The Snake Corps’ cult classic debut Flesh on Flesh is back in physical circulation, with the album newly reissued in two 2026 editions: an expanded and remastered CD from Iconoclassic Records and a clear-vinyl pressing from Lantern Rec.

Originally issued on Midnight Music in 1985, Flesh on Flesh captures the English band’s early sound in full reach: ringing guitars, hard-edged romanticism, cavernous drums, and the kind of widescreen emotional pull that placed them in the same weather system as Sad Lovers & Giants, The Chameleons, The Sound, Echo & the Bunnymen, and early U2. But where Sad Lovers & Giants often leaned toward a more misted, coldwave-adjacent strain of post-punk, The Snake Corps pushed the shared DNA into something heavier and more gothic-rock-inclined, with a sharper guitar attack and a larger, more anthemtic vocal presence.

That presence belongs to Marc Lewis, whose voice gives Flesh on Flesh much of its force. Lewis sings with a dramatic, open-throated command that rivals Bono at his early-80s peak, turning songs such as “Victory Parade,” “Science Kills,” “Another Monday,” and “Look East for Eden” into broad, urgent statements without losing the record’s underground charge. The Snake Corps could brood with the best of their era, but they also knew how to make that brooding move outward, toward scale, sweep, and grandeur.

The new Iconoclassic edition, catalog number ICON 1093, marks the album’s first CD pressing in more than 35 years. It has been remastered by Maria Triana and expanded with seven bonus tracks, three of which appear on CD for the first time. The package also includes new liner notes by Mick Mercer, based on newly conducted interviews with the band.

A separate Lantern Rec. edition, issued for Record Store Day 2026, brings Flesh on Flesh back to LP as a limited clear-vinyl pressing with one bonus track, “Dreamland.”

The Snake Corps formed around 1984 in the wake of the first breakup of Sad Lovers & Giants, with guitarist Tristan Garel-Funk and drummer Nigel Pollard initially launching the project. Pollard soon returned to Sad Lovers & Giants, and the early Snake Corps lineup solidified around Marc Lewis on vocals, Garel-Funk on guitar, Liam McGuinness on bass, and Jon Greville of Rudimentary Peni on drums.

The connection between the two bands was not merely biographical. The Snake Corps and Sad Lovers & Giants shared a musical bloodstream, sometimes quite literally: songs such as “In Flux” passed between both their worlds, revealing how close the projects could be in origin while showing how differently each band handled the same material. In the hands of Sad Lovers & Giants, that language could feel spectral, icy, and suspended in another world; with The Snake Corps, it became denser and darker. Still dreamy, yet more forceful.

Though Flesh on Flesh never became a mainstream hit, the record built a devoted following among post-punk, darkwave, and gothic-rock fans, particularly in Europe, where The Snake Corps found much of their audience through touring. They later continued with albums including Smother Earth and 3rd Cup, and eventually returned to activity in the 2010s, carrying forward the same grand, bruised romanticism that made their debut such a cult favorite.

Order the Lantern Editions vinyl edition here:

Flesh on Flesh vinyl

Order the Iconoclassic Records CD edition here:

Flesh on Flesh expanded CD

The Snake Corps, Flesh on Flesh — Expanded CD Tracklist:

Victory Parade
Animals All
Save My Heart
Man in the Mirror
Miracle
Science Kills
Another Monday
Look East for Eden
House of Man
Flesh on Flesh
Party’s Over
In Flux
Always Be the Same
Painted Ocean
Testament
Hit the Cat
Goodbye Forever

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Source: Post-Punk.com

Legendary Manchester post-punk act The Durutti Column have announced Renascent, their first new studio album in 16 years. The new record, led once again by the unmistakable guitar work of Vini Reilly, is due this summer via London Records, with Bandcamp currently listing the digital release for July 10 and physical editions shipping around July 31. The album follows 2010’s A Paean to Wilson and arrives after the recent expanded reissue campaign surrounding the band’s Factory Records-era catalog.

Alongside Reilly, Renascent features longtime Durutti Column percussionist Bruce Mitchell and producer/multi-instrumentalist Keir Stewart. The album also includes guest vocal turns from a newer generation of artists, including Caoilfhionn Rose on “Agonistes” and Lucas Elliot on the CD and digital bonus track “All They See Is Fire.”

To mark the announcement, The Durutti Column have shared the first single, “Liars,” a graceful return set to a low, downtempo beat with a faint trip-hop sway and a touch of dream-pop atmosphere. Reilly’s smoky, close-miked vocals are counterbalanced by feminine sighs and warm electronic washes, but the center remains that guitar: clean, fluid, and instantly recognizable, with elaborate yet controlled melodic phrases that breathe like poetry. His riffs seem to carry decades of feeling without overplaying a single bar, leaving “Liars” suspended between recollection and motion, tender without becoming fragile, delicate without disappearing. This is unmistakably The Durutti Column: a sound built from restraint, ache, and Reilly’s gift for turning the smallest melodic gesture into an emotional event.

Watch the official visualizer for “Liars” below.

Pre-orders for Renascent are available now on CD, vinyl, cassette, digital, and deluxe formats. The album’s visual presentation also nods back to the group’s Factory lineage, with artwork from longtime Factory design collaborators Mark Holt and Hamish Muir of 8vo.

Listen to “Liars” via Bandcamp below, and pre-order Renascent here.

Renascent by The Durutti Column

Formed in Manchester in 1978, The Durutti Column occupies the first page of Factory Records history. Vini Reilly would later describe the group as Tony Wilson’s “baby”: the first act signed up to the Factory club night and the first band signed to Factory Records. They would also appear on A Factory Sample, Factory’s first record release, alongside Joy Division, Cabaret Voltaire, and John Dowie.

The original lineup soon splintered, leaving Reilly as the project’s center of gravity. His clean, fluid, emotionally exact playing stood apart from the harsher edges of the era. Where many of his contemporaries turned alienation into abrasion, Reilly found tension in delicacy. His music traced quiet lines through jazz, classical phrasing, ambient space, and the private weather of memory, creating a body of work that felt less like a reaction against rock orthodoxy than an escape route from it.

The group’s 1980 debut, The Return of the Durutti Column, recorded with producer Martin Hannett, remains one of the great anomalies of the Factory catalog: a record as hushed and human as its infamous sandpaper sleeve was antagonistic. Inspired by Situationist mischief, the original sleeve was designed to scuff whatever sat beside it on the shelf, with early copies hand-assembled by members of the Factory circle, including Joy Division. It was a typically Factory contradiction: beauty housed in sabotage, gentleness wrapped in damage.

Across the decades that followed, Reilly continued to steer The Durutti Column through a deeply individual body of work, often joined by longtime percussionist Bruce Mitchell and, in more recent years, producer and multi-instrumentalist Keir Stewart. Albums such as LC, Another Setting, Without Mercy, The Guitar and Other Machines, and Vini Reilly moved between instrumental miniatures, chamber-like arrangements, electronic textures, and songs that seemed to arrive from some half-remembered interior place. The Durutti Column never fit comfortably inside post-punk’s usual frame, which is exactly why their work continues to feel so singular.

Reilly’s touch also reached beyond The Durutti Column. In 1988, he played guitar and keyboards on Morrissey’s solo debut Viva Hate, bringing a glassy, mercurial Manchester language to the record. His iconic guitar on “Suedehead” remains one of the song’s defining features: that instantly recognizable opening figure, ringing out with a clarity that helped announce Morrissey’s post-Smiths life while quietly carrying Reilly’s own signature into the charts. Whatever arguments have followed the album’s credits over the years, the sound of Reilly’s guitar on that single is unmistakable.

In recent years, The Durutti Column’s influence has continued to travel in unexpected directions, with younger artists and listeners finding their way into Reilly’s catalog through reissues, rediscovery, and word-of-mouth devotion. The music has always carried that kind of private magnetism: understated, deeply felt, and resistant to easy summary.

With Renascent, The Durutti Column return not as a relic from Manchester’s post-punk mythology, but as a living presence within it: still tender, still strange, still guided by Reilly’s unmistakable hand.

Renascent Tracklist

Echoes in the Memory
Your Shadow at Morning
Time Present and Time Past
Agonistes
Liars
Vapour in a Matchbox
Your Shadow at Evening
Sargasso Sea
Scammer
For Friends Everywhere
All They See Is Fire — CD and digital bonus track

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Source: Post-Punk.com

Die Power Metal-Band SOLARUS hat nach „The Heavenly Burden“ mit „Angel Afire“ eine zweite Single ihres kommenden Albums „Of Sin and Ruin“ als Video-Clip veröffentlicht. Es ist das vierte Album der Kanadier aus Ontario und wird am 17. Juli 2026 erscheinen.

SOLARUS „Angel Afire“ (Video bei YouTube)

SOLARUS „The Heavenly Burden“ (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Modern Death Metal-Band MONARCH OF HATE hat mit „There Goes the Sun“ eine neue Single veröffentlicht. Es ist der erste Release des finnischen Duos rund um Tomi TIlli (SUPERDEATHFLAME).

MONARCH OF HATE Line-Up:
Tomi TIlli: guitar, vocals, programming
Mikko Aittola: guitar

MONARCH OF HATE „There Goes the Sun“ (Audio bei Bandcamp)

Source: Vampster

Die Doom Metal-Band WITCHSORROW hat mit dem Video-Clip zu „Hades Chains“ eine zweite Single ihres kommenden Albums „The Devil And All His Works“ veröffentlicht. Es ist das fünfte Album der Engländer und folgt auf das 2018er-Album „Hexenhammer„.

Die Lyrics und der Titel des Albums – entnommen aus einem okkulten Buch des Autors Dennis Wheatley – basieren auf der Idee, dass der Teufel in allem gegenwärtig ist und dass es darauf ankommt, zu wissen, wann man ihn hereinlassen und wann man ihn hinauswerfen muss.

„Als ich die Texte schrieb, fiel mir auf, dass in allem, was mir als Metapher für gute wie schlechte Dinge einfiel, etwas von ihm steckte“, erklärt Sänger und Gitarrist Nick „Necroskull“ Ruskell. „Ich habe zuvor schon warnende Geschichten über Menschen geschrieben, die faustische Pakte eingehen, ohne zu begreifen, womit sie es zu tun haben, aber hier gab es ein anderes Gleichgewicht.“

„The Devil And All His Works“ wird am 3. Juli 2026 via Church Road Records erscheinen. Vorab gibt es einen Video-Clip zu „Bacchus„.

„Bei ‚Bacchus‘ geht es um die Freude an Dekadenz und Sünde, aber es gibt auch Dinge, die Vergänglichkeit und Verlust thematisieren und das Gefühl vermitteln, dass am Rande der Realität eine dunkle Macht lauert, die dir Unglück auflauert, über das du stolpern sollst“, erklärt Nick Ruskell.

WITCHSORROW Line-Up:
Nick Ruskell – guitar/vocals
Emily Ruskell – bass
Scott Taylor – drums
David Wilbraham – drums (on album)

WITCHSORROW „The Devil And All His Works“ Tracklist
01 Omnia Finiuntur
02 Bacchus (Video bei YouTube)
03 Hades Chains (Video bei YouTube)
04 Altar
05 In Triumph We Rot!!!
06 Lamentation
07 A Quintessence Of Dust

Source: Vampster

Die Black / Speed Metal-Band ÄXE hat mit „Autogeddon“ ein neues Demo angekündigt. Es ist nach „Warriors of the Death Raid“ (2025) das zweite Demo der Engländer aus London und wird am 17. Juli 2026 als Tape via Caligari Records erscheinen. Vorab gibt es den Opener „Warriors Of The Death Raid“ zu hören.

ÄXE Line-Up:
Jim Hawkmoon – Drums
M. Warmaster – Guitars & Vocals
Neheroth – Lead Vocals
Nihil Kaos – Bass & Vocals
Professor Speed – Guitar

ÄXE „Autogeddon“ Tracklist
1. Warriors Of The Death Raid (Audio bei Bandcamp)
2. Violent Hedonism
3. Gunned Down Dead
4. Weapon Creed
5. Dark Justice
6. Distortion To Hell
7. Proclamator Violator
8. Rise From Your Tombs

Source: Vampster

Die Progressive Technical Death Metal-Band ARISE FROM WORMS hat mit „Power Obsessed“ einen zweiten Track ihres kommenden Albums „A Bleeding Tree Hanging Self Destruction“ veröffentlicht. Es ist nach einer selbstbetitelten EP das erste Album des von Sonny Lombardozzi (Ex-INCANTATION) ins Leben gerufenen Projekts und wird am 10. Juli 2026 via Church Road Records erscheinen. Vorab gibt es zum Opener „Forgotten Kings“ auch ein Lyric-Video.

