As long as I can call you mine 

Vampire romances have a peculiar idea of considerate courtship. Somewhere between the first kiss and the first bite, the vampire feels obliged to explain the terms: eternal hunger, the loss of mortal life, and, in many versions, never seeing the sun again. Their beloved hears an invitation to stay together forever and begins clearing out a wardrobe for evening wear. What the vampire considers a curse sounds suspiciously like commitment to someone who has already fallen in love. Another sunrise seems a poor consolation when it means waking without them.

In Francis Ford Coppola’s Dracula, Gary Oldman’s Count hesitates to condemn Winona Ryder’s Mina to his dark fate: “I love you too much to condemn you.” Mina sees this mercy rather differently: “Please, I don’t care. Make me yours.” To him, love means protecting her from his curse; to her, it means being allowed to share it. There’s something exquisitely romantic about a monster trying to spare a lover who has already decided that eternity together is worth the consequences. Even damnation can start to sound like a honeymoon when you’re with the right person.

And San Diego synthpop trio Twin Ritual take the willing lover’s side on their new single, Just Like a Vampire. Vocalist Hannah Mahute, Anthony Ramirez of Glass Spells on synthesizers and drums, and guitarist Antonio Estrada give this dangerous attraction an almost disarmingly lovely setting: melodic guitars, analog synths, a driving rhythm, and a voice that makes permanent darkness sound like somewhere you might gladly settle down.

The song opens with a pounding drumbeat and atmospheric synth pads, then the percussion coalesces into a locomotive dance rhythm. A looping guitar figure introduces a bright new-wave melody, giving the arrangement its cinematic sweep. A firm bass synth pattern supports Mahute’s entrance, and her inviting delivery blends the melodic lift of mid-to-late 1980s pop with a contemporary electronic polish reminiscent of CHVRCHES. Mahute’s vocals make vampiric surrender sound tender, eager, and already decided.

Synthwave flourishes run throughout the song, with the mix giving the guitars, synthesizers, and drums room to complement one another. Around two-thirds of the way through, guitar chords meet wavering synth lines and the bass synth, bringing the nocturnal romance of the Drive soundtrack to mind. Yet, the music has a luminous pop quality that makes the prospect of never seeing daylight again seem all the more deliciously incongruous.

Lyrically, bloodletting becomes a sanguine courtship ritual: a polite request earns an eager yes. As attraction deepens into addictive devotion, the lover embraces the song’s sweetest contradiction: becoming undead promises the feeling of finally being alive. And the belief that heaven arranged the match lends this supposedly damned affair a curious blessing, making surrender feel like the fulfillment of something written in the stars.

With its final promise, the song’s mortal lover accepts the terms: every future sunrise traded for an eternity together. The bite becomes a vow, and blood the price willingly paid to keep it. With their beloved close enough to touch, daylight feels like something they can gladly learn to live without.

For a band from San Diego, whose famous Sunset Cliffs make a persuasive case for remaining mortal, giving up the sun is a considerable romantic gesture. After the emotional uncertainty of Suffocate, Twin Ritual give devotion an extravagant vow, carried by a wonderfully bright melody. If the future must be spent without dawn, at least there will be someone worth staying up for.

Listen to Just Like a Vampire below and order the single here.

Just Like a Vampire by Twin Ritual

Twin Ritual upcoming shows:

October 9 — San Diego, CA — The Banshee
October 30 — Las Vegas, NV — The Griffin

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Source: Post-Punk.com

The agony of bleeding machines

A melody in shadow decay

The apathy of broken routines

Our history is fading away

Humanity possesses a remarkable capacity to remember, yet an equally troubling talent for forgetting. Across thousands of generations, we have accumulated the wisdom of civilizations, preserved in fragile books, monuments, and machines. But history survives only through our willingness to care. Apathy is perhaps the most insidious form of extinction, for it allows entire worlds of knowledge to disappear without protest. The universe is indifferent to our achievements, our suffering, and our mistakes. We cannot afford to be. If we surrender our curiosity and compassion, the greatest tragedy may be that we vanish without ever understanding what we have lost.

Vienna-based producer Valerian Steel explores this uneasy relationship in System Apathy, the latest release from his hardware industrial project Manufracture Music. Drawing upon the mechanical discipline of Front 242 and Front Line Assembly, the muscular electronic aggression of Nitzer Ebb, and the experimental severity of Orphx, Steel approaches industrial music with the conviction of someone who considers electricity a philosophical position.

The track belongs to his A.C.I. (Analog Core Industrial) concept, a deliberate rejection of digital shortcuts, software instruments, and AI-generated music. Every mechanical collision, electronic disturbance, and rhythmic assault originates from physical hardware. There is something wonderfully stubborn about this commitment, especially in an era when technology increasingly promises to relieve humanity of the inconvenience of making anything ourselves.

Lyrically, System Apathy imagines civilization approaching terminal dysfunction. Political leaders embrace madness, armies obey destructive commands, environmental contamination spreads, and technological systems collapse under the weight of their own complexity. Machines acquire an almost biological vulnerability, their breakdowns echoing the deterioration of the societies that built them.

Beneath the industrial aggression lies a troubling philosophical question concerning memory. Humanity has spent millennia recording its achievements, tragedies, discoveries, and mistakes, yet preserving that inheritance requires a continued willingness to pay attention. When indifference becomes habitual, history begins disappearing while its witnesses remain alive.

With System Apathy, Manufracture Music considers the terrible possibility that civilization’s final failure may arrive through a thousand small acts of indifference, each accompanied by the reassuring hum of machinery operating exactly as instructed.

Preview System Apathy below and pre-order the single here

System Apathy by Manufracture Music

Steel’s background in classical piano, choral performance, and late-eighties alternative music lends additional perspective to his fascination with mechanical expression. His other projects, Music of Synergia and Fourtyfication*5, explore cinematic ambience and glitch-oriented electronic dance music, respectively.

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Source: Post-Punk.com

The mind can be a terribly indulgent landlord: old arguments settle in, borrowed expectations take the best room, and worry renews its lease without ever paying a cent. After a while, the prospect of having less begins to sound rather luxurious. Clearing a little space means deciding which possessions, pressures, and private catastrophes deserve to stay, and which have been enjoying our hospitality for far too long.

Sacramento’s Soft Science consider that possibility on Without, a psychedelic excursion from their fifth album, Sand, released September 4 through Shelflife Records in North America and Spinout Nuggets in the UK. Today, Post-Punk.com premieres the song’s video, created by Italian visual artist Francesca Bonci, whose overlapping images give the band’s reflections on letting go a wonderfully fluid form.

The Northern California quintet brings together Katie Haley on lead vocals and percussion, brothers Matt Levine on lead guitar and Ross Levine on guitar and backing vocals, and partners Tony Cale on drums and Becky Cale on bass and backing vocals. Frequent collaborator Hans Munz contributes electronics. Their combination of dream pop, shoegaze, and indie rock balances layered harmonies and guitar textures with a rhythm section intent on keeping things moving.

For Without, reversed rhythm guitars and Munz’s electronic contribution to the breakdown carry that approach into more psychedelic territory. The reversal extends an experiment begun with the lead guitar on album opener Spinning, giving the group another way to bend familiar materials around Haley’s deceptively simple question of what we can live without.

Haley explains:

“‘Without’ is one of my favorite songs on ‘Sand’. It drifts slightly outside our usual orbit, built around a lyric that is both simple and quietly expansive: “There are things I do without, there are things that I can be without.” Those few words open a much larger question: in a world always urging us to want more, what can we release?

Maybe it’s the pull of possessions, things in the world beyond our control, or the worry, destructive thoughts, and stressful situations we carry within us. Over the past few years, I’ve become more intentional about what I absorb and what I allow to take root in my mind, protecting space for my mental health and happiness. Sometimes less leaves room for more, and this sonic, psychedelic song floats through that possibility.”

Bonci gives those thoughts a visual counterpart through faces, tree branches, birds, and dancing silhouettes, superimposed across washes of orange, violet, blue, and green. Figures become transparent, colors turn inside out, and circles of light spread across the picture. The images suggest a mind continually receiving impressions, with each new layer changing the appearance of what was already there. The breakdancing figures bring a playful physical presence to that restless accumulation.