ARISE FROM WORMS Line-Up:
Steve Tucker (vocals)
Sonny Lombardozzi (guitars, bass and violins)
Flo Mounier (drums)
Derek Sherinian (keyboards)

ARISE FROM WORMS „A Bleeding Tree Hanging Self Destruction“ Tracklist
01 Forgotten Kings (Lyric-Video bei YouTube)
02 Power Obsessed (Audio bei YouTube)
03 Raize Demons Breath
04 Psionic Being
05 Nine Walls
06 Laolongtou
07 Axes of the Viovode 1
08 Axes of the Viovode 2
09 Persepolis (available on physical release only)

Source: Vampster

Mit „Motestandarin“ wird am 22. Juni 2026 via Darkness Shall Rise Productions die neue EP der Black Metal-Band ARCKANUM erscheinen. Die Scheibe liefert einen Vorgeschmack auf das zehnte Studio-Album des schwedischen Solo-Projekts von Shamaatae, das im Oktober erscheinen soll.

ARCKANUM „Motestandarin“ Tracklist
1. Skaepna Aer Krigh
2. Anskoti

Source: Vampster

Die Dark / Doom Metal-Band TODOMAL hat einen Labeldeal bei Season of Mist unterschrieben. Mit diesem Deal wird die Band am 7. August 2026 ihr nach nach „Ultracrepidarian“ (2021) und „A Greater Good“ (2023) drittes Album „Graveyards of Joy“ veröffentlichen. Nun gibt es einen Video-Clip zum Titeltrack. Textlich greift der Song die Geisterstädte und verödeten Provinzen des ländlichen Spaniens auf und beschwört eine Landschaft herauf, in der – wie es im Song selbst heißt – „sich hier niemals Götter niederlassen werden, denn sie ziehen immer nur vorbei“.

„Graveyards of Joy“ wurde von Javier Fernández Milla gemixt und von Jaime López Arellano gemastert. Das Cover stellt das Gemälde „Ruïnes“ von Lluís Rigalt dar. Vorab gab es nach „Point of Coalescence“ mit „Humanised Gods“ auch einen zweiten Video-Clip.

„Der Song schöpft sein lyrisches Material aus den Exzessen und dem Spektakel der Claudischen Dynastie im alten Rom: Kaiser, die als Halbgötter angesehen wurden, Figuren, auf die Wünsche und Projektionen ungehemmt projiziert wurden. Von dort aus erweitert der Song seinen Rahmen, um etwas Unmittelbareres anzusprechen: die Hybris des zeitgenössischen Individualismus, den Kult des Selbst, jene besondere Leere, die entsteht, wenn Bewunderung in Vergötterung umschlägt“, heißt es vom Label.

Weiterhin ist die Band im Sommer 2026 mit EVOKEN auf Tour.

TODOMAL Line-Up:
Wildman – Guitars and Vocals
Mile – Bass and Vocals
Javi – Guitars
Bud – Drums
Cecilia – Synths and Vocals

TODOMAL „Graveyards of Joy“ Tracklist
1. Mare Ignis (05:14)
2. Lucid Nightmare (04:31)
3. Point of Coalescence (05:04) (Video bei YouTube)
4. Misericordiah (02:50)
5. Unholy (04:22)
6. Deliverance (07:25)
7. Humanised Gods (03:54) (Video bei YouTube)
8. For Mercy (03:02)
9. Graveyards of Joy (06:51) (Video bei YouTube)

EVOKEN, TODOMAL Tourdaten 2026
30 July: Paris, FR @ Le Klub
31 July: Rouen, FR @ Fury Defendu
1 August: Diest, BE @ Club Hell
2 August: Rotterdam, NL @ Baroeg
3 August: Hamburg, DE @ MS Stubnitz
5 August: Berlin, DE @ Neue Zukunft
6 August: Schlotheim, DE @ Party.San Open Air
7 August: Karlsruhe, DE @ Die Stadtmitte
9 August: Dresden, DE @ Chemiefabrik
10 August: Prague, CZ @ Subzero

Source: Vampster

Die Metal Synthwave-Band SYNTHETICA-X hat mit „Electric Resurrection“ eine neue Single mitsamt Video veröffentlicht. Es ist der erste Release des neuen Projekts von Keyboarder und Komponist Andrea De Paoli (SHADOWS OF STEEL, Ex-LABŸRINTH, Ex-VISION DIVINE). Als Gäste wirkten Sänger Marco Mariani, Gitarrist Pier Gonella (MASTERCASTLE, Ex-NECRODEATH) und Sängerin Laura Tamagni mit.

SYNTHETICA-X „Electric Resurrection“ (Video bei YouTube)

Source: Vampster

THE NIGHT ETERNAL haben ein neues Studioalbum angekündigt:  „Cold Velvet“ erscheint am 21. August 2026 via Metal Blade Records. Nun hat die Band den Opener des Albums, „Where This World Ends„, als Video-Clip veröffentlicht.

„Cold Velvet“ ist das dritte Album der Band und wurde von Michael Zech (SECRETS OF THE MOON) in den Church Of Sound Studios produziert.

THE NIGHT ETERNAL Line-Up:Ricardo Baum – vocalsRobert Richter – guitarHenry Käseberg – guitarAleister Präkelt – drums

THE NIGHT ETERNAL „Cold Velvet“ Tracklist
1. Where This World Ends (Video bei YouTube)2. Eurydice (Don’t Look Back)3. Caught In A Spell4. When The Last Candle Dies5. The Veins Of Time6. The Watcher Of The Burning Veil7. Shape Of Sorrow8. Dance On Crimson Ground

THE NIGHT ETERNAL Tourdaten 2026
7/18/2026 Baden In Blut Festival – Weil am Rhein, DE 8/20/2026 Goldgrube – Kassel, DE * Release Show8/21/2026 Bambi Galore – Hamburg, DE * Release Show8/22/2026 Nord Sommerfest – Essen, DE * Release Show8/27/2026 Drums of War Festival – Barcelona, ES9/25/2026 Delta Zinnober – Essen, DE

mit MESSA:10/27/2026 Le Dodu – Marseille, FR10/28/2026 Sala Salamandra – Barcelona, ES10/29/2026 Sala Copernico – Madrid, ES10/30/2026 Antirouille – Montpellier, FR10/31/2026 Rock Art Festival – Trier, DE * THE NIGHT ETERNAL only11/01/2026 Petit Bain – Paris, FR11/03/2026 Cathouse – Glasgow, UK11/04/2026 Rebellion – Manchester, UK11/05/2026 Rescue Rooms – Nottingham, UK11/06/2026 Thekla – Bristol, UK11/07/2026 The Garage – London, UK11/09/2026 13 – Tilburg, NL11/10/2026 Kavka – Antwerp, BE11/12/2026 Franz Club – Berlin, DE11/13/2026 Logo – Hamburg, DE11/14/2026 Rockpalast – Bochum, DE11/15/2026 Artheater – Cologne, DE11/17/2026 Das Bett – Frankfurt, DE11/18/2026 Backstage – Club Munich, DE11/19/2026 Dynamo – Zurich, CH11/21/2026 Live Club – Trezzo sull’Adda, IT

THE NIGHT ETERNAL – Summer Breeze 2024 – 15.08.2024 – Konzertfotos

Source: Vampster

Die Doom / Sludge Metal-Band YETI ON HORSEBACK hat mit „Traditional Addictions“ ein neues Album angekündigt. Es ist nach „The Great Dying“ (2016) das zweite Album der Kanadier aus Ontario und wurde gemeinsam mit Greg Dawson aufgenommen. Release-Termin ist der 24. Juli 2026. Vorab gibt es zu „Erotic Goth Dad“ ein Lyric-Video. Der Song behandelt spirituellen Terrorismus und sexuellen Missbrauch innerhalb der katholischen Kirche.

YETI ON HORSEBACK Line-Up:
S.M. – bass, vocals
E.T. – drums
S.S. – vocals,soundscapes
R.P. – vocals, guitar
M.S. – lead guitar

YETI ON HORSEBACK „Traditional Addictions“ Tracklist
1. Drug Addict
2. Mariner’s Lament
3. Through With This Flesh
4. Erotic Goth Dad (Lyric-Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Modern Metal-Band SILENCE THE ECHO hat mit „Silence The Echo“ eine neue Single mitsamt Video-Clip veröffentlicht. Der Song handelt von einem einsamen Protagonisten, der sich durch die Schatten der Seele, der Angst, des Drucks, der Zweifel und all dessen kämpft, was versucht, einen von innen heraus zu zerbrechen.

Davor hat die Band eine Reihe weiterer Single veröffentlicht. Beginnend mit der Single „Into Serenity“ mitsamt Video-Clip. Es war der erste Release der Finnen rund um das Ehepaar Katja und Jani Stefanovic und wurde von Thomas ‚Plec‘ Johansson im Panic Room Studio gemixt und von Ted Jensen bei Sterling Sound gemastert.

SILENCE THE ECHO Line-Up:
Katja Stefanovic – Vocals
Jani Stefanovic – Guitar
Teemu „Teme“ Rautiainen – Guitar
Nikke Karaksela – Drums
Tommi Huuskonen – Bass

SILENCE THE ECHO „Silence The Echo“ (Video bei YouTube)

SILENCE THE ECHO „Through The Dark“ (Video bei YouTube)

SILENCE THE ECHO „Burn Deep Within“ (Video bei YouTube)

SILENCE THE ECHO „Don’t Give Up“ (Video bei YouTube)

SILENCE THE ECHO „Into Serenity“ (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Every jumbled pile of person has a thinking part that wondersWhat the part that isn’t thinking isn’t thinking ofShould you worry when the skull head is in front of you?Or is it worse because it’s always waiting where your eyes don’t go?

They Might Be Giants came home to Brooklyn Steel on Saturday, May 30, closing out a three-night residency in the neighborhood where the Johns once lived cheap, wrote weird, and turned absurdity into a municipal service. The Bigger Show tour, true to its name, brought no opening act, no filler, no warm-up comedian in a cardigan (sorry, ghost of Shecky Greene): just an eight-piece contraption with Brooklyn’s Ambassadors of Love:  John Flansburgh, John Linnell, Danny Weinkauf, Dan Miller, Marty Beller…and a three-man horn section: Dan Levine, Stan Harrison, and Mark Pender, ready to inflate every miniature TMBG universe until it could be seen from space.

John Flansburgh. Photo: Alice Teeple
John Linnell and “Main Squeeze.” Photo: Alice Teeple
Across much of their discography, the gloom and mordant philosophy in They Might Be Giants’ lyrics can rival The Cure, Nick Cave, and The Smiths, though their existential unease usually arrives disguised in bright, buoyant arrangements that pull from klezmer, free jazz, polka, musique concrète, the madcap noodlings of Raymond Scott, and, apparently, the nonstop caffeine-current of Sparks. They have long been darlings of well-meaning misfits: people with overactive brains, social anxiety, and a bone-deep sense of isolation, all finding refuge in  feeling understood, for once.

The first set was devoted to 1988’s masterpiece Lincoln, the band’s second album and still one of the great documents of American brain-pop gone beautifully berserk. The second half cracked open the cabinet and let the creatures crawl out: deep cuts, fan favourites, later-period live detonations, bits of Mink Car, the big sing-along monsters, the jokes that somehow got sharper with age, and the songs that have spent decades proving that cleverness can survive contact with an actual stage, a bar line, and several thousand people who know the words.

Beginning with Santa’s Beard, the band tore straight into Lincoln with the confidence of people who know the record by muscle memory but still enjoy finding loose wires in the walls. Stand on Your Own Head bounced in with a ridiculous little grin. Piece of Dirt kept its strange miniature cruelty intact. Where Your Eyes Don’t Go carried that old TMBG chill. Pencil Rain and Cowtown landed with manic precision.

Then came The Stick.

For the uninitiated, The Stick is Flansburgh’s long-serving stage prop, a piece of sacred tree solemnly – if sporadically – employed as percussion during Lie Still, Little Bottle since the late Eighties. They Might Be Giants have had plenty of oddball visual business over the years: giant heads of newsman William Allen White, a long-retired confetti cannon, puppets big enough to terrify children and drunk college kids alike – but The Stick has earned its own strange little kingdom, complete with audience chant. There it was again at Brooklyn Steel, made divine by repetition, timing, and Flansburgh’s deadpan commitment to behaving as though he had brought Excalibur itself.

John Flansburgh with The Stick. Photo: Alice Teeple
The best TMBG shows always remind you that the band’s comedy was never sprinkled over the songs after the real work was done. It is structural. Their timing is musical, their music spans pathos and comedy, and their jokes usually contain a trap door and a footnote.  During the between-song patter, Flansburgh and Linnell talked about living in Williamsburg in the 1980s, right around the corner from what is now Brooklyn Steel, back when paying $100 in rent was both a blessing and a curse.

Another bit found Linnell talking about having strained his throat from a spirited scream chorus, telling Flansburgh he now sounded like Brian Keith from Family Affair, then realizing in real time that only a narrow slice of the room had any clue what he meant. (Don’t worry, at least one did.)

A woman near the front held up a sign that read PLAY BOAT OF CAR, asking for the beloved track from the band’s self-titled debut. Linnell had bad news: the setlist was too tight to make room for it. Mostly, he said, he was just worried about her arms. This is the kind of mercy They Might Be Giants offers: no song request granted, but sincere concern for your deltoids.

Marty Beller during Shoehorn With Teeth. Photo: Alice Teeple
The Johns. Photo: Alice Teeple
By the time the band reached They’ll Need a Crane, Snowball in Hell (even acting out the samples from the album), and Ana Ng (half the front row busted out the choreography from the video), the show had built up the peculiar emotional math of that album: songs about failure, jobs, dread, love, geography, phonetics, power, small humiliations, and larger humiliations, all delivered with the zip of a novelty single and the aim of writers who can make a two-minute song feel like a trap sprung by a philosophy department. Ana Ng remains one of their perfect machines, sung by a room full of people who have probably spent half their lives knowing exactly how much of the world we want. (Answer: YOUR half!)

The late-set curveballs kept the mood from slipping one inch. A cover of the Raspberries’ Overnight Sensation (Hit Record), Wu-Tang, stelluB, and monster hit Birdhouse in Your Soul closed the first half.

Dan Miller. Photo: Alice Teeple
Set Two opened with a magic trick:. Sapphire Bullets of Pure Love was recorded live entirely backwards, performed by the band like a stage full of Twin Peaks Giants, then played back in reverse for the audience. They had done this before, including at Kings Theatre in December 2024, but it remains a brilliant stunt, because the payoff is both technical and silly in the best possible sense. The crowd watches the process on screen, hears the garbled incantation, then gets the song snapped back into (mostly) recognizable shape.

This go-around leaned hard into the breadth of their formidable catalogue, with a generous helping from Mink Car. Man, It’s So Loud in Here was a sleek little panic attack with a disco suit. Damn Good Times lived up to the boast without making a meal of it. Don’t Let’s Start still sounds like a nervous system trying to win an argument with itself. 2082 brought in later-career oddity with its own internal clock, while Wearing a Raincoat and Letterbox made room for the band’s softer zigzags.

Danny Weinkauf. Photo: Alice Teeple
This section also pulled me back to the strange pre-internet intimacy of Dial-A-Song, when fans could call a number printed in the albums and hear tinny little teasers through a phone line. Years before bands forced the same 30 seconds of music upon you in all forms of social media, years before the Information Superhighway itself, They Might Be Giants were already building a private broadcast system out of whatever was lying around. You could call a number, which still works today at (844) 387-6962. (Around the millennium, I remember hearing scratchy versions of Hovering Sombrero and Man, It’s So Loud In Here through that telephone haze (or was it the early website?), which made hearing the latter blasted out at Brooklyn Steel with horns and full-body force feel like a message from some absurd alternate future.)

The horn section, by the way, nearly ran off with the show. Levine, Harrison, and Pender were wild, sharp, and loose in all the right places, turning songs that already had funny bones into strutting, brassy beasts. Dan Levine even brought out a euphonium, prompting the band to joke about how rarely one encounters such an instrument onstage. In another group, that might read as novelty. Here, it felt like proper policy. Of course, there would be a euphonium to go with Linnell’s accordion, “Main Squeeze!” Of course some kid in the audience is now doomed to ask for one at Guitar Center. (I should know, my first eBay purchase in 1999 was an accordion.)

Dan Levine on euphonium and trombone. Photos: Alice Teeple
Can’t Keep Johnny Down, Cloisonné, Twisting, and Dr. Worm gave the back half a terrific run, the band moving from cranky resilience to jazz-club surrealism to clean pop release. Dr. Worm in particular showed how much lift the larger band gives the material. The horns punched it upward, Beller drove it forward, and the Johns held court in the center of the commotion with wide grins.

Dan Levine, Mark Pender and Stan Harrison. Photo: Alice Teeple
Photo: Alice Teeple
The encore was a brassy, batty victory lap. The Glamour of Rock led into Get Down, before Istanbul (Not Constantinople) gave the horn section another chance to go gloriously berserk. That Four Lads cover has been with the band so long that it belongs to them in the public imagination, and at Brooklyn Steel it sounded like a carnival contraption built by historians on espresso and bad sleep. Let Me Tell You About My Operation and When Will You Die kept the mood rude and ridiculous, and then came…as usual, The End of the Tour.

Photo: Alice Teeple
There was a glorious balance between discipline and derailment throughout the whole show. Boat of Car might have been denied (sorry, lady) – yet the night still felt full of trap doors, horns, jokes, props, backwards singing, rent memories, television references, and miniature explosions of odd grace. They Might Be Giants remain one of the rare bands who keep it delightfully genuine.

Can’t wait until the next one…or at the very least, we’ll “meet at the end of the tour.”

Catch them live next on the following dates this summer and fall:

June 5 — Boston, MA — Citizens House of Blues Boston
June 6 — Boston, MA — Citizens House of Blues Boston
Sept. 24 — Milwaukee, WI — The Pabst Theater
Sept. 25 — Milwaukee, WI — The Pabst Theater
Sept. 26 — Madison, WI — Barrymore Theatre
Sept. 27 — Madison, WI — Barrymore Theatre
Sept. 29 — Kansas City, MO — The Truman
Oct. 1 — Minneapolis, MN — First Avenue
Oct. 2 — Minneapolis, MN — First Avenue
Oct. 3 — St. Paul, MN — The Fitzgerald Theater
Oct. 4 — St. Paul, MN — The Fitzgerald Theater
Nov. 6 — Austin, TX — Emo’s Austin
Nov. 7 — Austin, TX — Emo’s Austin
Nov. 8 — Austin, TX — Emo’s Austin
Nov. 10 — Houston, TX — The Heights Theater
Nov. 11 — Houston, TX — The Heights Theater
Nov. 13 — Dallas, TX — The Echo Lounge & Music Hall
Nov. 14 — Dallas, TX — The Echo Lounge & Music Hall
Nov. 19 — Washington, DC — 9:30 Club
Nov. 20 — Washington, DC — 9:30 Club
Nov. 21 — Washington, DC — 9:30 Club
Nov. 22 — Washington, DC — 9:30 Club

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Dan Miller. Photo: Alice Teeple
John Flansburgh. Photo: Alice Teeple
Mark Pender and Stan Harrison. Photo: Alice Teeple
John Linnell. Photo: Alice Teeple
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Source: Post-Punk.com

Every jumbled pile of person has a thinking part that wondersWhat the part that isn’t thinking isn’t thinking ofShould you worry when the skull head is in front of you?Or is it worse because it’s always waiting where your eyes don’t go?

They Might Be Giants came home to Brooklyn Steel on Saturday, May 30, closing out a three-night residency in the neighborhood where the Johns once lived cheap, wrote weird, and turned absurdity into a municipal service. The Bigger Show tour, true to its name, brought no opening act, no filler, no warm-up comedian in a cardigan (sorry, ghost of Shecky Greene): just an eight-piece contraption with Brooklyn’s Ambassadors of Love:  John Flansburgh, John Linnell, Danny Weinkauf, Dan Miller, Marty Beller…and a three-man horn section: Dan Levine, Stan Harrison, and Mark Pender, ready to inflate every miniature TMBG universe until it could be seen from space.

John Flansburgh. Photo: Alice Teeple
John Linnell and “Main Squeeze.” Photo: Alice Teeple
Across much of their discography, the gloom and mordant philosophy in They Might Be Giants’ lyrics can rival The Cure, Nick Cave, and The Smiths, though their existential unease usually arrives disguised in bright, buoyant arrangements that pull from klezmer, free jazz, polka, musique concrète, the madcap noodlings of Raymond Scott, and, apparently, the nonstop caffeine-current of Sparks. They have long been darlings of well-meaning misfits: people with overactive brains, social anxiety, and a bone-deep sense of isolation, all finding refuge in  feeling understood, for once.

The first set was devoted to 1988’s masterpiece Lincoln, the band’s second album and still one of the great documents of American brain-pop gone beautifully berserk. The second half cracked open the cabinet and let the creatures crawl out: deep cuts, fan favourites, later-period live detonations, bits of Mink Car, the big sing-along monsters, the jokes that somehow got sharper with age, and the songs that have spent decades proving that cleverness can survive contact with an actual stage, a bar line, and several thousand people who know the words.

Beginning with Santa’s Beard, the band tore straight into Lincoln with the confidence of people who know the record by muscle memory but still enjoy finding loose wires in the walls. Stand on Your Own Head bounced in with a ridiculous little grin. Piece of Dirt kept its strange miniature cruelty intact. Where Your Eyes Don’t Go carried that old TMBG chill. Pencil Rain and Cowtown landed with manic precision.

Then came The Stick.

For the uninitiated, The Stick is Flansburgh’s long-serving stage prop, a piece of sacred tree solemnly – if sporadically – employed as percussion during Lie Still, Little Bottle since the late Eighties. They Might Be Giants have had plenty of oddball visual business over the years: giant heads of newsman William Allen White, a long-retired confetti cannon, puppets big enough to terrify children and drunk college kids alike – but The Stick has earned its own strange little kingdom, complete with audience chant. There it was again at Brooklyn Steel, made divine by repetition, timing, and Flansburgh’s deadpan commitment to behaving as though he had brought Excalibur itself.

John Flansburgh with The Stick. Photo: Alice Teeple
The best TMBG shows always remind you that the band’s comedy was never sprinkled over the songs after the real work was done. It is structural. Their timing is musical, their music spans pathos and comedy, and their jokes usually contain a trap door and a footnote.  During the between-song patter, Flansburgh and Linnell talked about living in Williamsburg in the 1980s, right around the corner from what is now Brooklyn Steel, back when paying $100 in rent was both a blessing and a curse.

Another bit found Linnell talking about having strained his throat from a spirited scream chorus, telling Flansburgh he now sounded like Brian Keith from Family Affair, then realizing in real time that only a narrow slice of the room had any clue what he meant. (Don’t worry, at least one did.)

A woman near the front held up a sign that read PLAY BOAT OF CAR, asking for the beloved track from the band’s self-titled debut. Linnell had bad news: the setlist was too tight to make room for it. Mostly, he said, he was just worried about her arms. This is the kind of mercy They Might Be Giants offers: no song request granted, but sincere concern for your deltoids.

Marty Beller during Shoehorn With Teeth. Photo: Alice Teeple
The Johns. Photo: Alice Teeple
By the time the band reached They’ll Need a Crane, Snowball in Hell (even acting out the samples from the album), and Ana Ng (half the front row busted out the choreography from the video), the show had built up the peculiar emotional math of that album: songs about failure, jobs, dread, love, geography, phonetics, power, small humiliations, and larger humiliations, all delivered with the zip of a novelty single and the aim of writers who can make a two-minute song feel like a trap sprung by a philosophy department. Ana Ng remains one of their perfect machines, sung by a room full of people who have probably spent half their lives knowing exactly how much of the world we want. (Answer: YOUR half!)

The late-set curveballs kept the mood from slipping one inch. A cover of the Raspberries’ Overnight Sensation (Hit Record), Wu-Tang, stelluB, and monster hit Birdhouse in Your Soul closed the first half.