Bonci’s previous collaborators include The Dandy Warhols, Federale, the project of The Brian Jonestown Massacre’s Collin Hegna, Pete International Airport, Slowdive’s Rachel Goswell, and Tombstones In Their Eyes. For Soft Science, the connection came through Shauna at Shameless Promotion PR. Ross Levine proposed the breakdancing silhouettes as the band and Bonci developed the concept, and the group were delighted with her interpretation.

Discussing the recording and the decision to make a conceptual video, Ross says:

“We used a reversed lead guitar on ‘Spinning,’ then experimented with reversing the rhythm guitars on ‘Without,’ which created a great vibe. Hans’ contribution to the breakdown is also one of the highlights of the entire record. For the ‘Without’ video, we wanted to move beyond a traditional band performance and create a more conceptual piece.”

Of the finished video, he adds: “We’re very happy with the result and feel the visuals deepen the experience of the song.”

Watch the video for Without below:

Across its ten songs, Sand places that question of release within a wider examination of love, memory, and identity under pressure. Relationships shift, old patterns repeat, and the effort to be heard can leave people circling the same unresolved conversation. The record also allows room for clarity, devotion, hope, and renewal, finding reasons to keep choosing connection even when its terms remain uncertain. Soft Science push further into the noisier reaches of dream pop while keeping melody, harmony, and forward motion central to their work. For a band so interested in the things that slip away, they make an appealing case for choosing what goes first.

Their stated influences span Ride, Ivy, Stereolab, The Field Mice, The Mighty Lemon Drops, Catherine Wheel, My Bloody Valentine, and Pale Saints. The blend of pop immediacy and guitar density also offers an inviting point of entry for listeners drawn to Alvvays, Lush, The Primitives, The Sundays, Dentist, Winter, and Mo Dotti.

The album follows Highs and Lows (2011), Detour (2014), Maps (2018), and Lines (2023). Their discography also includes a 2015 split seven-inch with The Luxembourg Signal, along with 2018 recordings of The House of Love’s I Don’t Know Why I Love You and Northern Picture Library’s Paris.

Soft Science have recorded live sessions for KEXP, WFMU, and Part-Time Punks, and performed at New York Popfest, Paris Popfest, The Big Takeover’s 35th Anniversary show, Schellraiser Festival, Tremolo Fest, and Dreamgaze PDX, alongside other festival appearances across the United States. Their song Undone, from Maps, was also featured in Sound Opinions’ Shoegaze Genre Dissection on August 21, 2026, Show 1082.

Sand is out now on vinyl, CD, and digital formats. North American listeners can order the orange vinyl edition, CD, or download through Bandcamp; UK and European listeners can order physical editions through Spinout Nuggets. The album is also available through Spotify, Apple Music, and other major streaming and download platforms.

Listen to Sand below and order the album here:

Sand by Soft Science

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Source: Post-Punk.com

Auch stillgelegte Maschinen haben scheinbar noch etwas zu erzählen. Auf „Kraftwerk Oberschlesien“ spürt 'Beuthen O.S.' den Echos einer Industrieregion nach – mit Aufnahmen aus dem namensgebenden Kraftwerk,...

Source: MedienKonverter

Jahrhunderthalle, Frankfurt, Germany4th October 2026Artem Pivovarov - “European Orchestra Live Tour 2026” I always try not to miss concerts by Ukrainian artists and bands whenever they come to my area. These evenings always give me something very special: they bring back countless memories of my home country and, especially in these difficult times, offer a certain sense of comfort. When I heard that ARTEM PIVOVAROV would come to Frankfurt accompanied by an orchestra and choir, I was particularly excited. Shows of this scale come with many challenges, but when everything falls into place, the result can be absolutely beautiful. And this evening was no exception.

Source: Reflections of Darkness

Wer meine Rezensionen kennt, weiß: Alles, was irgendwie verschroben, „kauzig“, underground ist, finde ich erstmal prinzipiell gut. Gleichzeitig stehe ich auf komplexe Arrangements, guten Sound, gute Musik und überhaupt alles, was gut ist. SMOULDER haken viele Kästchen ab: Sie kennen die komplette Sword-&-Sorcery-Kultur dieser Welt in- und auswendig, haben ein ambitioniertes Songwriting, interessieren sich mehr für Gefühl als für Konventionen und pushen auch noch in einer Tour Bands, die es ebenso halten.

Das Cover-Artwork (Ian Miller) kann auch mal wieder alles, und zu allem Überfluss positionieren sie sich auch noch politisch links und haben dies auf „Witch Wife In An Alien World“ (fantastischer Titel!) sogar in ihre Texte einfließen lassen: Die Lieder handeln z.B. vom sog. Klimawandel, von den Gefahren Künstlicher Intelligenz, vom Elend der Arbeiterklasse im Kapitalismus und davon, dass die Erde sich irgendwann an den Menschen für all die Scheiße rächen wird. Dabei hat Sarah Ann jedoch nicht einfach politische Lyrics in Punk-Manier verfasst, sondern sich wie gewohnt an Literatur bedient, was die Sache nochmal eine Spur interessanter und sympathischer macht.

Um jeden Preis alt und verschroben
Die Musik indes, nun, sie macht es mir schwer. Sarah Ann hat, wie sie in diversen Interviews nicht müde wird zu betonen, einfach die Schnauze voll vom glatt polierten Mainstream-Metal, und deshalb verzichtet sie sowohl bei ihrem Gesang diesmal sowohl auf großartige Effekte als auch auf gerade Töne. Nicht immer, aber so oft, dass es mich stört, und das will was heißen. Die erste Single „Water Wars“ z.B. grenzt leider wirklich an der totalen Unhörbarkeit, weil sie die ganze Zeit einfach haarscharf am richtigen Ton vorbei singt. Das wird später besser, aber es bleibt irgendwie unangenehm, sie wirkt übermotiviert.

Was aber wohl auch an der Produktion liegt: Der bewusste Verzicht auf Gimmicks hat nämlich dazu geführt, dass die Platte etwas dünn und sehr trocken klingt. Und das muss, auch im Underground, eigentlich nicht sein, es ist also eine bewusste Geschmacksentscheidung seitens der Band: Man wollte um jeden Preis alt und verschroben klingen, und das hat man geschafft. Allein, ich weiß im Heavy Metal einen aktuelleren Sound durchaus zu schätzen und höre so gut wie nie die ganz alten Klassiker; ich denke, die Songs hätten von mehr Hall, mehr Druck, mehr Tiefe durchaus profitiert, und vor allem würden sich Instrumente und Gesang besser ergänzen; so wie es ist, sticht Sarah Ann trotz der reduzierten Lautstärke zu sehr raus.

„Witch Wife In An Alien World“ ist schön und gut
Denn die Songs selber, diesmal weniger vom Epic Doom als vielmehr vom griechischen Black Metal inspiriert, sind im Grunde echt gut: „Shadow Of The Vulture“ (dieses Video!) ist ein stabiler Banger, „Crush The Neophytes“ und „Empathy’s Wrath“ herrliche Revolutionshymnen, „Cathedral Of The Trees“ fängt die Wildheit und Schönheit der Natur ein. Die meisten Lieder sind keine Hits im eigentlichen Sinne, aber sie wachsen mit jedem Durchlauf durch die spannende Rhythmik und die ein oder andere starke Melodie. Ja, das ist alles schön und gut, aber wie schön und gut wäre es erst, wenn insgesamt mehr Wumms hinter der Musik wäre und der Gesang irgendwie passender?

SMOULDER werden das sicherlich anders sehen; wir wissen, dass Sarah Ann auf Bands wie DIONYSIAQUE und GRENDEL’S SYSTER steht, die ebenfalls sehr markante Gesänge über einem sehr trockenen Klangbild haben, und genau diesen Weg wollte sie wohl gehen. Ihre Mission, Metal wieder „wild und abenteuerlich“ werden zu lassen, teilen wir ja jedenfalls hier, erst recht viele ihrer politischen Überzeugungen. Insofern sei „Witch Wife In An Alien World“ jedem Fan wilden und abenteuerlichen Metals zunächst mal trotz aller abweichenden Geschmacksurteile wärmstens ans Herz gelegt.

Spielzeit: 42:59 Min.