Dan Miller. Photo: Alice Teeple
Set Two opened with a magic trick:. Sapphire Bullets of Pure Love was recorded live entirely backwards, performed by the band like a stage full of Twin Peaks Giants, then played back in reverse for the audience. They had done this before, including at Kings Theatre in December 2024, but it remains a brilliant stunt, because the payoff is both technical and silly in the best possible sense. The crowd watches the process on screen, hears the garbled incantation, then gets the song snapped back into (mostly) recognizable shape.

This go-around leaned hard into the breadth of their formidable catalogue, with a generous helping from Mink Car. Man, It’s So Loud in Here was a sleek little panic attack with a disco suit. Damn Good Times lived up to the boast without making a meal of it. Don’t Let’s Start still sounds like a nervous system trying to win an argument with itself. 2082 brought in later-career oddity with its own internal clock, while Wearing a Raincoat and Letterbox made room for the band’s softer zigzags.

Danny Weinkauf. Photo: Alice Teeple
This section also pulled me back to the strange pre-internet intimacy of Dial-A-Song, when fans could call a number printed in the albums and hear tinny little teasers through a phone line. Years before bands forced the same 30 seconds of music upon you in all forms of social media, years before the Information Superhighway itself, They Might Be Giants were already building a private broadcast system out of whatever was lying around. You could call a number, which still works today at (844) 387-6962. (Around the millennium, I remember hearing scratchy versions of Hovering Sombrero and Man, It’s So Loud In Here through that telephone haze (or was it the early website?), which made hearing the latter blasted out at Brooklyn Steel with horns and full-body force feel like a message from some absurd alternate future.)

The horn section, by the way, nearly ran off with the show. Levine, Harrison, and Pender were wild, sharp, and loose in all the right places, turning songs that already had funny bones into strutting, brassy beasts. Dan Levine even brought out a euphonium, prompting the band to joke about how rarely one encounters such an instrument onstage. In another group, that might read as novelty. Here, it felt like proper policy. Of course, there would be a euphonium to go with Linnell’s accordion, “Main Squeeze!” Of course some kid in the audience is now doomed to ask for one at Guitar Center. (I should know, my first eBay purchase in 1999 was an accordion.)

Dan Levine on euphonium and trombone. Photos: Alice Teeple
Can’t Keep Johnny Down, Cloisonné, Twisting, and Dr. Worm gave the back half a terrific run, the band moving from cranky resilience to jazz-club surrealism to clean pop release. Dr. Worm in particular showed how much lift the larger band gives the material. The horns punched it upward, Beller drove it forward, and the Johns held court in the center of the commotion with wide grins.

Dan Levine, Mark Pender and Stan Harrison. Photo: Alice Teeple
Photo: Alice Teeple
The encore was a brassy, batty victory lap. The Glamour of Rock led into Get Down, before Istanbul (Not Constantinople) gave the horn section another chance to go gloriously berserk. That Four Lads cover has been with the band so long that it belongs to them in the public imagination, and at Brooklyn Steel it sounded like a carnival contraption built by historians on espresso and bad sleep. Let Me Tell You About My Operation and When Will You Die kept the mood rude and ridiculous, and then came…as usual, The End of the Tour.

Photo: Alice Teeple
What made the May 30 show work so well was the balance between discipline and derailment. Boat of Car might have been denied (sorry, lady) – yet the night still felt full of trap doors, horns, jokes, props, backwards singing, rent memories, television references, and miniature explosions of odd grace. They Might Be Giants remain one of the rare bands whose cleverness has never hardened into smugness. They still seem delighted by the problem of being They Might Be Giants: two Johns, assorted Dans, a stick, a euphonium, a Brooklyn crowd, and enough songs to make a three-night residency feel less like a career summary than a machine still being assembled in public, one gloriously unreasonable part at a time.

Can’t wait until the next one…or at the very least, we’ll “meet at the end of the tour.”

Catch them live next on the following dates this summer and fall:

June 5 — Boston, MA — Citizens House of Blues Boston
June 6 — Boston, MA — Citizens House of Blues Boston
Sept. 24 — Milwaukee, WI — The Pabst Theater
Sept. 25 — Milwaukee, WI — The Pabst Theater
Sept. 26 — Madison, WI — Barrymore Theatre
Sept. 27 — Madison, WI — Barrymore Theatre
Sept. 29 — Kansas City, MO — The Truman
Oct. 1 — Minneapolis, MN — First Avenue
Oct. 2 — Minneapolis, MN — First Avenue
Oct. 3 — St. Paul, MN — The Fitzgerald Theater
Oct. 4 — St. Paul, MN — The Fitzgerald Theater
Nov. 6 — Austin, TX — Emo’s Austin
Nov. 7 — Austin, TX — Emo’s Austin
Nov. 8 — Austin, TX — Emo’s Austin
Nov. 10 — Houston, TX — The Heights Theater
Nov. 11 — Houston, TX — The Heights Theater
Nov. 13 — Dallas, TX — The Echo Lounge & Music Hall
Nov. 14 — Dallas, TX — The Echo Lounge & Music Hall
Nov. 19 — Washington, DC — 9:30 Club
Nov. 20 — Washington, DC — 9:30 Club
Nov. 21 — Washington, DC — 9:30 Club
Nov. 22 — Washington, DC — 9:30 Club

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Dan Miller. Photo: Alice Teeple
John Flansburgh. Photo: Alice Teeple
Mark Pender and Stan Harrison. Photo: Alice Teeple
John Linnell. Photo: Alice Teeple
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Source: Post-Punk.com

-> >;Das im Jahre 2007 veröffentlichte Debütalbum von Alcest, "Souvenirs d'un autre monde", kennzeichnet den Startschuss der außergewöhnlichen Karriere dieser Band. -> >;
-> >;
Mit der Veröffentlichung von "Souvenirs d'un autre monde" erschuf der Kopf von Alcest, Neige, einen luminösen neuen Musikstil, der an den Rändern des Metal-Genres angesiedelt sein mag, aber vor allem von Empfindungen wie Euphorie, Wonne und Nostalgie geprägt ist. Der Sänger und Multiinstrumentalist widmete dieses Album seinen Kindheitserinnerungen an Erlebnisse in einer spirituellen Anderswelt – persönliche Themen, die auch bei den folgenden Alben von Alcest eine wichtige konzeptionelle Rolle spielen sollten. -> >;
-> >;
"Souvenirs ..." entwickelte sich rasch zu einer der grundlegenden Veröffentlichungen im Bereich des Blackgaze / Post-Black-Metal und beeinflusst bis heute zahlreiche andere Bands; Pitchfork zählt es gar unter die -> >;"50 besten Shoegaze-Alben aller Zeit"-> >;.-> >;
-> >;
LP (180g, lim. weiß/grün-marmoriertes Vinyl) inkl. bedruckter Innenhülle und Schutzhülle

Source: Prophecy

-> >;A FOREST OF STARS sind die physische Manifestation dessen, was getrost als "British Black Metal" bezeichnet werden darf. Ihr grandioses sechstes Album "Stack Overflow in Corpse Pile Interface" ist der klangliche Ausdruck dieser klar erkennbaren lokalen Variante des Genres. Die Wurzeln der Band aus West Yorkshire reichen tief in den Mutterboden britischer Musik. Der oft rezitative Gesangsstil von Sänger Curse erinnert sogar an die Electro-Poetin Anne Clark – zumindest nach einer konstanten Diät aus verschreibungspflichtigen Medikamenten und rostigen Nägeln. Eine weitere klangliche Grundmauer, auf der "Stack Overflow in Corpse Pile Interface" aufbaut, ist die Violine von Katheryne aka Queen of the Ghosts. Ihre Melodiebögen bauen immer wieder elegante Brücken über das dissonante Tosen der E-Gitarren, die sich mit Wonne in dem von ihnen verursachten Klangchaos suhlen. Auf der harten, elektrischen Seite ihres eigenwilligen Sounds nutzen A FOREST OF STARS das gesamte Spektrum, das sowohl der klassische Heavy Metal als auch der Black Metal zu bieten haben – mit zusätzlichen tödlichen und progressiven Momenten, die akribisch an genau den richtigen Stellen platziert sind. Kenner der schwarzen Künste werden nicht übersehen, dass sich das Kollektiv aus Leeds zugleich von den nordischen Berserkern in der Tradition von MAYHEM sowie von zeitgenössischen Landsleuten wie WINTERFYLLETH unterscheidet. A FOREST OF STARS haben sich bewusst die nötige Zeit genommen, um diese Sammlung von herausragenden Songs auszufeilen. Dabei gingen die Nordengländer sogar so weit, ein bereits fertiges Album komplett zu verwerfen und wieder bei null anzufangen. "Stack Overflow in Corpse Pile Interface" ist von Anfang bis Ende typisch für A FOREST OF STARS: komplex, eingängig, widersprüchlich – und absolut eigenständig. Vorhang auf für den British Black Metal!-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Ascension Of The Clowns-> >;
2. Street Level Vertigo-> >;
3. Mechanically Separated Logic-> >;
4. Roots Circle Usurpers-> >;
5. Sway, Draped In Vague-> >;
6. Not Drinking Water-> >;
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Bonustracks (nur CD-Box)-> >;
“Ticket To Writhe” EP-> >;
1. A Little Man And A Hearse And The Whole World Widow-> >;
2. Ahomismal Phantom God-> >;
3. Autophage Road Mage

Source: Prophecy

-> >;TRELLDOM treiben ihren musikalischen Kurs mit "...by the word..." wild entschlossen weiter in der neuen musikalischen Ära voran, die sie nach einer 17-jährigen Ruhephase mit dem Vorgängeralbum "...by the shadows..." (2024) eingeleitet hatten. Bandkopf und Sänger Kristian Eivind Espedal alias Gaahl hat den komplexen und dennoch finsteren Sound des Vorgängers mit seinen sorgfältig ausgewählten Mitstreitern konsequent weiterentwickelt. Das exponentiell gewachsene Selbstvertrauen und die hart erarbeitete Erfahrung der zumindest oberflächlich sehr unterschiedlichen norwegischen Musiker spiegeln sich deutlich in jedem Track von "...by the word..." wider. TRELLDOM vollenden den Prozess, sich von der engsten Definition des Black Metal zu lösen, ohne dabei ihre künstlerische Mission zu verraten. Ihre neue Musik bleibt nicht nur dem Geist ihrer Black Metal Herkunft treu, sondern der Sound der Norweger ist auf seine eigene Weise sogar noch finsterer und verstörender als je zuvor. "...by the word..." ist auch das Ergebnis von Espedals wagemutiger Ausweitung seiner immensen stimmlichen Bandbreite in noch weiter entlegene, unerforschte Territorien. Dies wurde zum Teil durch seine Rückkehr in die berühmten Grieghallen Studios in Bergen erreicht, wo er erneut mit Eirik Hundvin alias Pytten zusammenarbeitete – jenem legendären Produzenten, der maßgeblich an der Entstehung des Sounds des "norwegischen Black Metal" beteiligt war. TRELLDOM stehen fest in Espedals künstlerischer Tradition stets das Unerwartete zu tun. Mit der Erforschung avantgardistischer Dissonanzen, gewagter Rhythmusmuster und wilder Ideen zerstört "...by the word..." erneut Erwartungshaltungen und Vorurteile. Dieses Album verlangt intensives Zuhören und fordert mit jeder Note heraus!-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. When This Was Young-> >;
2. I Speak Forgotten Voices-> >;
3. This Moment the Life of a Memory-> >;
4. By the Word-> >;
5. Folding the Mind-> >;
6. The Word – Chose to Vanish-> >;
7. In There Outside-> >;
-> >;
Digipak-CD mit einem 12 seitigen Booklet

Source: Prophecy

-> >;TRELLDOM treiben ihren musikalischen Kurs mit "...by the word..." wild entschlossen weiter in der neuen musikalischen Ära voran, die sie nach einer 17-jährigen Ruhephase mit dem Vorgängeralbum "...by the shadows..." (2024) eingeleitet hatten. Bandkopf und Sänger Kristian Eivind Espedal alias Gaahl hat den komplexen und dennoch finsteren Sound des Vorgängers mit seinen sorgfältig ausgewählten Mitstreitern konsequent weiterentwickelt. Das exponentiell gewachsene Selbstvertrauen und die hart erarbeitete Erfahrung der zumindest oberflächlich sehr unterschiedlichen norwegischen Musiker spiegeln sich deutlich in jedem Track von "...by the word..." wider. TRELLDOM vollenden den Prozess, sich von der engsten Definition des Black Metal zu lösen, ohne dabei ihre künstlerische Mission zu verraten. Ihre neue Musik bleibt nicht nur dem Geist ihrer Black Metal Herkunft treu, sondern der Sound der Norweger ist auf seine eigene Weise sogar noch finsterer und verstörender als je zuvor. "...by the word..." ist auch das Ergebnis von Espedals wagemutiger Ausweitung seiner immensen stimmlichen Bandbreite in noch weiter entlegene, unerforschte Territorien. Dies wurde zum Teil durch seine Rückkehr in die berühmten Grieghallen Studios in Bergen erreicht, wo er erneut mit Eirik Hundvin alias Pytten zusammenarbeitete – jenem legendären Produzenten, der maßgeblich an der Entstehung des Sounds des "norwegischen Black Metal" beteiligt war. TRELLDOM stehen fest in Espedals künstlerischer Tradition stets das Unerwartete zu tun. Mit der Erforschung avantgardistischer Dissonanzen, gewagter Rhythmusmuster und wilder Ideen zerstört "...by the word..." erneut Erwartungshaltungen und Vorurteile. Dieses Album verlangt intensives Zuhören und fordert mit jeder Note heraus!-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. When This Was Young-> >;
2. I Speak Forgotten Voices-> >;
3. This Moment the Life of a Memory-> >;
4. By the Word-> >;
5. Folding the Mind-> >;
6. The Word – Chose to Vanish-> >;
7. In There Outside-> >;
-> >;
CD Hardcover-Buch (18x18 cm, 36 Seiten) mit erweiterten Artwork

Source: Prophecy

-> >;Wenn man die Melancholie der engen grünen und grauen Täler Nordenglands mit der ewigen Sehnsucht des portugiesischen Fado verbindet, die der tosende Atlantik und die Sommerglut am Ende der Welt gebiert, dann erwachsen daraus SLEEPING PULSE. Das Duo aus Sänger Mick Moss, der vor allem für seine Arbeit mit ANTIMATTER bekannt ist, und dem portugiesischen Gitarristen Luís Fazendeiro zeichnet die beachtliche künstlerische Leistung aus, derartig existenziellen Schmerz mit jeder Note ihres zweiten Albums "Dreams lt; Limitations" hörbar zu machen. Mit ihrer eigenen Variante des Progressive Doom oder sogar Post-Rock als klanglicher Grundlage komponieren SLEEPING PULSE Songs, die auf die beste Art und Weise zutiefst emotional und zugleich aufregend klingen. Das Duo schwelgt jedoch keineswegs in Selbstmitleid, sondern nimmt das Unvermeidliche an und lebt es aus. SLEEPING PULSE brauchten mehr als ein Jahrzehnt, um einen würdigen Nachfolger für "Under the Same Sky" (2014) zu erschaffen. Mit "Dreams lt; Limitations" knüpfen SLEEPING PULSE genau dort an, wo sie aufgehört haben, wagen sich dabei aber auch behutsam weiter auf ihrem steinigen Weg. Dieses Album ist eine bedeutsame Einladung an alle, für die Rockmusik nicht nur Party und Krawall bedeuten. "Dreams lt; Limitations" verleiht Schmerz und Verlust eine musikalische Stimme, bietet aber zugleich an, einen Teil der Last zu tragen, Trost und Hoffnung zu spenden und sich in dunklen Zeiten als ein verständnisvoller Begleiter zu erweisen.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Dreams lt; Limitations-> >;
2. Rise-> >;
3. Illuminate-> >;
4. The Butterfly Collector-> >;
5. Two Wreaths-> >;
6. The Constraint-> >;
7. Behind The Glass-> >;
8. Extrasolar-> >;
9. When I Am Young Again -> >;
-> >;
Bonus tracks (artbook only):-> >;
1. Behind The Glass (Acoustic)-> >;
2. Rise (Acoustic)-> >;
3. Two Wreaths (Orchestral)-> >;
4. Dreams lt; Limitations (Remix)-> >;
5. The Constraint (Remix)-> >;
6. When I Am Young Again (Orchestral)

Source: Prophecy

-> >;"Àmor" bringt einen wahren Rausch der Leidenschaft und ist unwiderstehlich sexy! Das pulsierende Brennen des Sonnenfeuers, das in der Wüste gleißt. Das sanfte, rhythmische Knistern von zarter Haut auf Haut. Oder das stetig anschwellende Geräusch von vielen Körpern in gemeinsamer Bewegung – KLIMT 1918 fangen solche und andere flüchtigen Momente in kaskadenartigen Klangwänden und dem eleganten Surren der Gitarren ein. Die Italiener erklimmen mit ihrem fünften Album "Àmor" einen weiteren Gipfel ihres gefeierten Werks und legen eine ebenso melancholische wie sinnliche und majestätische Sammlung fesselnder Songs vor. "Àmor" erwuchs aus der Einsamkeit und Stille sozialer Distanzierung als bewusster künstlerischer Kontrapunkt: KLIMT 1918 beschlossen, alle ihre neuen Songs um Leidenschaft, körperlichen Kontakt, Sinnlichkeit und jene unwiderstehlichen Gefühle kreisen zu lassen, die uns nachts nicht schlafen lassen. Zur Krönung erhielten KLIMT 1918 den künstlerischen Ritterschlag, als der legendäre Tony Doogan sich bereit erklärte, den Mix von "Àmor" zu übernehmen und obendrein Frank Arkwright (Abbey Road Studios) sein Mastering-Genie einbrachte. Die beiden renommierten Tonmeister haben bereits zuvor unter anderem für MOGWAI und SNOW PATROL zusammengearbeitet – und zu ihrem Portfolio zählen unter anderem illustre Klienten wie JOY DIVISION, COLDPLAY und OASIS. Die Band hat sehr viel Zeit, Fleiß und Energie investiert, um mit jeder Sekunde von "Àmor" den Beweis anzutreten, dass dieses Album die lange Wartezeit mehr als wert ist. KLIMT 1918 treiben ihre ungezügelte Emotionalität, die sich in dynamischen, glühenden Klanglandschaften ausdrückt, statt in festen Strukturen und kalkulierten Hooks zu verharren, zu einem neuen Höhepunkt! -> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
01. Dream Core-> >;
02. Aventine-> >;
03. Nihil Vltra-> >;
04. Eros -> >;
05. Nexus -> >;
06. Un ÈtÈ invincible-> >;
07. Arcade-> >;
08. Amor-> >;
09. Petricore-> >;
10. Aftersun-> >;
11. Mountain-> >;
-> >;
Bonustracks (nur Artbook):-> >;
01. By the River-> >;
02. Flumen-> >;
03. Juno-> >;
04. Just In Time-> >;
05. What Should But Did Not Die

Source: Prophecy

-> >;Mit "Ghosts of Europa" präsentiert der geheimnisvolle norwegische Künstler MORTIIS ein Album, das einem kreativen Befreiungsschlag gleicht. "Ghosts of Europa" spiegelt unmittelbar die über Jahrzehnte gewonnene Erfahrung und Reife dieses Vollblutmusikers wider. Es ist aus seiner brennenden Leidenschaft für den elektronischen Rock in Verbindung mit einem profunden Wissen über dieses Genre entstanden. Dabei bedient sich MORTIIS mit zielstrebiger Geschmacksicherheit bei stilistischen Einflüssen aus diversen Genres, solange sie dem Song dienen. "Ghosts of Europa" lässt sich daher kaum in eine Schublade stecken, wobei sich das Werk insgesamt durch dunkle Klanglandschaften, cineastische Visionen und eine große emotionale Tiefe auszeichnet. MORTIIS' unverwechselbare musikalische Handschrift bleibt stets gegenwärtig. Auch Anklänge an die mitunter sehr unterschiedlichen Phasen seiner früheren Werke haben überall auf "Ghosts of Europa" erkennbare Spuren hinterlassen. Dabei hat der Schöpfer musikalischer Welten bei dieser epischen Suche nach neuen Ausdrucksformen kaum einen Stein auf dem anderen gelassen. So entstand der erstaunliche Soundtrack für ein dystopisch-finsteres Kopfkino, das in fremde Welten entführt. Darin offenbaren sich auch die inneren Kämpfe, die der Komponist während der Entstehung des Albums ausfechten musste. Für MORTIIS stellt Kunst um den Preis von Freundschaft, Beziehungen und Seelenschmerz leider keine neue Erfahrung dar. Zur Veredelung des Sounds fiel die Wahl des Norwegers auf Sean Beavan für den Mix. Der amerikanische Produzent und Toningenieur ist einerseits ein Spezialist für Electronic und Industrial Rock, wie etwa seine Arbeiten mit den NINE INCH NAILS und DEPECHE MODE belegen. Anderseits verweisen Klienten wie SYSTEM OF A DOWN, GUNS N' ROSES und SLAYER auf eine große stilistische Spannweite innerhalb des harten Genres. Dies machte Beavan zum perfekten Kandidaten für dieses Album. Das Resultat überzeugt auf ganzer Linie: Immer, wenn "Ghosts of Europa" endlich durchschaut scheint, überrascht MORTIIS mit einer neuen Facette und ein weiteres Geheimnis seines detailreichen Meisterwerks offenbart sich.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Ghosts Of Europa-> >;
2. Return To The Old Fields-> >;
3. The Faith That Fades Away-> >;
4. Violent Silence-> >;
5. Transcending Morpheus-> >;
6. Tundra, Heart Of Hell-> >;
7. Tribes Of Dystopia-> >;
8. Farewell Romero-> >;
-> >;
Bonustracks (nur Artbook und Box):-> >;
1. The Voice From Within (2020, Pre-Violent Silence)-> >;
2. Farewell Romero (2020, Instrumental)-> >;
3. Heart Of Hell (2024, Featuring Jyrki 69)-> >;
4. Transcending Morpheus (2021)-> >;
5. Return To The Old Fields (2023, Featuring Iliana Basileios Tsakiraki)-> >;
6. Spectral Fog (2020, Pre-Return To The Old Fields)-> >;
7. The Faith That Fades Away (2023, Featuring Sarah Jezebel Deva)-> >;
8. Tribes Of Dystopia (Full Version)

Source: Prophecy

-> >;DYMNA LOTVA gelingt mit ihrem vierten Album "Vyraj" ein Quantensprung in ihrer rasanten musikalischen Entwicklung. Die belarusischen Dissidenten beweisen eindrucksvoll, dass sie in jeder erdenklichen Hinsicht über eine breite künstlerische und thematische Palette verfügen. Obwohl "Vyraj" nach wie vor auf einem soliden Fundament aus Black und Post-Black Metal gebaut ist, gehen DYMNA LOTVA über einfache Kategorisierungen hinaus, indem sie sich auch von Doom, Heavy und Progressive Metal inspirieren lassen und sogar Elemente aus der elektronischen Musik, Goth und Folklore einbinden. Das Album besticht mit einer Fülle atmosphärisch dichter Songs, die den Hörer auf eine emotionale Achterbahnfahrt einladen – von den dunkelsten Tiefen der Depression und Angst, über rohe Wut und Trotz, bis hin zu Höhen ekstatischer Wonne. "Vyraj" ist ein musikalisches Kaleidoskop mit sich ständig verändernden Mustern und Klangfarben von bemerkenswerter Schönheit, die in fesselnde Melodien übergehen und mitunter sogar eine pop-artige Verlockung ausstrahlen. DYMNA LOTVA bleiben dabei stets Revolutionäre. Dies ist aufgrund der politischen Verfolgung der Gründungsmitglieder und der anhaltenden Zensur des Lukaschenko-Regimes, die zur Flucht aus ihrer belarusischen Heimat führte, nur natürlich. Auf "Vyraj" legen DYMNA LOTVA ihren lyrischen Fokus jedoch auf andere Themen. Das Hauptkonzept des Albums ließe sich als "belarusische Ethno-Astronomie" beschreiben. In slawischen Legenden wird der Sternenhimmel sowohl mit dem Jenseits als auch mit irdischen Reisen in Verbindung gebracht, was eng mit der persönlichen Erfahrung der Musiker durch die erzwungene Emigration verflochten ist. Die Idee der Totenreise spiegelt sich im Albumtitel "Vyraj" wider. Dies ist der Name eines mythischen Reichs, in das Vögel zum Überwintern ziehen und wo die Seelen der Verstorbenen ihre letzte Ruhe finden. Mit "Vyraj" machen DYMNA LOTVA einen weiteren großen Schritt in ihrer stürmischen Entwicklung. Es ist leicht vorherzusagen, dass diese einzigartige und höchst originelle Band schon bald auf den Plakaten großer Festivals und auf zahlreichen europäischen Bühnen zu sehen sein wird.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Zory-> >;
2. Veha-> >;
3. The Boat of Despair-> >;
4. Viedźmieragina-> >;
5. Niama Darohi-> >;
6. Bu Samoje-> >;
7. Ustań Za Mianie-> >;
8. Return My Coffin Home-> >;
-> >;
Bonus-CD (nur Artbook):-> >;
1. Zory (Instrumental)-> >;
2. Veha (Instrumental)-> >;
3. The Boat Of Despair (Instrumental)-> >;
4. Viedźmieragina (Instrumental)-> >;
5. Niama Darohi (Instrumental)-> >;
6. Bu Samoje (Instrumental)-> >;
7. Ustań Za Mianie (Instrumental)-> >;
8. Return My Coffin Home (Instrumental)