Veröffentlichungsdatum: 09.10.2026

Label: Cruz Del Sur

Line-Up:
Sarah Ann – Vocals
Shon Vincent – Guitar
Collin Wolf – Guitar
Adam Blake – Bass
Kevin Hester – Drums

SMOULDER „Witch Wife In An Alien World“ Tracklist
1. Water Wars (Lyrics-Video bei YouTube)
2. Shadow of the Vulture (Video bei YouTube)
3. Noitien Loitsu
4. Crush the Neophytes
5. Empathy’s Wrath
6. Their Name Lives On
7. Cathedral of the Trees
8. Smouldering Remains

Source: Vampster

Der Freitag hat andere Feierabendpläne, 'Digital Energy' haben nämlich Verstärkung bestellt. Während draußen der Oktober das Licht früh herunterdimmt, bekommt „Echoes Of Tomorrow“ gleich vier neue Perspektiven...

Source: MedienKonverter

Diary Of Dreams haben mit "my Vertigo" eine neue Single veröffentlicht. Alle Infos dazu sowie das Musikvideo bei uns!

Source: Sonic Seducer

„Straßen? Wo wir hinfahren, brauchen wir keine Straßen!“ Es ist vor allem freudige Aufregung, die in Dr. Emmett Browns berühmtem Zitat aus der „Zurück in die Zukunft“-Trilogie mitschwingt. Die Entdeckerlust, der Aufbruch ins Neue und Unbekannte wecken Neugier wie Fernweh gleichermaßen, bevor sodann der Abspann rollt. Unverrichteter Dinge lassen uns THE OCEAN glücklicherweise nicht zurück: „Solaris“ mag das Ziel im Namen tragen, teilhaben dürfen wir an dieser Expedition jedoch über die volle Distanz.

Dabei richtet das Berliner Kollektiv die Aufmerksamkeit zunächst auf den Ausgangspunkt: Den Hauptsitz des eigenen Labels Pelagic Records markiert das Intro „52°30’11″N, 13°26’12″E“ mit seinen geografischen Koordinaten. Von dort beginnt die Band eine Reise, die sich schnell als transformativ erweist: Der von der Akustikgitarre unterlegte feinfühlige Gesang klingt vertraut und doch anders.

Mit verändertem Line-up und gleich zwei neuen Stimmen starten THE OCEAN in das nächste Kapitel
Der offensichtlichste Grund: Bei „Solaris“ handelt es sich um das erste Studioalbum seit der Trennung von Sänger Loïc Rossetti, welcher die Band nach rund anderthalb Dekaden und sechs Studioalben im Jahr 2025 verlassen hatte. Es handelt sich nicht um die einzige Veränderung nach einer ausgedehnten Periode der Konstanz: Auch Schlagzeug und Gitarre mussten in der Zwischenzeit neu besetzt werden, so dass sich Mastermind Robin Staps den ursprünglichen Gedanken eines Musiker:innen-Kollektivs wieder ins Gedächtnis rief.

Die Vakanz am Mikro kompensieren nun beispielsweise gleich zwei Stimmen: Enrico Tiberi fehlt zwar das markante Reibeisen-Timbre Rossettis, füllt den Posten nach kurzer Eingewöhnungszeit aber absolut souverän aus. Mit vertrauter Stimmfarbe und ähnlichen Gesangsbögen fällt die Umstellung allerdings entsprechend leicht. Sein weibliches Pendant Lane Shi (OTAY:ONII) hingegen bringt ein für THE OCEAN völlig neues Flair mit sich. Mal leise, mal kraftvoll, doch stets mit einer gesunden Dosis Exzentrik füllt die Sängerin eine Lücke, von der wir zuvor noch nichts wussten.

Der progressiven Seite der Band bietet sich auf „Solaris“ viel Raum zur Entfaltung
Dass das Grundgerüst von „Solaris“ derweil schon vor einigen Jahren entstand und ursprünglich „Phanerozoic II: Mesozoic Cenozoic“ (2020) nachfolgen sollte, ist dem Songwriting durchaus anzuhören. Die Stücke sind offen angelegt, so dass sich gerade der progressiven Seite der Band viel Raum zur Entfaltung bietet. Härtere Spitzen streuen THE OCEAN nun eher punktuell, während der rastlos angelegte „Departure Song“ zum Auftakt mittels zahlreicher Details und Spuren besticht. Warme Bassläufe blitzen hervor, Lane Shi füllt den Hintergrund zeitweise mit einer gewissen Theatralik, in der Hook tänzeln die Gitarren verspielt umeinander, während das Drumming nette Patterns einstreut und Richtungswechsel vorgibt.

In „Light Pollution“ wiederum nehmen Synthesizer und Vibraphon eine präsente Rolle ein, während Frontmann Enrico Tiberi seine Stimme ähnlich elegant über die Spuren legt, wie es sein Vorgänger zu tun vermochte: Kurzum, hier klingen die zeitgenössischen THE OCEAN unverkennbar hindurch, ohne sich selbst zu wiederholen. Denn auch wenn mit der einsetzenden E-Gitarre und Tiberis Screams ein Hauch „Heliocentric“ (2010) die Komposition erfüllt, steuern loungige Intermezzi und Lanes heller Gesang das Stück in unerforschtes Terrain.

Zeitweise treffen auf „Solaris“ Alt und Neu aufeinander
Diese Vermählung aus Alt und Neu erleben wir zudem in „Belligerence“, dessen brodelnde Riffs eine Menge Wut zu unterdrücken scheinen: Als hätte Bandkopf Robin Staps „Precambrian“ (2007) im Hinterkopf gehabt, als er die Gitarre in die Hand nahm. Das Resultat ist ein dynamisches und vielseitiges Monstrum, welches die jüngere, progressiv-psychedelische Seite THE OCEANs mit der Post-Metal-Urgewalt der früheren Bandhistorie verschmelzen lässt.

Dass die Nummer dem Epos „Simulacra“ nachfolgt, ist ein gut gewählter Schachzug, besticht jenes doch trotz weniger harscher Spitzen mit einem getragenen Grundgerüst, über das sich eine wundervolle Gesangslinie legt. Einfach nur verträumt oder doch blinde Naivität? Gefangen nehmen lassen wir uns über die rund 17 Minuten Laufzeit dennoch ohne groß zu hinterfragen – und gehen damit der Band auf den Leim. In Anlehnung an Stanislaw Lems Roman „Solaris“ (1961) spiegelt Staps‘ „Simulacra“ die namengebenden fleischgewordenen Erinnerungen der Menschen mit unserem Doppelleben in den sozialen Medien, deren Authentizität wir ebenso kaum reflektieren.

Auf der Zielgeraden wagen sich THE OCEAN in elektronische Gefilde vor
Der sludgige Trott von „Ultima Esperanza“ schließlich erinnert auch aufgrund des Riffings stark an CULT OF LUNA, lässt im zweiten Teil jedoch auch eine bluesige Leadgitarre miteinfließen. Der Übergang auf die Zielgeraden erfolgt schließlich fließend: Während sich die Gitarren zurückziehen, übernehmen die Synthesizer Stück für Stück das Ruder, um schließlich in „Milk Of My Dreams“ federführend in Erscheinung zu treten.

Dass THE OCEAN hier mit Thorsten Quaeschning (TANGERINE DREAM) zusammenarbeiteten, kommt dem Albumfinale in jeder Hinsicht zugute. Denn obwohl die elektronische Inkarnation des Kollektivs einen vollkommen anderen Vibe bedient, scheint uns die Transformation formschlüssig und nicht minder vielschichtig. Ironischerweise ist es ausgerechnet der monotone, mantraartige Gesang, der hier etwas abfällt und nur von Lane Shis beherzter Performance im Hintergrund gerettet wird.

Das Zerstückeln der Songs bringt „Solaris“ keinen Mehrwert, auch wenn man das Konzeptalbum am besten als Ganzes erleben sollte
Ein wenig seltsam mutet derweil die Entscheidung an, das abschließende „51°28’30″S, 73°6’11″W“ als eigenes Stück per Fade-in hinten anzuschließen, wirkt die Nummer doch dadurch mehr wie ein Reprise oder Remix der vorangegangenen Komposition, die durch einen durchgehenden Übergang wohl dezent eleganter über die Ziellinie gegleitet wäre. Generell fraglich ist darüber hinaus die Zerstückelung vieler Songs in unterschiedliche Teile. Da die ausladenden Tracks jeweils ganz offensichtlich als ein großes Ganzes konzipiert wurden, bleibt der einzige Zugewinn dieses Schritts wohl eine kleine Steigerung der spärlichen Streamingerlöse.

Für moderne Hörgewohnheiten aber ist diese Vorgehensweise natürlich ein Unding, welches Streaming-Rotationen künftig mit halben Songs füttern dürfte. Ein stilles Plädoyer für das Konzeptalbum könnten wir wohlwollend aus diesem Schritt herauslesen und tatsächlich ist der Fokus auf das Gesamtwerk die beste Art und Weise, sich mit „Solaris“ auseinanderzusetzen.

THE OCEAN werden auf „Solaris“ selbst zu Entdeckern
Wie auf einer Expedition in das Unbekannte entfalten sich so die vielfältigen Schauwerte, Landschaften und Ebenen, welche THE OCEAN in ihrem ersten Unterfangen seit dem großen Umbruch selbst zu Entdeckern werden ließen. Das Ziel dieser waghalsigen Reise benennen die Musiker:innen übrigens ebenfalls per geografischem Fingerzeig: „51°28’30″S, 73°6’11″W lauten die Koordinaten. Wohin genau sie uns führen, wollen wir an dieser Stelle zwar nicht verraten. Doc Brown jedenfalls würde selbst hier mit seiner Prophezeiung Recht behalten: Wohin THE OCEAN uns führen, sind Straßen tatsächlich von zweitrangiger Bedeutung.

Veröffentlichungstermin: 25.09.2026

Spielzeit: 69:22

Line-Up
Enrico Tiberi – Vocals
Lane Shi – Vocals
Robin Staps – Gitarre
Emmanuel Jessua – Gitarre
Marco Gennaro – Gitarre
Mattias Hägerstrand – Bass
Jordi Farré – Schlagzeug

Produziert von Daniel Lidén, Robin Staps und Jens Bogren (Mix und Mastering)

Label: Pelagic Records

Homepage: https://www.theoceancollective.com/
Facebook: https://www.facebook.com/theoceancollective
Instagram: https://www.instagram.com/theoceancollective
Bandcamp: https://theocean.bandcamp.com/

THE OCEAN “Solaris” Tracklist

52°30’11″N, 13°26’12″E
Departure Song
Light Pollution (Video bei YouTube)
Simulacra, Pt. I
Simulacra, Pt. II
Simulacra, Pt. II
Belligerence, Pt. I (Audio bei YouTube)
Belligerence, Pt. II
Ultima Esperanza, Pt. I (Video bei YouTube)
Ultima Esperanza, Pt. II
Milk Of My Dream
51°28′30″S, 73°6′11″W

Source: Vampster

Manche besonderen Konzerterlebnisse entstehen aus einem puren Zufall heraus. So geschehen am vergangenen Montag bei Duran Duran in der Hamburger Barclays-Arena. Und eh jetzt die ersten aufschreien, dass diese Band in einem Rock- und Metalmagazin auftaucht: Ja! Und zwar zu Recht. Weil sie viel mehr sind als die 80er-Popbarden, deren Charterfolge in allen Radios hoch und runter liefen und für volle Tanzflächen in den Discotheken sorgten, sondern eine großartige Band, die weiß, wie guter Art-Rock funktioniert, und die vor allem brilliante Musiker sind!

Aber von vorn: Da ich eigentlich nur „mit“ war und meine Begleiterin, respektive meine bessere Hälfte, Fangirl der ersten Stunde ist, hatte ich an diesem Abend erst einmal gar keine Erwartungen.

Der erste Eindruck beim Eintreffen: Meine Güte, sind wir alt geworden, liegen die größten Hits der Band doch schon gut 40 Jahre zurück. Aber eine gute Band altert bekanntlich mit ihren Fans (oder umgekehrt), und so stehen, fast pünktlich, um kurz nach 20 Uhr 4/5 der Originalbesetzung aus den 80ern auf der Bühne. Lediglich Gitarrist Andy Taylor fehlt, da er ja schon seit Jahren schwer erkrankt ist. Und siehe da, obwohl alle Bandmitglieder, ausgenommen Tourgitarrist Dominic Brown, schon deutlich in den 60ern sind, sprühen sie auf der Bühne vom ersten Ton an vor Spaß und Spielfreude. Da hat aber jemand richtig Bock!

Einen derartig sauberen Hattrick, wie ihn Simon Le Bon & Co. zum Einstieg abliefern, schafft ansonsten nur Erling Haaland. „Is there something I should know?“, „The Wild Boys“ (spätestens hier hat Charming Boy LeBon die Halle! Und mich gleich mit) und den James-Bond-Klassiker „A View to a Kill“ gleich am Anfang zu bringen, zeugt entweder vom strotzenden Selbstbewusstsein einer Band oder dem Wissen um ihre unglaubliche Hitdichte. Oder beides.Und weil die Großartigkeit der eigenen Songs den Künstlern offensichtlich nicht reicht, hat man all das mit einer gigantischen Videoshow untermalt. Entertainment at its best!

Nach „Hungry like a Wolf“ folgt mit „Invisible“ der erste neuere Song vom sträflich unterbewerteten „Future Past“-Album. Da man auch „Danse Macabre“ als Album nicht vernachlässigen möchte, folgen mit „Evil Woman“ und „Lonely in Your Nightmare / Super Freak“ 2 ½ Coverversionen von besagtem Output. Kein Stimmungskiller, aber das Auditorium will ganz offensichtlich die Hits der Band feiern. Und diese liefert: „The Reflex“ und ein hochemotionales „Ordinary World“. Wer hier keine Gänsehaut bekommt, ist definitiv beim falschen Event. Bisher das absolute Highlight einer weiß Gott nicht highlightarmen Show.

Vor „Ordinary World“ hält Simon Le Bon noch eine kleine Ansprache, verurteilt sämtliche deppigen Kriegstreiber und widmet den Song den Menschen in der Ukraine und allen denen, denen es gerade nicht so gut geht wie uns allen in der Halle. Gut gemacht, Simon, Haltung zeigen ist immer gut. Danach geht die Zeitreise quer durch die 80er munter weiter: „Come Undone“, „Notorious“ (die Halle explodiert noch mal kurz kollektiv), „New Moon on Monday“ und „Don’t Want Your Love“. Keine Songs aus der allerersten Reihe, aber nicht minder brillant.

Dann wird es hochemotional. Den aktuellen Song „Free to Love“, zugleich auch Motto der Tour, kündet Simon Le Bon mit einer großartigen Ansprache an, indem er auf die Liebe als Lösung aller aktuellen Probleme verweist und zugleich den Song der LGBTQplus-Community widmet und alle Anwesenden bittet, respektvoll miteinander umzugehen und aufeinander aufzupassen, unabhängig von Geschlecht, Hautfarbe, Sexualität oder Herkunft. Well done, Mr. LeBon, profound words.

Es folgt der allererste Song der Band überhaupt, „Planet Earth“ von 1981. Geschmackvoll eingeleitet von einer ausführlichen Bandvorstellung. Selbsterklärend, dass bei den 4 Urmitgliedern der größte Applaus aufbrandet. Vor allem Keyboarder Nick Rhodes feixt sich einen und lässt sich besonders ausgiebig feiern. Überhaupt, wie schon eingangs erwähnt, haben die alten Herren richtig Bock auf diesen Abend, dieses Publikum und brennen hier eine ununterbrochene Dauerparty ab. Kleiner Einwurf an dieser Stelle: Sänger Simon Le Bon wird exakt 3 Wochen nach dem Konzert 68 Jahre alt. Ein Alter, in dem andere es sich mit Chips und Bier vorm Fernseher gemütlich machen, reißt er mit seinen Jungs mal eben die Arena ab.

Die beiden folgenden Songs „White Lines (Don’t Don’t Do It)“ und „(Reach Up for the) Sunrise“ erwähne ich aus Chronistenpflicht. Weil alle im weiten Rund wissen, dass da noch etwas fehlt. Und als dann die ersten Töne des Knallers „Girls on Film“ erklingen, eskaliert die Stimmung komplett. Die Band hat den Song geschickt verknüpft mit dem Talking-Heads-Klassiker „Psycho Killer“. Und was auf den ersten Blick so gar nicht zusammenzupassen scheint, entpuppt sich als eine grandiose Verschmelzung zu einem der besten, wenn nicht dem besten Song des Abends! #

Wir nähern uns der 100-Minuten-Konzertgrenze, niemand würde es der Band verübeln, wenn sie an dieser Stelle Schluss machen würde. Aber sie haben immer noch nicht genug. Zur Zugabe „Save a Prayer“ lässt CharmingSimon die Halle in einem Lichtermeer erstrahlen. So ekelig die Unsitte ist, jeden Mist eines Konzertes mit dem Handy zu begleiten, in solchen Momenten ist es schon irgendwie cool, wenn alle mit ihren Geräten herumleuchten. Im Verbund mit der Lichtshow auf der Bühne erzeugen Duran Duran kurz vor der Zielgeraden eine ganz besondere Atmosphäre, die einem unweigerlich einen dicken Kloß im Hals zusammenbasteln lässt. Zum Schluss geht es mit „Rio“ noch einmal gaaaaaanz weit zurück zu den Anfängen der Band, danach ist dann wirklich Schluss.