Source: Prophecy

-> >;Mit "The Machine in the Ghost" erreichen HAUJOBB den beeindruckenden Meilenstein des zehnten Studioalbums. Auch ihr neuestes Werk unterscheidet sich von all seinen Vorgängern. Das derzeit in Leipzig residierende Duo verweigert sich weiterhin standhaft jeder Wiederholung. "The Machine in the Ghost" unterscheidet sich bereits durch die Verwendung von Feldaufnahmen, um die Sounds für dieses Album zu erzeugen. Um die gewünschten Effekte zu erzielen, haben HAUJOBB bewusst auf eine Mischung aus Software und Hardware gesetzt – letzteres in Form von mit Alltagsgegenständen erzeugten Tönen. Diese symbolische Anspielung auf eine Zeit, in der es weniger Software und mehr analoges Drehen an den Reglern gab, ergänzt das Thema von "The Machine in the Ghost" um einen Hauch von Retro-Feeling – ohne jede nostalgische Verklärung. Das Album dreht sich um die spannungsgeladene Beziehung zwischen analog und digital, Geist und Materie. Als sich HAUJOBB im ostwestfälischen Bielefeld zunächst zu einem Trio formierten, kamen ihre Haupteinflüsse noch aus der Vancouver-Schule des Industrial – und speziell SKINNY PUPPY sowie FRONT LINE ASSEMBLY. Dies ist auf ihrem ersten Album "Homes lt; Gardens" (1993) noch hörbar, doch schon bald wurden HAUJOBB selbst als Aushängeschilder eines modernen elektronischen Industrial-Sounds angesehen. Auf den folgenden Alben "Freeze Frame Reality" (1995) und "Solutions for a Small Planet" (1996) entfernten sich die Deutschen zunehmend von den kanadischen Einflüssen, indem sie damit begannen, IDM (Intelligent Dance Music) mit Industrial und EBM zu verschmelzen. Damit katapultierten sich die Deutschen mitten in die internationale Szene und verschafften sich sogar in den USA einen Kultstatus. Auch nachdem HAUJOBB zum Duo mutiert waren, blieben sie einflussreich und insbesondere ihr 2011 in Eigenregie veröffentlichtes Album "New World March" gilt als weitere Großtat. Mit "The Machine in the Ghost" schlagen HAUJOBB ein neues spannendes Kapitel in ihrer bemerkenswerten Karriere auf. Unmittelbar zu Beginn der nächsten industriellen und kreativen Revolution, die der rasante Aufstieg der künstlichen Intelligenz auszulösen verspricht, legen HAUJOBB ihre metaphorischen musikalischen Finger erneut direkt an den Puls der Zeit.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
01. Uncanny Valley-> >;
02. Uselessness-> >;
03. In The Headlights-> >;
04. Under The Gun-> >;
05. Tommorrow-> >;
06. The Internation-> >;
07. Opposition-> >;
08. Singularity-> >;
09. Mass-> >;
10. While It Rains-> >;
-> >;
Bonustracks (nur Artbook)-> >;
01. In The Headlights (Extended Remix)-> >;
02. In The Headlights (Qual Tech Support Mix)-> >;
03. Mass (Hammered)-> >;
04. Uselessness (Quiet)-> >;
05. Opposition (ACTORS Remix)-> >;
06. Uselessness (Absolute Body Control Remix)-> >;
07. The Internation (Chrome Corpse Remix)-> >;
08. Opposition (Storm Remix)-> >;
09. Singularity (Agent Side Grinder Remix)-> >;
10. Mass (Tribute)-> >;
11. Opposition (Thorofon Remix)-> >;
12. Uselessness (Loud)

Source: Prophecy

-> >;Mit ihrer EP "To the Stars" knüpfen BEBORN BETON direkt an ihr neuntes Album "Darkness Falls Again" an. Das deutsche Synthie Pop Trio erweitert mit den drei neuen Tracks und vier Remixen der EP die musikalische Bandbreite des Albums und bleibt dessem Geist dabei sowohl lyrisch als auch musikalisch treu. Es gibt mehr als eine Art, BEBORN BETONs neuntes Album "Darkness Falls Again" zu hören: Es lässt sich einfach nur tanzen und als zeitgenössische Synthie-Pop-Hymnen genießen, die musikalisch fest in den goldenen 80ern verankert sind – und mit einer Prise leckerer 90er-Einflüsse serviert werden. Eingängige Melodien und ausgereiftes Songwriting verbinden sich zu einer klanglichen Spritztour. Doch BEBORN BETON legen ihren Finger auch auf den Puls unserer Zeit. Das Trio spricht sich lyrisch klar gegen Frauenfeindlichkeit, sexuelle Diskriminierung und Umweltzerstörung aus. BEBORN BETON wurden 1989 von Sänger Stefan Netschio, Keyboarder und Schlagzeuger Stefan Tillmann sowie Keyboarder Michael Wagner gegründet. Die drei Deutschen setzten sich erfolgreich zum Ziel, den Synth-Pop relevant zu halten und ihn um wichtige Inhalte zu bereichern. Nach den ersten beiden regulären Alben "Tybalt" (1993) und "Concrete Ground" (1994) trafen BEBORN BETON in ihrer neuen Label-Heimat auf namhafte Acts wie WOLFSHEIM und DE/VISION. Nachdem sich die Elektro-Musiker in Deutschland fest etabliert hatten, expandierten die Drei mit dem 1996 erschienenen Album "Nightfall" ins Ausland, wo sie ebenso wie mit den folgenden Scheiben "Truth" (1997) und "Fake" (1999) bei Kritikern und Fans auf große Gegenliebe stießen. Spätestens mit dem im Jahr 2000 erschienenen Werk "Rückkehr zum Eisplaneten" hatten sich BEBORN BETON in ihrer Szene fest als Headliner positioniert und in allen Hochburgen der elektronischen Musik rund um den Globus gespielt. Doch die anstrengenden Touren und die kreativ äußerst anspruchsvolle Veröffentlichung so vieler exzellenter Alben in kurzer Folge forderten ihren Tribut. Nachdem die Band "Tales from Another World" (2002) vorgelegt hatte, worauf sie unter anderem eine ausgedehnte Konzertreise quer durch die USA absolvierte, legten BEBORN BETON eine längere Pause ein. Erst 13 Jahre später kehrten BEBORN BETON zur großen Freude und Überraschung ihrer immer noch zahlreichen Anhängerschaft mit einem neuen Album auf Dependent Records zurück. "A Worthy Compensation" (2015) wurde von allen einschlägigen Magazinen wie Sonic Seducer und Orkus mit Lob überschüttet. Da BEBORN BETON nicht in einen unerbittlichen Produktionszyklus zurückfallen wollten, nahm sich das Trio genügend Zeit, um ein weiteres Meisterwerk zu komponieren. "Darkness Falls Again" hat all die köstlichen Zutaten, die Synth-Pop so großartig machen: Eingängige Songs, die die Beine zucken lassen. Eine Prise Melancholie. Eine Dosis Ironie. Aber auch eine Messerspitze Wut. BEBORN BETON haben mit ihrem letzten Album wieder Musik mit Aussagen und Verstand abgeliefert, was sich auf der EP "To the Stars" nahtlos fortsetzt. Nochmals willkommen zurück, BEBORN BETON!-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Ticket To The Moon-> >;
2. American Girls-> >;
3. Progeny-> >;
4. I Watch My Life On TV (Club Mix by Olaf Wollschläger)-> >;
5. My Monstrosity (EMMON Remix)-> >;
6. I Watch My Life On TV (Black Light Odyssey Remix)-> >;
7. My Monstrosity (Control Mix by Blac Kolor)

Source: Prophecy

-> >;DERO GOI kehrt mit einem Paukenschlag zurück! Der ehemalige OOMPH!-Frontmann liefert mit "1984" ein bis zum Rand mit Synthie-Hits vollgepacktes Doppelalbum ab. Das Debüt seiner Solo-Karriere ist zugleich sowohl in musikalischer als auch lyrischer Hinsicht ein starkes Statement zu seiner künftigen Ausrichtung als Künstler. "1984" bietet eine faszinierende Verschmelzung von feinen Retro-Synth-Sounds, EBM und Synth-Wave mit zeitgenössischen elektronischen Elementen, die sogar mit einer Prise seines früheren Lebens als Rock- und Metal-Musiker gewürzt ist. DERO GOI, der schon immer als herausragender Songwriter gefeiert wurde, hat sein musikalisches Handwerk noch weiter verfeinert. Die Songs dieses umfangreichen Werks werden ihre Hörer zum Tanzen und Mitsingen bringen und sich als Ohrwürmer in den Köpfen festsetzen, wo sie noch jahrelang feiern. DERO GOI bleibt dabei seinem unbeugsamen Willen treu, als nonkonformistischer Künstler zu arbeiten. Sein Coming-out als wiedergeborener Christ, der jeder organisierten Religion nach wie vor kritisch gegenübersteht, und seine libertäre politische Einstellung haben ein breites Spektrum von Reaktionen hervorgerufen. Dazu gehören leider auch massive Hindernisse bei der Suche nach einem Label und einem Booking-Agenten. Zudem musste der Künstler erleben, dass bereits bestätigte Konzerte nur aufgrund seiner Meinung wieder abgesagt wurden. Das wirft die unbequeme Frage auf: Wie tolerant ist eigentlich eine Szene, die sich rühmt, für jede Gesellschaftsschicht und jeden Lebensstil offen zu sein, wenn diese Werte einer kritischen Probe unterzogen werden? Natürlich haben auch Worte Konsequenzen und jede Freiheit hat ihre Grenzen, aber was ist mit einem Künstler, der fest auf dem Boden der Verfassung seines Landes steht und keine Gesetze bricht? Beinhaltet Freiheit nicht auch das Recht auf Widerspruch gegen den Zeitgeist? Dass DERO GOI bei Themen eine andere Meinung vertritt, ist kein Verbrechen. Bevor der Musiker, der am 16. April 1970 als Stephan Musiol in Wolfsburg geboren wurde, im Jahr 1989 OOMPH! gründete, spielte er bereits im Alter von 15 Jahren in einer Band mit seinem Freund Thomas Döppner (alias OOMH!-Gitarrist und Mitbegründer Crap), als beide noch Gymnasiasten waren. Seine musikalischen Einflüsse zeigen einen offenen Geist für stilistische Vielfalt. DERO GOI zählt unter anderem D.A.F., NITZER EBB, FRONT 242, THE CURE, FAITH NO MORE, KILLING JOKE, EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN, AC/DC, DEPECHE MODE, EXTRABREIT, KRAFTWERK, THE BEATLES, ELVIS PRESLEY und ABBA zu seinen musikalischen Vorbildern. DERO GOI hat mit seinem neuen Werk einen Weg eingeschlagen, der elektronischer ist als die meisten seiner bisherigen Songs. "1984" ist das Zeugnis eines Künstlers, der sich einer breiten Palette diverser Einflüsse bedient, der aber zugleich auch seine weithin respektierte Fähigkeit, äußerst eingängige Melodien zu schreiben, noch weiterentwickelt hat. Was auch immer die Hörer von diesem massiven Beitrag zur elektronischen Szene halten werden, DERO GOI wird sich als Sänger und Künstler nie den Mund verbieten lassen. Liebt oder hasst "1984" – aber was auf diesem Album zu hören ist, wird immer zu 100% DERO GOI bleiben!-> >;
-> >;
Tracklist CD:-> >;
01. The First Stone-> >;
02. Whistleblower-> >;
03. (What If God Was) One Of Us-> >;
04. Being Alive-> >;
05. Resurrected-> >;
06. Nah Nah Nah-> >;
07. The Great Reset-> >;
08. 322-> >;
09. Shitstorm-> >;
10. Clickbait-> >;
11. Saturday-> >;
12. A Long Way Out-> >;
13. It Is Finished-> >;
14. Game Boy-> >;
15. 1984-> >;
16. Under The Bridge-> >;
-> >;
Tracklist Artbook und LP:-> >;
01. The First Stone-> >;
02. Whistleblower-> >;
03. Resurrected-> >;
04. Clickbait-> >;
05. Learning Deutsch-> >;
06. Being Alive-> >;
07. It Is Finished-> >;
08. The Great Reset-> >;
09. The Devil Is A Liar-> >;
10. 322-> >;
11. Shitstorm-> >;
12. 1984-> >;
13. (What If God Was) One Of Us-> >;
14. Saturday-> >;
15. Nah Nah Nah-> >;
16. Friendly Fascism-> >;
17. Under The Bridge-> >;
18. Trance-> >;
19. Unmasked-> >;
20. Archangels-> >;
21. Game Boy-> >;
22. JC-> >;
23. A Long Way Out

Source: Prophecy

-> >;FEN erklimmen mit ihrem achten Album "Elemental Part One: Mourning Earth" neue künstlerische Höhen, indem sie paradoxerweise mit beiden Beinen auf dem Boden bleiben. Das Trio aus East Anglia hat sich in jeder Hinsicht seinen "Wurzeln" zugewandt. FEN destillieren die Essenz ihres Sounds aus allem, was sie in den letzten zwei Jahrzehnten gelernt und hinzugefügt haben. Während das Vorgängeralbum "Monuments to Absence" (2023) bewusst dicht, schnell und intensiv arrangiert war, lassen FEN ihren Songs wieder mehr Raum zum Atmen, um ihren Ideen und Motiven mehr Zeit zur Entfaltung zu gewähren. Natürlich findet sich auch reichlich klangliche Aggression in allen Songs, doch diese wird auf eine andere Art kanalisiert: Große Teile von "Mourning Earth" wurden live aufgenommen, um einen organischen Fluss zu erreichen und den natürlichen Rhythmus der Stücke herauszuarbeiten. Inhaltlich fassen FEN ihre Gedanken in eigenen Worten poetisch zusammen: "Morgennebel lichten sich über den sumpfigen Weiten der englischen Moorlandschaft und enthüllen einen weiteren Tag im Fen: grau, düster, voller Trauer und Reue. Bei Sonnenuntergang dämmert langsam die quälende Erkenntnis, dass der morgige Tag mehr vom Gleichen verspricht – ein Schmerz, den das kaum hörbare Flüstern der Erdgeister begleitet. Und wir, wir können nur ausharren und weiterleben." Mit "Elemental Part One: Mourning Earth" haben FEN einen neuen, spannenden Höhepunkt in ihrer langjährigen Karriere erreicht, der sich durch eine perfekte Balance zwischen ihren Wurzeln im Black Metal und den Post-Black Metal Innovationen auszeichnet. FEN entführen ihre Zuhörer auf eine Reise zu düsteren Mooren, trägen Wasserläufen und trostlosen Nebelschwaden, die über kahlen Felsen tanzen – doch auf der anderen Seite wartet ein Gefühl der Erlösung von der endlosen existenziellen Leere im Inneren. -> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Glacier-> >;
2. Tectonic-> >;
3. Massif-> >;
4. Abyssal Plain-> >;
5. Barrow-> >;
6. Moor-> >;
-> >;
Bonustracks (nur Artbook):-> >;
1. The Torture Never Stops (WASP cover)-> >;
2. Limbs of Aether-> >;
3. The Ghost Elms-> >;
4. The Same Deep Water as You (Cure cover)-> >;
5. Wooden Ships (Crosby, Stills lt; Nash)

Source: Prophecy

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Source: Prophecy

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Source: Prophecy

-> >;Mit ihrem achten Studioalbum "Seed of the Formless" sind THE MOON AND THE NIGHTSPIRIT an einer Wegkreuzung angekommen. Das Duo hat sich ganz bewusst für das Abbiegen zu einer bedeutenden klanglichen Veränderung entschieden. Dieser Sprung in ihrer stilistischen Entwicklung lässt die tiefen Wurzeln der Ungarn im Ethereal Folk unangetastet, doch "Seed of the Formless" markiert zugleich ihre bewusste Richtungsänderung zum atmosphärischen Post-Metal. Mit der Entscheidung von THE MOON AND THE NIGHTSPIRIT, auch E-Gitarren und weitläufige Synth-Texturen einzusetzen, erweitern sie ihre Klangmöglichen um, wie die Band es nennt, kosmische und spontanere Energien – gerade im Vergleich zum Flüstern von Wäldern und Wiesen in ihrer musikalischen Vergangenheit. Die neue Phase ihrer klanglichen Entwicklung ergibt für THE MOON AND THE NIGHTSPIRIT besonders deshalb Sinn, da sie auf "Seed of the Formless" auch die Räume zwischen dunklen Schatten und hellem Licht musikalisch erforschen. Der Kontrast sowie die Verschmelzung von akustischen und elektrischen Klängen stößt die Tore zu einem großen Reich neuer Möglichkeiten weit auf. Es wird immer jene Anhänger einer Band geben, die sich jeder Veränderung widersetzen. Doch als wahrhaftige Künstler folgen THE MOON AND THE NIGHTSPIRIT ihrem tiefen Bedürfnis nach einer Weiterentwicklung. Die melancholische Schönheit von "Seed of the Formless" speist sich aus der Verbindung von atmosphärischem Post-Metal und folkloristischem Ambient. Dabei bleibt die Seele des Duos unberührt: mystisch, sehnsüchtig und in ewiger Verbindung mit dem Unendlichen!-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Cosmic Seed -> >;
2. Luminous Thread -> >;
3. Odyssey Limen -> >;
4. The First Tremor -> >;
5. Astromorphosis -> >;
6. Fount of Everlight -> >;
7. Olden Renaissance -> >;
8. Lament of the Thistle Queen

Source: Prophecy

-> >;Dictius Te Necare ist Bethlehems zweites Langspielalbum und ein unbestrittener Grundstein des gesamten Suicidal/Depressive Black Metal Genres. Die Prophecy-Wiederveröffentlichung dieses Klassikers erscheint als Digipak-CD mit 12-seitigem Booklet und bleibt dabei dem ursprünglichen Geist des Albums treu.-> >;
-> >;
Titelliste:-> >;
1. Schatten aus der Alexander Welt-> >;
2. Die anarchische Befreiung der Augenzeugenreligion-> >;
3. Aphel - Die schwarze Schlange-> >;
4. Verheißung - Du Krone des Todeskultes-> >;
5. Verschleierte Irreligiosität-> >;
6. Tagebuch einer Totgeburt-> >;
7. Dorn meiner Allmacht-> >;
-> >;
Gatefold-LP (transparent/gold/schwarz-marmoriertes Vinyl) inkl. gefütterter Innenhülle und Schutzhülle

Source: Prophecy

-> >;Die 12"-EP "Ghosts of Europa" von MORTIIS wurde als besonderes Schmankerl für die Fans seiner Nordamerika-Tournee mit UADA im April und Mai 2026 konzipiert. Die EP erscheint als limitierte Auflage mit je 250 Exemplaren auf schwarzem und blauem 12"-Vinyl. Jeweils 40 Exemplare jeder Farbvariante sind exklusiv für den europäischen SPKR-Webshop reserviert. Diese Sammler-EP enthält zwei Songs aus dem gleichnamigen, kommenden Album sowie drei Demo-Tracks, die nur in dieser limitierten Auflage erhältlich sind.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Ghosts Of Europa -> >;
2. Violent Silence -> >;
3. Tribes of Dystopia (Demo 2021)-> >;
4. Violent Silence (Demo 2023)-> >;
5. Ghosts of Europa (Demo 2021)

Source: Prophecy

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Source: Prophecy

-> >;Das musikalische Vermächtnis von Mastermind Tchort-> >;
-> >;
"Light Of Day, Day Of Darkness” ist das erste Solowerk von Tchort und sein musikalisches Vermächtnis. Unterstützt wird er dabei unter anderem von Kobro (Carpathian Forest), der nach zehn Jahren wieder zu Green Carnation zurückkehrt, Gastsänger Jan Kenneth Transit (In The Woods..., Naervaer), einem Kinderchor, einem klassischen Chor und Sitar-Spielern. -> >;
-> >;
Ein Jahr nach dem Debüt ”Journey to the end of the night”, an dem u.a. Vibeke von Tristania und die Botteri Zwillinge von In The Woods... mitwirkten, erscheint nun das zweite Album der Doom-Metal-Gruppe um Tchort (auch Carpathian Forest, ex-Emperor, ex-Satyricon). ”Light Of Day, Day Of Darkness” ist das erste Solowerk von Tchort und sein musikalisches Vermächtnis. Unterstützt wurde er dabei unter anderem von Kobro (Carpathian Forest), der nach zehn Jahren wieder zu Green Carnation zurückkehrte, Gastsänger Jan Kenneth Transit (In The Woods..., Naervaer), einem Kinderchor, einem klassischen Chor und Sitar-Spielern. -> >;
”Light Of Day, Day Of Darkness ist ein Konzeptalbum. Die Musik wurde für meinen Sohn Damien Aleksander geschrieben, der mir unendlich viel Freude, Inspiration und meinem Leben einen Sinn gibt. Das lyrische Thema des Albums dreht sich um Einsamkeit und ist den Botteri-Zwillingen gewidmet für alles, was sie bisher durchmachen mussten. Diese Platte ist mein Dank an zwei großartige Musiker, die mir halfen, mich zu dem Künstler zu entwickeln, der ich heute bin.” (Tchort)-> >;
-> >;
Gatefold-2LP (transparent-orange marmoriert) inkl. 4 Bonustracks, gefütterter Innenhüllen und Schutzhülle (500 Einheiten erhältlich)

Source: Prophecy

-> >;Tidal Wave's forthcoming new record Volume Tree captures the loud foursome at their absolute heaviest. These sounds are more sinister than anything on their debut Blueberry Muffin, and the band’s grunge influences punch through on tracks like “Hangman”, while “Temple of Humanity” takes a dark turn by revealing a more progressive side of their music. Lyrically, the album spans from Black Sabbath worship on “Earth” to a bully's redemption tale on the faster and snarling debut single “Sideburns”, while keeping things fresh, modern and as punchy as a knuckleduster.

Source: Prophecy

-> >;GRÀB bieten auf ihrem zweiten Album "Kremess" sowohl Kontinuität als auch Wandel. Das von Sänger Grànt gegründete bayerische Black Metal Projekt kreist lyrisch weiterhin um Geschichten und Traditionen, die im Dialekt des deutschen Alpenlandes erzählt werden. "Kremess" bedeutet auf Hochdeutsch "Leichenschmaus" – und der Tod spielt auf diesem Album erneut eine große Rolle. Musikalisch erscheinen neben dem traditionellen Hackbrett weitere akustische Instrumente. Dazu gesellen sich vor allem Einflüsse aus dem frühen nordischen Black Metal, bei dem Namen wie GEHENNA, ULVER und DARKTHRONE fallen müssen – aber auch Inspirationen von deutschen Pionieren des Genres wie NAGELFAR und LUNAR AURORA. Mit dem englischen Gitarristen Gnàst, der den bisherigen Songwriter Grain mittlerweile abgelöst hat, kommen frische Ideen und Klänge zur bajuwarisch-schwarzen Klangwelt hinzu. Eine Reihe von Gastmusikern, unter anderem Mitglieder von EMPYRIUM, TRIPTYKON und DARK FORTRESS, bereichern ebenfalls das musikalische Spektrum. GRÀB, was im bairischen Dialekt "alt und grau" und keineswegs "Grab" bedeutet, wurden vom ehemaligen DARK FORTRESS-Frontmann Grànt erdacht, der dem Black Metal eine unverkennbar bayerische Note verleihen wollte. Die anfängliche Zusammenarbeit zwischen Grànt und dem Gitarristen Grain führte im Jahr 2021 zur Veröffentlichung des Debütalbums "Zeitlang", das den Geist des frühen Black Metal sehr zur Freude von Kritikern und Fans wiederauferstehen ließ. Mit "Kremess" verleihen GRÀB ihrem bayerischen Black Metal neue musikalische Kraft, die weit in die Zukunft weist.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
CD 1-> >;
1. Waidler-> >;
2. Kremess-> >;
3. Kerkermoasta-> >;
4. Im Hexnhoiz-> >;
5. Vom Gråb im Moos-> >;
6. Deifeszeig-> >;
7. Waldeinsamkeit-> >;
8. Dà letzte Winter-> >;
-> >;
CD 2 (nur Artbook)-> >;
1. Waidler (gschmeidig)-> >;
2. Schaug’ de Himmesdechta-> >;
3. Leere-> >;
-> >;
Gatefold 2-LP (kristallklar/schwarz marmoriertes Vinyl) mit Einleger, Etching auf Seite D, gefütterter Innenhülle und Schutzhülle

Source: Prophecy

-> >;

Source: Prophecy

-> >;TRELLDOM treiben ihren musikalischen Kurs mit "...by the word..." wild entschlossen weiter in der neuen musikalischen Ära voran, die sie nach einer 17-jährigen Ruhephase mit dem Vorgängeralbum "...by the shadows..." (2024) eingeleitet hatten. Bandkopf und Sänger Kristian Eivind Espedal alias Gaahl hat den komplexen und dennoch finsteren Sound des Vorgängers mit seinen sorgfältig ausgewählten Mitstreitern konsequent weiterentwickelt. Das exponentiell gewachsene Selbstvertrauen und die hart erarbeitete Erfahrung der zumindest oberflächlich sehr unterschiedlichen norwegischen Musiker spiegeln sich deutlich in jedem Track von "...by the word..." wider. TRELLDOM vollenden den Prozess, sich von der engsten Definition des Black Metal zu lösen, ohne dabei ihre künstlerische Mission zu verraten. Ihre neue Musik bleibt nicht nur dem Geist ihrer Black Metal Herkunft treu, sondern der Sound der Norweger ist auf seine eigene Weise sogar noch finsterer und verstörender als je zuvor. "...by the word..." ist auch das Ergebnis von Espedals wagemutiger Ausweitung seiner immensen stimmlichen Bandbreite in noch weiter entlegene, unerforschte Territorien. Dies wurde zum Teil durch seine Rückkehr in die berühmten Grieghallen Studios in Bergen erreicht, wo er erneut mit Eirik Hundvin alias Pytten zusammenarbeitete – jenem legendären Produzenten, der maßgeblich an der Entstehung des Sounds des "norwegischen Black Metal" beteiligt war. TRELLDOM stehen fest in Espedals künstlerischer Tradition stets das Unerwartete zu tun. Mit der Erforschung avantgardistischer Dissonanzen, gewagter Rhythmusmuster und wilder Ideen zerstört "...by the word..." erneut Erwartungshaltungen und Vorurteile. Dieses Album verlangt intensives Zuhören und fordert mit jeder Note heraus!-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. When This Was Young-> >;
2. I Speak Forgotten Voices-> >;
3. This Moment the Life of a Memory-> >;
4. By the Word-> >;
5. Folding the Mind-> >;
6. The Word – Chose to Vanish-> >;
7. In There Outside-> >;
-> >;
Gatefold-LP (smokey marbled-Vinyl) mit 12 seitigem Booklet, gefütterter Innenhülle und Schutzhülle

Source: Prophecy

-> >;TRELLDOM treiben ihren musikalischen Kurs mit "...by the word..." wild entschlossen weiter in der neuen musikalischen Ära voran, die sie nach einer 17-jährigen Ruhephase mit dem Vorgängeralbum "...by the shadows..." (2024) eingeleitet hatten. Bandkopf und Sänger Kristian Eivind Espedal alias Gaahl hat den komplexen und dennoch finsteren Sound des Vorgängers mit seinen sorgfältig ausgewählten Mitstreitern konsequent weiterentwickelt. Das exponentiell gewachsene Selbstvertrauen und die hart erarbeitete Erfahrung der zumindest oberflächlich sehr unterschiedlichen norwegischen Musiker spiegeln sich deutlich in jedem Track von "...by the word..." wider. TRELLDOM vollenden den Prozess, sich von der engsten Definition des Black Metal zu lösen, ohne dabei ihre künstlerische Mission zu verraten. Ihre neue Musik bleibt nicht nur dem Geist ihrer Black Metal Herkunft treu, sondern der Sound der Norweger ist auf seine eigene Weise sogar noch finsterer und verstörender als je zuvor. "...by the word..." ist auch das Ergebnis von Espedals wagemutiger Ausweitung seiner immensen stimmlichen Bandbreite in noch weiter entlegene, unerforschte Territorien. Dies wurde zum Teil durch seine Rückkehr in die berühmten Grieghallen Studios in Bergen erreicht, wo er erneut mit Eirik Hundvin alias Pytten zusammenarbeitete – jenem legendären Produzenten, der maßgeblich an der Entstehung des Sounds des "norwegischen Black Metal" beteiligt war. TRELLDOM stehen fest in Espedals künstlerischer Tradition stets das Unerwartete zu tun. Mit der Erforschung avantgardistischer Dissonanzen, gewagter Rhythmusmuster und wilder Ideen zerstört "...by the word..." erneut Erwartungshaltungen und Vorurteile. Dieses Album verlangt intensives Zuhören und fordert mit jeder Note heraus!-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. When This Was Young-> >;
2. I Speak Forgotten Voices-> >;
3. This Moment the Life of a Memory-> >;
4. By the Word-> >;
5. Folding the Mind-> >;
6. The Word – Chose to Vanish-> >;
7. In There Outside-> >;
-> >;
Gatefold-LP (schwarzes Vinyl) mit 12 seitigem Booklet, gefütterter Innenhülle und Schutzhülle

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-> >;With 200+ shows in their relatively short tenure, Temptress’ endless ideas and nuances slip perfectly into place thanks to its members' vast live experience, and their debut album churns with searing hooks and dissonant grooves in an irresistible confluence.

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-> >;

Source: Prophecy

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Source: Prophecy

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Source: Prophecy

-> >;Steak return to melt the blacktop with a new collection of smoldering stoner rock that's made to be played low and slow. Full of their uniquely Brit-tinged take on expansive, powerful, brooding desert blues, there's no denying the mania that will acutely grip your brain as swaths of irresistible riffs wend like electric syrup through your aural passageways. An ambitious, smooth, and utterly confident slab of rock from a band that has undoubtedly come into its own.

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-> >;Stoner Rock

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Source: Prophecy

-> >;Recording albums and touring when they wanted to since their formation nearly three decades ago, Hermano has always refused to operate on anyone’s schedule other than their own. Lured by the repeated calls of their devoted fans, though, the band first reunited for a stirring performance at Hellfest in Clisson, France, in the summer of 2016. Eight years removed from their last live performance, they arrived in Clisson with time to rehearse through their material for a couple of hours before taking the stage. In what has been hailed as the most thrilling set of the 2016 edition of Hellfest, that evening the audience witnessed a band hitting on all cylinders, a performance so energetic and seamless that those in attendance were in awe that the band had not performed together since 2008.

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-> >;Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

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-> >;Ein Meilenstein des deutschen Neofolk-> >;
-> >;
Das ursprünglich im Jahr 2000 bei Well Of Urd erschienene "Sonnentanz" ist das erste in unlimitierter Auflage erschienene Album Hekates und avancierte zu einem zentralen Werk des deutschen Neofolk. Inhaltlich dem freiheitlichen Geiste der Bündischen Jugend und der Edelweißpiraten, also der "Verlorenen Jugend" der 1930er Jahre verpflichtet, orientieren sich Hekate musikalisch stark an folkloristischer Akustikmusik und prägten mit diesem Album ihren Stil der folgenden Jahre. Die Neuauflage kommt im auf 700 Stück limitierten Digipak und mit überarbeiteter Gestaltung.-> >;
-> >;
LP (schwarz) inkl. gefütterter Innenhülle, Einleger und Schutzhülle (300 Einheiten erhältlich)

Source: Prophecy

-> >;Als FÏX8:SËD8 im Januar 2021 ihr fünftes Album "The Inevitable Relapse" veröffentlichten, hatte sich der deutsche Dark Electro Act längst als feste Größe in der Industrial-Szene etabliert. Das von dem Hessen Martin Sane gegründete Projekt, dessen Name sich von den psychiatrischen Begriffen "fixiert/sediert" ableitet, begann seine musikalische Reise mit zwei als Eigenveröffentlichungen herausgebrachten Alben, die seit Jahren ausverkauft und somit heiß begehrte Sammlerstücke sind. Das Debüt "humanophobia" erschien 2006 und wurde von HAUJOBBs Daniel Myer produziert. Dagegen wurde das 2009 erschienene zweite Album "dormicum" von Sane in Eigenregie aufgenommen. FÏX8:SËD8 haben sukzessiv ihre eigene Klangwelt erschaffen, indem sie sich kontinuierlich von ihren musikalischen Vorbildern entfernten. Das waren anfangs vor allem die kanadischen Kultbands wie SKINNY PUPPY und FRONT LINE ASSEMBLY. FÏX8:SËD8 setzten gleich mit ihrem ersten Langspieler ein künstlerisches Ausrufezeichen. Das beeindruckende Konzeptalbum "humanophobia" setzt mit einem der größten Verbrechen der Menschheitsgeschichte auseinander: Der Auslöser war sein Besuch in Kambodscha und einem der ehemaligen sogenannten Killing Fields sowie dem dazugehörigen Internierungslager, in welchem das kommunistische Regime der Roten Khmer unter Pol Pot in den Jahren 1975 bis 79 zahlreiche Verbrechen gegen die Menschlichkeit beging. Martin Sane verarbeitet die eindringlichen Bilder des Völkermordes, dem fast ein Viertel der Bevölkerung Kambodschas zum Opfer fiel, durch die Erschaffung einer besonders emotional fesselnden und finsteren elektronischen Musik. Die Musik blieb dunkel, doch auch ohne ein alles umfassendes Konzept dokumentierte das zweite Album "dormicum" im Jahr 2009 durch ein konzentriertes Songwriting und hörbare stilistische Feinjustierungen eine rasante musikalische Weiterentwicklung. Beide Werke erzielten trotz Eigenvertrieb eine erhebliche Reichweite in Electro Industrial Kreisen. Als FÏX8:SËD8 mit jedem weiteren Album einen neuen Höhepunkt in Sachen Songwriting und Produktion erreichte, wurde der Ruf nach einer Neuauflage der beiden längst vergriffenen ersten Veröffentlichungen immer lauter. Daraus entstand letztlich die Idee eines Artbooks, das beide Titel vereint. Da die Zusammenarbeit mit PYRROLINE Vordenker Arnte und seinen ausgeprägten Fähigkeiten in Sachen Produktion und Mixing bereits "The Inevitable Relapse" zugute gekommen waren, fiel die offensichtliche Wahl für das Remastering der beiden ersten Alben auf ihn. Arnte nahm die Herausforderung gerne an und erledigte den Job mit Bravour. Die legendären ersten beiden FÏX8:SËD8 Alben werden endlich wieder erhältlich sein. Es ist höchste Zeit, um mit "humanophobia:dormicum" in die frühen Tage von Martin Sanes elektronischer Industrial Finsternis zurückzukehren.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
01. Quiet-> >;
02. Oblivion-> >;
03. Blasphemia-> >;
04. Damien-> >;
05. Monolith (Rebuilt Word)-> >;
06. Dementor-> >;
07. Killing Field (Choeung Ek)-> >;
08. Tranquillized-> >;
09. Ultraviolent-> >;
10. Fetishist-> >;
11. Guilty-> >;
12. Minotaurus-> >;
13. Burial Ground-> >;
14. Lethargia-> >;
15. Guillotine Gratitude-> >;
16. Quarantine-> >;
17. Post Mortem Apocalypse-> >;
18. Insomaniac-> >;
19. Ambulant-> >;
20. Blood Delta-> >;
21. Methadone-> >;
22. Hiob-> >;
23. The Needle-> >;
24. Chromatose-> >;
25. Dormicum-> >;
26. Homicide In Heaven-> >;
27. Post Mortem Apocalypse (Club Edit)

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