Was bleibt nach einem solchen Abend? Zunächst einmal viele Besucherinnen, die die Band augenscheinlich ebenso lange begleiten wie meine Begleitung, an diesem Abend für 2 Stunden aber noch einmal 15 waren.Und mindestens einen Besucher, der ohne Erwartungen gekommen, aber als echter Fanboy gegangen ist.Ein epischer Abend, an den sich alle, die dabei waren, noch lange erinnern werden!
(Alle Fotos: Stephanie Poesze)

Setlist:
1. Free to Love (Symphonic Instrumental Version)
2. Is There Something I Should Know?
3. The Wild Boys
4. The James Bond Theme (John Barry Cover)
5. A View to a Kill
6. Hungry Like the Wolf
7. INVISIBLE
8. Evil Woman (Electric Light Orchestra Cover)
9. Lonely in Your Nightmare / Super Freak („SUPER LONELY FREAK“)
10. The Reflex
11. Ordinary World
12. Come Undone
13. Notorious
14. New Moon on Monday („NEW MOON DARK PHASE“ Version)
15. I Don’t Want Your Love
16. Free to Love
17. Planet Earth (mit Bandvorstellung)
18. White Lines (Don’t Don’t Do It) (Grandmaster Melle Mel Cover)
19. (Reach Up for the) Sunrise
20. Girls on Film / Psycho Killer
Zugabe:
21. Save a Prayer
22. Rio

Source: Vampster

Porque no vienes a buscarme?
Por qué me ignoran así?
Me niegan el sol
y el mar…

Over the course of their nearly 20-year long tenure, Argentinian (by way of Berlin) post-punk project Mueran Humanos has remained one of our absolute favorite modern bands. Their command of melody, knack for experimentation, captivating dual vocal attack, and passionate live performances put them in a class all their own, and the duo’s four albums and numerous singles remain in heavy rotation to date. Unfortunately, all good things come to an end, as the duo split in February of last year. We’ve been champing at the bit since then, waiting to see what, if anything would come next, and with that in mind, we’re honored to premiere the lead single from Carmen Burguess, titled “El Mar.”

Similar to Burguess’ previous work, “El Mar” is a perfect blend of catchy melodies, deep grooves, seductive vocals, and bouncy synths. While the track seems playful at first glance, “El Mar” takes a deliciously moody turn at the halfway point, with a perfectly maneuvered key change giving way to distorted minor synth chords, adding a welcome bit of mystery to an otherwise dance floor-ripe single. As always, Burguess keeps you listeners on their toes, a common and welcome thread throughout her work over the years. Fans of Chris & Cosey, HTRK, Harry, and romantic new wave songstresses such as Nico, Laurie Anderson, and Marianne Faithfull will find much to love in the track, which continues to open up like a fine wine after several listens.

Check out to “El Mar” below:

El Mar by Carmen Burguess

While Burguess has remained active in other mediums over the last few years, “El Mar” is the first taste of new recorded music from Burguess since the final Mueran Humanos LP, which Burguess sang in entirety. Her upcoming solo LP, Flores de Cuero, will be released digitally on January 15th, 2027 via Mixta Music, with a vinyl edition to follow later in the year. The LP was written and recorded between her hometown of Buenos Aires, Argentina, and Berlin. Following the release of the LP, Burguess will perform a live in Buenos Aires, Mexico City, and Berlin.

Burguess has also just launched her own website, which serves as a living archive for her multimedia work: stories, dream journals and drawings will be released over time, beginning with an unpublished short story, written entirely in Spanish, which is released in tandem with “El Mar.” Stay tuned over there for more of the Flores de Cuero story as it unfolds…

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Für viele Menschen gehört die Musik von 'Das Ich' zur eigenen Lebensgeschichte. Entsprechend tief sitzt wohl bei vielen noch der Schock über den plötzlichen Tod von Bruno...

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In Extremo haben mit „Sternhagelvoller“ eine Neuauflage einer ihrer bekanntesten Songs veröffentlicht. Dieser versammelt eine illustre Auswahl an Gastmusikern und ist zudem ein weiterer Vorbote auf „Tranquilo II“, das zweite Akustikalbum der Band. Alle Infos dazu sowie das Musikvideo bei uns!

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Andrew Nolan released his industrial dub album "Black Dogs" on October 9 via GIVE/TAKE and Avalanche Recordings, featuring JK FLESH and Gremlinz.

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THIEF, the dark electronic project of Dylan Neal, released the single and video "Poison Drum" from new album "Sermons from the Pit," out November 27.

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Normal Bias released the single and video "Soft Power," their first new music since 2024 album "Kingdom Come," ahead of 2027 LP "Ways of Keeping Clean."

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HAAi released her new album "DIGITiSE" on October 9 via Mute, alongside a video for "Talking Walls" featuring Skybreak and Cantoalegre.

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Die schwedische Metal-Band Eleine hat ihre neue Single „Ich Sehe Dich“ samt Musikvideo veröffentlicht. Der Song ist ein weiterer Vorbote des fünften Studioalbums „The Water Taste Of Blood“. Alle Infos dazu sowie das Musikvideo bei uns!

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WAGE WAR haben am 9. Oktober 2026 ihr Album „Landfall“ herausgebracht. Zum Release teilte die Modern / Post Metalcore-Band außerdem einen Clip zu „Silk„.

Derzeit stehen WAGE WAR bei Fearless Records unter Vertrag.

WAGE WAR „Landfall“ Tracklist

Landfall
Sweet Dreams
Silk (Video bei YouTube)
Figure 8
God Complex
Stay With Me
Silence Has Spoken
Way Of Pain
R3D DOT
Blindfold (Video bei YouTube)
Spellbound
Song Of The Swamp (Video bei YouTube)
Silhouette

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Sotiria eröffnete am 8. Oktober 2026 ihre „Meine Liebe ist Gift“-Tour im Kulttempel Oberhausen – und wir waren live dabei! Mit Special Guest Florian Grey sorgte die Musikerin für einen intensiven Tourauftakt. Hier kommt unsere Foto-Galerie vom Abend.

Source: Sonic Seducer

Yungblud hat eine Live-Version seiner Single „Zombie“ veröffentlicht, bei der ihn The Smashing Pumpkins-Frontmann Billy Corgan unterstützt. Die Aufnahme entstand am 30. Juli im Riviera Theatre in Chicago. Alle Infos dazu bei uns!

Source: Sonic Seducer

Leider wird dieses grandiose Album bisher nur Digital veröffentlicht, aber hoffen wir mal, das mit einem durchschlagenden Erfolg der Platte, da noch mehr gewagt und andere Medien produziert werden. Denn es würde sich durchaus lohnen, da die Manchester-geprägten 10 Singer/Songwriter-Songs wie aus einem Guss klingen und wer auf 80er/90er Künstler wie BILL PRITCHARD, THE HOUSE OF LOVE,GO BETWEENS, THE OCEAN BLUEoder CRASH CAN SINATRAS, R.E.M, FRANK AND THE WALTERS und anderen mehr aus der Indie Brit-Pop-Ecke steht, sollte hier unbedingt mal ein Ohr riskieren. Die perlenden, melodischen Rock/Wave-Tracks der fünfköpfigen Band – meist im Up-Tempo gehalten – fließen nur so elegisch aus den Boxen. Die stimmigen Gitarren und die tragend, warme, harmonische Stimme von Frontmann NICK TRUE, ehemals bei FRIENDS OF GAVIN, erzeugen ein Gleichgewicht zwischen nachdenklichen Songwriting und folkigen eingängigen Indie Rock-Sound. Teils punkten die Tracks auch mit schönem Harmoniegesang und viel Moll gefärbten Klanglandschaften. Auch die Videos von der Akustic Session – Live from Soho oder den Liveauftritten in London – Hammersmith Apollo und Glasgow – Barrowland Ballroom zeugen von den fundamentalen Livequalitäten der Gruppe. Das Debütalbum „People like Us“ der Band wurde teilweise von DANTON SUPPLE (COLDPLAY / SUEDE/ ELBOW ) produziert und hatte über 3 Millionen Streams, was ihnen die Unterstützung von BBC Sendern in ganz Great Britain einbrachte. Seitdem touren sie landesweit mit SCOUTING FOR GIRLS und traten schon bei großen Events wie dem Roundhouse oder ausverkauften Headliner Konzerten im Notting Hill Arts Club und den oben erwähnten Locations auf. THE HORN arbeiten nun erneut mit DANTON  SUPPLE an ihrem zweiten Album in den RAK Studios sowie in den Abbey Road Studios, was für die Band ein riesiger Sprung nach vorne ist. Die Band um NICK TRUE mit JONNY TAYLOR, DANNY MONK, ALEX MOORSE und ED COX will auch die bisher schon starke visuelle Indentität und den rebellischen Geist weiter ausbauen, was ihnen fraglos gelingen wird. Für mich ein perfektes Album für lauschige Sommerabende auf der Terasse oder auch für neblige Herbsttage in alten Parkanlagen.

(S.Erichsen)

Source: BLACK Onlinemagazin

Wer am Wochenende endlich seine Ruhe haben möchte, sollte diese Nachricht vorsichtshalber vom Bücherregal fernhalten: 'The New Blockaders' bekommen nämlich mit „Viva Negativa! The New Blockaders: The...

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Tour starts 12.02.2027

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Tour starts 18.03.2027

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Tour starts 02.04.2027

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Tour starts 25.04.2027

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Release 09.10.2026

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Release 13.10.2026

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Release 16.10.2026

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Release 30.10.2026

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Release 27.11.2026

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Release 27.11.2026

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Release 20.12.2026

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Release 15.01.2027

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Fans von Type O Negative dürfen sich auf bislang unveröffentlichtes Live-Material freuen: Das angekündigte Live-Album soll voraussichtlich im ersten Quartal 2027 erscheinen. Gitarrist Kenny Hickey erklärte in einem aktuellen Interview mit Loaded Radio, dass die Bearbeitung der Aufnahmen nahezu abgeschlossen sei. Alle Infos dazu bei uns!

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Mehr als 12 Stunden Cover-Versionen von Harakiri For The Sky, Vlad In Tears, Lord Of The Lost, Thulcandra, Powerwolf, Feuerschwanz, The 69 Eyes, Blutengel, Atrocity, ASP und vielen mehr!

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Alcest veröffentlichen erstmals in ihrer Karriere ein offizielles Live-Album. „Live at Hellfest 2022“ erscheint Ende 2026 und dokumentiert den Auftritt der Band beim renommierten französischen Hellfest. Mit "Protection" wurde zudem ein erster Höreindruck veröffentlicht. Alle Infos dazu bei uns!

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Chelsea Wolfe hat bei der Pariser Fashion Week einen bislang unveröffentlichten Song erstmals live präsentiert. „Wandering“ eröffnete am 3. Oktober die Show von Ann Demeulemeester im Réfectoire des Cordeliers in Paris und markierte damit einen weiteren Schritt in der jüngsten musikalischen Verbindung zwischen Wolfe und dem belgischen Modehaus. Alle Infos dazu bei uns!

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Die „Glamour Of Darkness – Special Night“ in der Heilig-Kreuz-Kirche Berlin-Kreuzberg steht nach dem tragischen Tod von Bruno Kramm, Kopf der Band Das Ich, ganz im Zeichen des Gedenkens. Alle Infos dazu bei uns!

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Ihr wollt Sonic Seducer bequem nach Hause geliefert bekommen, aber nicht gleich ein Abo abschließen? Wie wäre es mit dem Sonic Seducer Probe-Abo? Zum Vorzugspreis von 14,99 Euro erhaltet Ihr zwei Ausgaben und Prämien zu Depeche Mode, Subway To Sally und Placebo!

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Am Donnerstag startet die Sotiria (Ex-Eisblume) mit ihrem neuen Album "Meine Liebe ist Gift" im Gepäck ihre gleichnamige Tour. Als Special Guest begleitet sie Florian Grey. Wir freuen uns, als Präsentatoren dabei zu sein - alle Termine hier!

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Schöngeist steuern auf das Grande Finale ihrer aktuellen Tour im Vorprogramm von ASP zu. Drei Konzerte stehen noch aus. Wir zeigen euch einige der bisherigen Highlights der Shows. Seht hier unsere Foto-Galerie!

Source: Sonic Seducer

Die Geschichte der Band Asche aus Leipzig (nicht zu verwechseln mit dem gleichnamigen Ex ARS MORIENDI-Rhythm Noise-Projekt bei Ant-Zen) reicht bis tief in die 80er Jahre zurück. 1982 fanden sich damals vier Schulfreunde zusammen, um ihren Frust über den grauen Alltag im real existierenden Sozialismus musikalisch auszudrücken. Unter dem Banner 0815 wurden im Proberaum ein paar Titel aufgenommen, wobei die „Band“ nie Live aufgetreten ist und keine drei Jahre Bestand hatte. Allerdings überdauerte der Mythos um 0815 sogar die DDR und schließlich kam diese „Phantom“-Band auf der Compilation „Heldenstadt Anders – Leipziger Underground 1981-1989“ zu späten Ehren. Für das begleitende Festival zur Veröffentlichung der 3LP-Compilation in der UT Connewitz fanden sich Teile der Band wieder zusammen, es wurden geprobt, die alten Songs noch mal neu eingespielt, als Tape veröffentlicht und man natürlich 2019 dann auch mit auf der Bühne im UT Connewitz stand. Euphorisiert von dem Festival-Auftritt wollte man weiter machen, jedoch hatte man sich über die Jahrzehnte persönlich und musikalisch verändert, weshalb die Formation ASCHE ins Leben gerufen wurde. „Volumen:1“ ist jetzt eine Sammlung von 10 Songs, welche seit 2019 in der neuen Besetzung eingespielt wurden und man nicht wirklich als Album bezeichnen kann. Es zeigt vielmehr die Entwicklung von Asche seit 2019 auf und wo der Weg vielleicht hingehen wird. Noch schwanken die Texte zwischen Deutsch und Englisch, aber ich denke, letztendlich wird das Deutsche überwiegen. Musikalisch ist der Sound von ASCHE ganz klar dem Depro Düster Punk in der Tradition der FLIEHENDEN STÜRME, EA80 und DIE STRAFE zuzuordnen. Mehr brauche ich dazu auch nicht mehr zu sagen, denn Freunde dieses Genres werden wissen, was sie erwartet. Live sind ASCHE dem zur Folge hauptsächlich in Autonomen Jugend Zentren und kleinen Clubs unterwegs, wie die Veröffentlichung als Kassette nur konsequent ist. Ein „Volumen:2“ ist übrigens schon angedacht und man darf gespannt sein, wie darauf das Ergebnis dann klingen wird. Bis dahin kann man sich ja mit dem wirklich schön aufgemachten Tape inklusive DL beschäftigen oder nach der Band Live Ausschau halten. (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin

Lina Baby Doll hat im vorigen Jahr mal wieder drei feine CDs auf seinem eigenen Label Entartete Musikk veröffentlicht und eine davon ist ein Live-Album seines Hauptprojektes DEUTSCH NEPAL. Die Live-Auftritte von DEUTSCH NEPAL sind ja immer so eine Sache und abhängig von der Form (und dem Alkohol-Konsum) des Generals. Am 05.04.2015 in Paris hatte er aber einen guten Tag, wenn natürlich die Stimmung am Abend gewohnt traurig-trunken war und die 65 Minuten des Konzertes letztendlich ein kleine Sternstunde von DEUTSCH NEPAL geworden sind. Die insgesamt 10 Tracks des Mitschnitts sind von sehr guter Qualität, welcher sogar die Konzert-Atmosphäre mit Ansagen von Lina und Publikumsreaktionen hörbar wiedergibt, was ja bei den sonst typischen Dark Ambient & Industrial-Live-Aufnahmen meist nicht der Fall ist. Das Best Of-Set von DEUTSCH NEPAL wird hier massiv vom Gesang Lina Baby Dolls dominiert und dieser singt sich stilecht im Geiste von Nico und Zarah Leander durch das Konzert. Natürlich darf da sein Hit „Ich steh’ im Regen“ nicht fehlen und sogar „Cosmic Trigger“ von DER BLUTHARSCH kommt gleich zum Anfang zu Ehren. Die musikalische Untermalung seiner gesanglichen Darbietung besteht aus den für DEUTSCH NEPAL so prägnanten Loops, die diesmal recht martialisch und düster-dunkel dröhnen. Dieser Live-Mitschnitt ist von der Aufnahme und Atmosphäre her gesehen wirklich sehr zu empfehlen und sogar besser, als manches Studio-Album von DEUTSCH NEPAL! Die sehr schick gestaltete CD im Digipack (kein billiges Digi-Sleeve!) ist auf 300 Exemplare limitiert und über Bandcamp direkt bei DEUTSCH NEPAL erhältlich, wo es parallel auch den Download mit dazu gibt. Ganz dicke Empfehlung von mir, wie ebenso die Eingangs erwähnten anderen beiden, doch dazu später mehr. Unterstützt den General mit dem Kauf einer CD, denn die Musik und der Typ haben es verdient! (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin

„Dieser Krieg“. Mit diesem Titel beginnt der neue Longplayer von ES WAR MORD – eine der Berliner Punkbands, die nicht einfach nur simpel, hau-drauf oder punkig-assi sind, sondern tatsächlich so was wie integer. Das heißt, wir hören hier fünf Leute, die machen, was ist: düster, schnell und wütend. Die Musik ist schwer hintersinnig, die Texte sind von Belang … „Dieser Krieg ist nicht mein Krieg“ heißt es am Ende des ersten Titels.

Hier wird weiter als bis vor die Haustür gedacht. Hier wird der Kleinkrieg, der die Menschen trennt, durchschaut. Hier wird gleich der große, der tatsächlich immer wieder und überall tobt, in den Blick genommen. „Keine Chance für niemand“ heißt es dann auch.  Klar werden dürfte, wenn jemand diese fünf Leute auf der Bühne sieht und hört, dass es sich um welche handelt, die bereits einiges mit- und durchgemacht haben. Das wird in Artikeln über die Band auch schon mal so umschrieben, dass diese All-Star-Band Punk-Geschichte mitgeschrieben hat. Grad die beiden Gitarristen werden immer wieder genannt. Sepp Ehrensberger zum Beispiel spielte mal bei „Vorkriegsjugend“ und bei „Jingo de Lunch“. Tom Schwoll bei „Zerstörte Jugend“, „Die Skeptiker“ und auch bei „Jingo de Lunch“. Allerdings ist das bezogen auf dieses Album vielleicht auch nur als Hintergrundinfo von Bedeutung. Interessant ist das, was ist. Das sind bei „Frühling der Verräter“ zunächst mal die Titel. Das heißt, „Keine Chance“, „Messer im Kopf“ und „Die Hölle“ könnten in dieser Abfolge gut und gern konzeptuell angelegt worden sein. Das sind sie aber nicht. Sondern so etwas wie Kommentare. Welche zur Zeit, die zerteilt und versprengt ist. Hier wird nicht auf das Moralisieren dessen, was ist, abgehoben. Hier wird von einer berichtet, die kaum eine Wahrheit mehr hat. Auch das Cover ist erwähnenswert, weicht die Band doch von ihrer Linolschnitt- und konstruktivistischen Gestaltungsform ab. Erst noch fand ich das schade, dann aber kam mir in den Sinn: Da sitzen zwei Wellensittiche auf einer Schulter. Die werden angepustet, damit sie losfliegen. Und wie fliegen sie dann, wenn sie es tun? Sie fliegen niemals zurück. Sie fliegen immer nach vorn.

Trotz der immer wieder erwähnten Wurzeln im Punk der frühen 1980er Jahre sind ES WAR MORD nicht nostalgisch. Es gibt hier kein „Weißt du noch damals“. Es wird weitergemacht, nach vorne gespielt. Und zwar ohne Gitarrenriffs, die man irgendwo schon mal gehört zu haben glaubt, sondern mit welchen, die auch schon mal dissonant sind. Da wechselt häufig das Tempo. Da bricht die Rhythmik immer mal wieder zusammen. Dazu die Stimme von Stunk, die mehr mit den Texten ringt, als sie nur brüllend zu begleiten. Unerwartet. Stark.

Das Konzert zur Veröffentlichung des Albums fand am 19. September satt. Ein mitreißendes Erlebnis. Eines dem hoffentlich zeitnah wieder welche folgen. Wenn nicht im Herbst oder Winter, so doch hoffentlich spätestens im nächsten Frühling. (awk)

Source: BLACK Onlinemagazin

Das belgische EMPUSAE- und japanische SHINKIRO-Projekt sind Zusammenarbeiten mit anderen Experimental-Musikern seit Anfang ihres Wirkens an ja gewohnt und 2011 kollaborierten beide dann endlich auch einmal gemeinsam. Ihr erstes Werk „Organic.Aural.Ornaments“ erschien damals als CD bei Ant-Zen und war auf den ersten Blick ein recht unspektakuläres Werk. Letztendlich kristallisierte sich das Album jedoch als äußerst vielschichtig und faszinierend heraus. Über die dezent zurückgenommenen Rhythmus-Pattern von EMPUSAE legte SHINKIRO einen herrlich versponnene Ambient-Schleier wie ein Spinnennetz, in dem sich nach und nach Melodien verfangen, welche wie Tautropfen am Morgen von Blättern langsam abperlen. Das wie immer sehr ansprechende Artwork von Salt bildete diese Assoziationen auch perfekt ab und „Organic.Aural.Ornaments“ war (und ist) für mich eine absolute Ambient-Meisterleistung der Zusammenarbeit und Zurückhaltung in Einem. Vier Jahre später folgte davon auf dem spanischen Label La Esencia eine schicke Vinyl-Ausgabe als Doppel-LP, welche zusätzlich noch zwei Bonus-Tracks enthielt. An diese schloss sich 2022 nahtlos die Fortsetzung bei der Loki Foundation an bzw. setzte dadurch das Nummerierungsschema der Tracks logischerweise erst mit dem „Ninth Ornament“ ein. Das Artwork fällt bei „Organic.Aural.Ornaments II“ deutlich monochromer und „dorniger“ aus, was sich ja schon mit der Label-Wahl und letztendlich in einem deutlich dunkleren bedrohlicheren Sound manifestiert. Metallisch scharfkantig schleifende Drones steigern sich träge aus den nebligen Ambient-Schleier heraus und die Drums schieben sich nur beim „Eleventh Ornament“ etwas mehr in den Vordergrund und wirken dabei fast schon martialisch. „Organic.Aural.Ornaments II“ ist somit eine äußerst empfehlenswerte Weiterführung der atmosphärische Dark Ambient-Kollaboration, welche inzwischen zwar auch schon wieder 4 Jahre alt, aber zeitlos und immer noch verfügbar ist. Das schwarze Vinyl wurde auf nur 100 Stück limitiert und 93 Exemplare im clear Vinyl gab es als Bundle zusammen mit der CD, welche übrigens diesmal mit dem „Thirteenth Ornament“ einen Bonus-Track enthält und auch einzeln erhältlich ist! (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin

Durch Zufall entdeckte ich diese großartige Platte vom Projekt TIBURSKY und dahinter steckt natürlich der Berliner Musiker mit einer langen und bewegten Karriere seit Ende der 80s – JOHANNES TIBURSKY. Und ich muß wirklich sagen, das es wahrlich wunderbar ist, das es noch solche Künstler gibt, die genau diese Klanglandschaften zaubern und kreieren. Denn wer wie ich auch auf 80er angehauchte New Wave Rock Bands wie THE CONVENT, TWELVE DRUMMERS DRUMMING, ECHO AND THE BUNNYMEN, NEW ORDER, GO BETWEENS, SIMPLE MINDS, DEAD GUITARS, ADRIAN BORLAND, WIRE, CHAMELEONS, THE SILENCERS, HOUSE OF LOVE und vielen anderen aus der Wave Rock Ecke steht, sollte hier unbedingt mal ein Ohr riskieren. JOHANNES arbeitet zudem aber auch noch viel an Soundtracks für Filme, Dokumentationen und produziert andere Künstler, also ist der Mann musikalisch weit gereist und sehr breit aufgestellt und das spiegelt sich in der Ausrichtung des Albums komplett wieder. Aber auch Audiovisuell kann sich TIBURSKY durchaus sehen lassen, denn es wurden bereits kreative Videos zum neuen, letzten Album von den epischen Songs „Collapsing World“, „Settle Down“ sowie „When She Comes Around“ und „I Will Go Anywhere“ gedreht. Bei der Platte „Coming Home“ geht es ums musikalische Heimkommen und der Rückgewinnung seiner künstlerischen Freiheit. „Es ist einfach wie nach einer langen Reise endlich nach Hause zu kommen“ sagte JOHANNES selber, da es in seiner Vergangenheit etliche gesundheitliche Probleme gegeben hatte, dann der Neustart mit seinem eigenen Material und um rechtliche Dinge ging es dann wohl auch noch. Nach dem das alles überwunden war, ist Sänger, Produzent, Komponist TRIBURSKY neu gestartet und hat diese  spannenden 11 Tracks aufgenommen und ist mit seiner markanten – PETER MURPHY/ DAVID BOWIE mäßigen – Stimme und seinen abwechslungsreichen, vielschichtigen Songs  wieder auf Erfolgskurs. Durch seine vielen Projekte und seine Erfahrung hat er ein Gespür für atmosphärische Tracks mit Tiefgang und genau das merkt man den wavigen Post Punk Liedern auch an, denn vieles bewegt sich zwischen akustischer Melancholie wie in „Live Is Not Over Yet“  und treibenden Gitarren Wave-Tracks in „Let The People Dance“ sowie dem Pathos des Stadionrocks und das alles dazu auch noch von der gehobenen Sorte. Den emotionalen, sehr eingängigen und professionellen Tracks merkt man sofort an, das hier motivierte und erfahrene Musiker des Geschäfts am Start sind, die sehr viel Herzblut in die Produktion ihrer Platte gelegt haben. Die Klanglandschaften, die teils mit brillianten, auch elektronischen Einflüssen operieren, gehen Sound-technisch auch ab und zu etwas in Richtung Folkrock und die flimmernden Gitarren und dancigen Drums, sowie die Männerchöre runden das Ganze perfekt ab. Im Song „The Same Inside“ gibt es sogar ein Duett mit HANNA PASCHEK, hier werden wirklich alle möglichen Facetten gezogen. Begleitet wird JOHANNES seit vielen Jahren von WILHELM an der Gitarre und TODD WINSTON an den Keys/Piano und ich freue mich nun schon mal auf die ganz neue Platte plus Tour im nächsten Jahr. (Sven Erichsen)

Source: BLACK Onlinemagazin

Ich hatte es ja bestimmt schon mal erwähnt, dass mich Musiker-Biografien allgemein sehr interessieren, selbst wenn mich deren Musik nicht unbedingt anspricht. So fand ich es zum Beispiel äußerst amüsant, als sich Bertram Engel in seinen Erinnerungen „Mit alten Männern spiel’ ich nicht“ beklagte, kein Geld mehr zu haben. Als Schlagzeuger und Songschreiber für u.a. Udo Lindenberg und Peter Maffay sollte er ja eigentlich ein sicheres Auskommen bis an sein Lebensende haben. Wenn ich dann aber zwischen den Zeilen lese, wie viel „Marschiererpulver“ sich reingezogen wurde oder seine Frauen in Projekten und Immobilien versenkt haben, kann ich nur milde lächeln. Solche Probleme haben Jim Kerr und Charlie Burchill von den SIMPLE MINDS nicht, denn die beiden Freunde sind trotz ihres Welterfolges mit der Band immer bodenständig geblieben. Nun sind die SIMPLE MINDS auch nicht gerade mein favorisierte Musik (obwohl ich natürlich die alten Platten alle im Regal habe), aber ihre lange Geschichte verspricht Spannung und der Buchtitel sogar Geheimnisse, welche beide nun preisgeben bzw. zusammen mit Graeme Thomson aufgeschrieben haben. Auf knapp 400 Seiten erleben wir den Werdegang von Jim & Charlie von Kindheit an, welche geprägt war vom harten Alltag der britischen Arbeiterklasse nach dem zweiten Weltkrieg und einer Freundschaft, die organisch gewachsen ist und deshalb auch heute noch Bestand hat. Es gab in der Geschichte der SIMPLE MINDS zwar die üblichen Höhen und Tiefen, aber keine Skandale und inzwischen wohnen beide Musiker heute sogar fast nebeneinander auf Sizilien. Gerade dieser im Musik-Business eher seltene Umstand macht die beiden für mich äußert sympathisch, wie ebenso ihre abgeklärte Sicht auf die Karriere der SIMPLE MINDS. Wem das jetzt zu langweilig erscheinen mag, dem sei angemerkt, das Jim Kerr mit Chrissie Hynde und Patsy Kensit verheiratet, wie die Karriere der Band in den ersten Jahren mehr als steinig war. Das sollte eigentlich für genug spannenden Lesestoff über eine schottische Band reichen, die in kleinen Punk-Clubs gestartet ist, es dann aber bis Philadelphia zum „Live Aid“-Festival oder nach London ins Wembley-Stadion auf die Bühne geschafft hat. Selbst wenn ab Mitte der 90er die Bühnen wieder kleiner wurden und die Alben nicht mehr so erfolgreich waren, blieben die beiden Freunde (oder Brüder, wie sie sich selbst bezeichnen) ihrer Musik treu. Inzwischen betreibt ja Jim Kerr parallel zur Band in Italien ein Hotel und baut Oliven an, was ich wiederum sehr angenehm empfinde und auch, wie er darüber berichtet. Der lange Atem scheint sich inzwischen ja auszuzahlen, denn für nächstes Jahr ist eine große Tournee der SIMPLE MINDS angekündigt, welche sie in Deutschland im Zuge des 80er Revival wieder in die Mega-Event-Hallen führen wird. Gegönnt sei es ihnen auf jeden Fall und wer in Sachen SIMPLE MINDS noch nicht ganz so bewandert ist, hat nun für 28 Euro mit „Unsere Musik, unsere Geheimnisse“ ein gutes Rüstzeug dazu! (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin

Ich weiß nicht so recht, ob das letzte BUSH-Album „I Beat Loneliness“ ein großer Erfolg war oder auch nicht, denn bei den meisten Kritikern fiel es leider durch, aber mir hatte es sehr gut gefallen. Für earMUSIC scheint es zumindest gereicht zu haben, weshalb man jetzt eine opulente 15th Year Anniversary-Ausgabe des Comeback-Albums „The Sea Of Memories“ aus dem Jahre 2011 nachschiebt. Nach dem Flop ihres Albums „Golden State“ im Jahr der Terroranschläge rund um den 11.09. lösten sich damals BUSH auf und Frontmann Gavin Rossdale gründete die Band INSTITUTE, veröffentlichte ein Solo-Album und heiratete Gwen Stefani. Allen drei Projekte war jedoch irgendwie auch kein Erfolg beschieden, weshalb 2011 BUSH in teilweise neuer Besetzung zurückkehrte. Mit „The Sea Of Memories“ konnte man zwar nicht mehr an vergangene kommerzielle Erfolge der Band anschließen, lieferte aber nichts dem zum Trotz ein solides modernes Rock-Album ab, welches man nun Dank der neuen Ausgabe wieder neu entdecken kann. Angereichert wurde das Hauptalbum jetzt um ganze 9 weitere Tracks, welche bei genauerer Betrachtung aber eigentlich auch nichts Neues bieten. 8 davon waren damals schon auf der Bonus-CD der europäischen Erstauflage zu finden und nur das JOY DIVISION-Cover von „Love Will Tear Us Apart“ gab es in Amerika exklusiv nur auf der Walmart-CD-Ausgabe des Albums. Dafür gibt es das Ganze diesmal komplett auf Vinyl in einer 3LP-Edition mit allen 21 Tracks. Das Album ist in meinen Ohren 15 Jahre später erstaunlich gut gealtert, klingt immer noch typisch nach BUSH und das neue Mastering holt noch mal das letzte aus der an sich schon fetten Produktion von Bob Rock heraus. Für den (unwahrscheinlichen) Fall, das jemand BUSH erst mit „I Beat Loneliness“ oder als Support für VOLBEAT im vorigen Jahr entdeckt hat, bietet sich jetzt eine gute Gelegenheit, vergangenes neu zu aufzuarbeiten. (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin