Die Modern Thrash Metal-Band SYLOSIS veröffentlicht am 20. Februar 2026 ihr siebtes Album, „The New Flesh“ erscheint damit kurz nach der Tour mit REVOCATION, DISTANT und LIFE CYCLES.

Nun hat die Band mit  „Lacerations“ eine weitere Single veröffentlicht, sie folgt auf „Erased„: 

Zum Titelsong gibt es schon ein Video, das die Band so kommentiert: 

„Wir stellen euch The New Flesh vor. Unser Line-up ist jetzt stabil, wir kommen mit neuer Zielstrebigkeit und Aggressivität voran. In den vergangenen zwei Jahren haben wir viel Zeit auf Tour verbracht, ‚The New Flesh‘ und die anderen Songs, entstanden in dieser Live-Atmosphäre. Die Songs haben eine Energie, die wir bisher auf keinem Sylosis-Album gespürt haben.

 

SYLOSIS „The New Flesh“ Tracklist & Cover 
01. Beneath The Surface02. Erased (Video bei YouTube)03. All Glory, No Valour04. Lacerations (Video bei YouTube)05. Mirror Mirror06. Spared From The Guillotine07. Adorn My Throne08. The New Flesh (Video bei YouTube)09. Everywhere At Once10. Circle Of Swords11. Seeds In The River

SYLOSIS Besetzung 

Josh Middleton (guitar/lead vocals)
Ali Richardson (drums)
Conor Marshall (guitar)
Ben Thomas (bass)

SYLOSIS, REVOCATION, DISTANT, & LIFE CYCLES: Tour 2026 
16/01 – Kulttempel, Oberhausen, DE17/01 – Gruenspan, Hamburg, DE18/01 – Hole 44, Berlin, DE19/01 – Pumpehuset, Copenhagen, DK21/01 – Tavastia, Helsinki, FI23/01 – Fryshuset Klubben, Stockholm, S24/01 – John Doe, Oslo, NO25/01 – Pustervik, Gothenburg, S27/01 – Hirsch, Nuremberg, DE28/01 – Szene Wien, Vienna, AT29/01 – Backstage, Munich, DE30/01 – Barba Negra Blue Stage, Budapest, HU31/01 – Meet Factory, Prague, CZ01/02 – Substage, Karlsruhe, DE03/02 – Dynamo, Zurich, CH04/02 – Conrad Sohm, Dornbirn, AT05/02 – Legend Club, Milan, IT06/02 – Rayonne, Lyon, FR07/02 – Salamandra, Barcelona, ES08/02 – Sala Mon Live, Madrid, ES10/02 – Machine du Moulin Rouge, Paris, FR11/02 – Patronaat, Haarlem, NL12/02 – Vierde Zaal, Gent, BE13/02 – Dynamo, Eindhoven, NL14/02 – Reithalle, Dresden, DE15/02 – Kwadrat, Krakow, PL17/02 – Zoom, Frankfurt, DE18/02 – Musikzenturm, Hannover, DE20/02 – 02 Kentish Town Forum, London, UK21/02 – 02 The Ritz, Manchester, UK22/02 – The Academy, Dublin, IE

 
 

Fotogalerie: SYLOSIS – Summer Breeze 2024 – 14.08.2024

Source: Vampster

Die Zahlen lügen nicht: LORNA SHORE sind keine Eintagsfliege, sondern Wiederholungstäter. Nach der ausverkauften Show im November 2023 erwartet die US-Amerikaner im Münchner Zenith abermals volles Haus. Dass die Tickets für das diesjährige Gastspiel bereits Monate im Voraus vergriffen waren, überrascht jedoch nicht. Zwar konnte die Deathcore-Größe mit seinem aktuellen Album „I Feel The Everblack Festering Within Me“ (2025) – immerhin auf gutem Niveau – lediglich mehr vom Selben bieten, dafür ist das Support-Paket ein wahres Fest für Genre-Nerds.

Gemeinsam mit LORNA SHOREs Will Ramos komplettieren Phil Bozeman (WHITECHAPEL) und Ben Duerr (SHADOW OF INTENT) das heilige Triumvirat der Deathcore-Shouter; mehr geballte Qualität in einer Tournee scheint kaum vorstellbar. Weil noch dazu HUMANITY’S LAST BREATH mit ihrer atmosphärischen Interpretation des Genres den Abend eröffnen dürfen, ist der frühe Andrang auf die vorderen Plätze der ehemaligen Ausbesserungshalle vorprogrammiert.

HUMANITY’S LAST BREATH

Gespannt waren wir im Vorfeld vor allem, wie der doch eigenwillige Sound des Quartetts auf der großen Bühne wirken würde. Bedenken hatten wir vor allem, da die dichten Soundscapes der Schweden in der Vergangenheit von den beengten räumlichen Verhältnissen kleiner Clubs profitieren konnten: In dichte Nebelschwaden gehüllt vermittelten die Silhouetten der Musiker ein geradezu bedrohliches Bild.

Ihre teils apokalyptisch anmutenden Klänge begleitet heute dafür eine stimmige Lichtuntermalung, die der sonst stoisch anmutende Shouter Filip Danielsson mittels bedeutungsschwangerer Gestik für sich zu nutzen weiß. Die Kapuze tief ins Gesicht gezogen, sehen wir meist nur die lange Haarpracht herunterhängen, wenn der Frontmann in den tiefsten Regionen seiner Stimme nach dem richtigen Ton sucht.

Tiefer ist nicht immer besser: HUMANITY’S LAST BREATH starten stark, doch verlieren mit zunehmender Dauer an Reiz

Variabilität dürfen wir in dieser Hinsicht folglich nicht erwarten; immerhin passt es zum restlichen Sound der Band, der – ganz im Sinne von Gitarrist und Bandkopf Buster Odeholm – auf massive Downtuned-Gitarren und Djent-Anleihen setzt. Gefüttert werden diese im „Thall“-Nischengenre schließlich durch zahlreiche Synth-Spuren, welche im Zenith jedoch größtenteils im massiven Mix verlorengehen.

Dadurch nutzt sich der recht gleichförmige Ansatz trotz der knapp bemessenen Spielzeit schnell ab: Das schleppende „Godhood“ erklingt noch mächtig, der Groove von „Labyrinthian“ oder „Bellua, Pt. 1“ sorgt für Kurzweil, doch insgesamt ist in der zweiten Hälfte die Luft ein wenig raus. Sicherlich würde es helfen, wenn die zahlreichen Backing Tracks besser zur Geltung kämen. Da sich HUMANITY’S LAST BREATH aber voll und ganz dieser Schiene verschrieben haben, steht und fällt das Konzept mit den Gegebenheiten. Im Grunde also ordentlich und dabei – zumindest am heutigen Abend – doch ausbaufähig.

Fotogalerie: HUMANITY’S LAST BREATH

SHADOW OF INTENT

Blicken wir auf das vergangene Musikjahr zurück, haben SHADOW OF INTENT im Vergleich zum Headliner sicherlich das interessantere Album im Gepäck. Ein Umstand, den die US-Amerikaner unerwartet selbstbewusst zur Schau stellen: Bis auf eine Ausnahme konzentriert sich das Set heute auf „Imperium Delirium“ (2025). Qualitativ gut bestückt ist die Songauswahl damit sicherlich, obgleich wir die hochwertige Bandbreite der Band-Diskographie dennoch vermissen.

Immerhin lassen uns SHADOW OF INTENT kaum Zeit zum Grübeln, gestaltet sich der Einstieg „They Murdered Sleep“ doch so massiv wie unbarmherzig. Die symphonischen Backing Tracks streuen hier und vor allem in „Vehement Draconian Vengeance“ etwas Theatralik ein, dringen allerdings nicht immer durch das dichte Soundgewitter. Der Klang im Zenith ist für Deathcore-Verhältnisse eigentlich ordentlich, nur den Verlust einiger Details müssen wir beklagen.

Erst zum Finale lassen SHADOW OF INTENT ihr aktuelles Werk „Imperium Delirium“ hinter sich

Nichtsdestotrotz reißen die verspielten Riffs von „Flying The Black Flag“ ebenso mit wie Gitarrist Chris Wisemans (CURRENTS) songdienlich gespielten Soli. Diese Mischung trifft in der bayerischen Landeshauptstadt auf die offenen Ohren einer engagierten Zuschauerschaft: Die ersten Crowdsurfer segeln schon früh nach vorne, während Shouter Ben Duerrs mächtiges Organ sogar den Hallenboden zum Vibrieren bringt. Die donnernden Growls ergänzen stechende Screams, wenn nicht gerade im walzenden „Feeding The Meatgrinder“ die Death-Metal-Einflüsse der Band zum Tragen kommen.

Dass SHADOW OF INTENT hier nicht zweimal zur Wall of Death bitten müssen, ist für die Münchner:innen Ehrensache, die daraufhin mit einem echten Evergreen entlohnt werden: Der Bandhit „The Heretic Prevails“ genießt nicht nur den besten Soundmix des kurzen Auftritts, sondern bleibt zwischen den markanten Pianoschlägen im Refrain und seinem abwechslunsgreichen Breakdown auch nach unzähligen Aufführungen noch ein schwer zu überbietender Höhepunkt.

SHADOW OF INTENT Setlist – ca. 35 Min.
1. They Murdered Sleep2. Flying The Black Flag3. Mechanical Chaos4. Vehement Draconian Vengeance5. Infinity Of Horrors6. Feeding The Meat Grinder7. The Heretic Prevails

Fotogalerie: SHADOW OF INTENT

WHITECHAPEL

Es hat einen Grund, weshalb WHITECHAPEL erst kürzlich wieder zu alter Härte zurückgefunden haben: So verriet Frontmann Phil Bozeman jüngst in den sozialen Medien, dass er selbst tatsächlich die harte Seite seiner Band bevorzuge. Dementsprechend bleiben die beiden progressiven Werke „The Valley“ (2019) sowie „Kin“ (2021) heute außen vor, obwohl ein kleiner Tapetenwechsel zwischendurch angesichts des kompromisslosen Line-ups durchaus gutgetan hätte.

Dafür spielen die Deathcore-Veteranen um ihren ikonischen Sänger völlig ungezügelt auf, während das Zenith schon beim Opener „Prisoner 666“ lautstark die Stimme erhebt. Spätestens beim massiven Breakdown von „Hymns In Dissonance“ gibt es dann auch im Zentrum kein Halten mehr – das Material des gleichnamigen Albums zündet live sichtlich prächtig. Offenbar lagen WHITECHAPEL mit der Songauswahl also genau richtig: Das unerbittliche „A Visceral Retch“, der Groove von „Bedlam“ lassen uns keine Zeit, zur Ruhe zu kommen.

WHITECHAPEL-Frontmann Phil Bozeman ruft stimmlich eine der besten Leistungen des Abends ab

Kurios erscheint daher, dass die Band für das Interlude „Ex Inferis“ und nach dem anschließenden „Hate Cult Ritual“ die Bühne verlässt und so dem unnachgiebigen Set selbst den Elan raubt. Ist es die kleine Einlage mit der okkulten Tiermaske wert, die Phil Bozeman währenddessen dem Publikum präsentiert? Wir bezweifeln es, obgleich der Shouter ansonsten eine vereinnahmende Präsenz auf den Brettern darstellt und stimmlich wohl eine der besten Leistungen des Abends abruft.

Hätten wir uns nicht mittlerweile an der – seit dem Opener unveränderten – Lichttechnik bestehend aus bunten LED-Streifen im Hintergrund sattgesehen, müssten wir Kritikpunkte ansonsten mit der Lupe suchen. Diesem Manko setzen WHITECHAPEL für die zweite Hälfte ihres Sets immerhin eine Reise zurück zu den Anfangstagen entgegen: Drei Stücke vom gefeierten Debütalbum sowie der Evergreen „This Is Exile“ beenden das Gastspiel der US-Amerikaner mit der gleichen Intensität, wie es begonnen hat. Gegen Routine, Erfahrung und die geballte Kraft klassischen Deathcores sind selbst die hartgesottenen Münchner:innen machtlos.

WHITECHAPEL Setlist – ca. 45 Min.
1. Prisoner 6662. Hymns In Dissonance3. A Visceral Retch4. Bedlam5. Hate Cult Ritual6. The Somatic Defilement7. Devirgination Studies8. Prostatic Fluid Asphyxiation9. This Is Exile

Fotogalerie: WHITECHAPEL

LORNA SHORE

Für die meisten Deathcore-Fans hätte der Abend nun zu Ende sein können und sie wären zufrieden nach Hause spaziert. Dabei steht der Headliner eigentlich noch aus. Mit ihren markanten Anleihen aus dem Melodic Death Metal sowie epischen Symphonic-Arrangements haben LORNA SHORE das Genre auch über seine Grenzen hinaus salonfähig gemacht. Das Resultat beobachten wir heute Abend: Knapp 5.900 Besucher:innen sind für eine Extrem-Metal-Band eine absolute Hausnummer.

Dementsprechend groß fahren die US-Amerikaner auch mit ihrer Produktion, um eben dem Arena-Status gerecht zu werden. Wie LORNA SHORE ihre Kompositionen letztendlich auf die Bühne bringen, bleibt anfangs jedoch ein Geheimnis: Den großen weißen Vorhang ziert bedeutungsschwanger das Band-Symbol, versperrt zugleich allerdings den Blick auf die Bühnenaufbaut.

LORNA SHORE setzen auf visuellen Pomp ohne Effekthascherei

Klotzen statt kleckern heißt es sodann, als das Leintuch zu den ersten Klängen von „Oblivion“ fällt und die Sicht auf ein zweistöckiges Set offenbart, das Drummer Austin Archey auf der oberen Etage in Szene zu setzen weiß. Wobei es zunächst doch die zahlreiches LED-Screens sind, die unsere Aufmerksamkeit auf sich ziehen. Zwischen Pyro-Fontänen und geschickt platzierten Explosionen während der plakativen Breakdowns wandeln LORNA SHORE visuell nahe an der Reizüberflutung.

Dennoch übertreibt es das Quintett nicht mit plumper Effekthascherei: Feuer gibt es im Laufe der Show eher in dosierter Menge, wobei die Flammenwerfer zwischendurch sogar von der Decke nach unten zünden. Dass sich der Fokus ansonsten auf die schicke Lightshow samt Videoprojektionen konzentriert, ist Segen wie Fluch zugleich. Band und Songmaterial werden auf diese Weise nie zum Beiwerk einer aufgeblasenen Kirmes-Metal-Produktion und doch versäumt es gerade die visuelle Seite, Akzente zu setzen.

Will Ramos punktet mit beispielloser Bühnenpräsenz

Dass sich die Visuals auf willkürliche geometrische Formen und größtenteils KI-generierte Naturaufnahmen beschränken, entspricht zwar dem Genre-Standard, raubt der Produktion aber etwas Charakter. Mit den kunstvoll gestalteten und penibel auf die Musik zugeschnittenen Videoaufnahmen, wie sie Josh Graham seinerzeit für NEUROSIS oder A STORM OF LIGHT anfertigte, hat das nichts mehr zu tun.

Immerhin: Allzu sehr ins Gewicht fällt dieser Umstand nicht, denn LORNA SHORE punkten heute mit beispielloser Bühnenpräsenz, die sich natürlich zumeist auf Will Ramos konzentriert. Der Frontmann verliert zwischen den Stücken nicht allzu viele Worte, weiß jedoch genau, wie er die Fans zu Höchstleistungen animieren kann. Seine Geheimwaffe ist hierbei natürlich die eigene Stimme, die Dank des überraschend guten Audiomixes in allen Feinheiten zu vernehmen ist.

Die Wall of Death bei „Sun//Eeater“ fällt erwartungsgemäß massiv aus

Gibt der Shouter das Szepter aus der Hand, dann meist zu seiner Linken, wo Gitarrist Adam De Micco eines seiner zahlreichen Soli zum Besten gibt. Die Deathcore-Maschine läuft also wie geschmiert und holt auch uns bereits mit dem ersten Song zurück in den Band-Kosmos: Der Achtminüter „Oblivion“ mag für verhältnismäßig konservativ sein und findet live doch problemlos zu neuer Größe. Dass es nach der eingängigen Hymne „Unbreakable“ sogar die Death-Walze „War Machine“ ins Set geschafft hat, freut uns derweil besonders, schließlich brechen LORNA SHORE hier bewusst mit ihrer Komfortzone.

Ansonsten beweist das Gespann weniger Mut bei der Songauswahl: Im Mittelpunkt stehen die beiden neuesten Studioalben, während die Prä-Ramos-Ära bedauerlicherweise gänzlich unbeachtet bleibt. Einfluss auf die knisternde Atmosphäre hat das indes nicht: Die Wall of Death bei „Sun//Eater“ fällt erwartungsgemäß massiv aus, während sich ein nicht enden wollender Strom an Crowdsurfern ab „Cursed To Die“ den Weg nach vorne bahnt.

LORNA SHORE sparen sich ihren größte Hit für die Zugabe auf

Kurzum, was LORNA SHORE in München demonstrieren, ist mehr als nur eine Empfehlung für die künftigen Headline-Slots großer Metal-Open-Airs. Denn was zwischen den großen Hits und opulenten Showeffekten oftmals untergeht, ist die emotionale Komponente, die spätestens in der „Pain Remains“-Trilogie für so manche Gänsehaut sorgt. Die präzise gespielten Melodien, der Schmerz in Ramos‘ Vocals, all das ergießt sich im Verlauf dieser knapp 20 Minuten über die bayerische Landeshauptstadt. Im Schein hunderter Smartphone-Lichter verabschieden sich die fünf Musiker schließlich unter tosendem Applaus – für einige Augenblicke jedenfalls.

Denn was natürlich nicht fehlen darf, ist der virale Bandhit, für den LORNA SHORE nochmals die Temperatur im Zenith um ein paar Grad ansteigen lassen. Das Flammeninferno „To The Hellfire“ bringt auf den Punkt, was eigentlich den ganzen Abend über schon Geltung fand: Wer Deathcore liebt, findet heute keinen besseren Ort, um seine Leidenschaft auszuleben. Das gilt vor wie auf der Bühne, wo nach dem hochkarätigen Vorprogramm schnell klar wurde, warum der Headliner den Blick demnächst auf die ganz großen Arenen richten dürfte. Den Fuß vom Gas nehmen wird man im Hause LORNA SHORE nämlich sicherlich nicht, wie wir soeben erfahren durften.

LORNA SHORE Setlist – ca. 80 Min.
1. Oblivion2. Unbreakable3. War Machine4. Sun//Eater5. Cursed To Die6. In Darkness7. Glenwood8. Prison Of Flesh9. Pain Remains I: Dancing Like Flames10. Pain Remains II: After All I’ve Done, I’ll Disappear11. Pain Remains III: In A Sea Of Fire———————–12. To The Hellfire

Fotogalerie: LORNA SHORE

Fotos: Tatjana Braun (https://www.instagram.com/tbraun_photography/)

Source: Vampster

TUNGSTEN haben eine neue Single herausgebracht: „Bite My Tongue“ ist als Video bei YouTube zu sehen.

Mit dem Track leitet die Power Metal-Band das nächste Kapitel ihrer Geschichte ein – ein neues Studioalbum soll via Perception erscheinen.

TUNGSTEN Line-up 2026
Mike Andersson – Lead Vocals
Karl Johansson – Bass, Keyboards, Vocals
Nick Johansson – Guitar
Anders Johansson – Drums

Source: Vampster

JOHN MACKO MUSIC hat nach „Utopia“ und „Worthless“ mit „Beauty Of It“ ein weiteres Lyric-Video des aktuellen Albums „Zero-Point Machine“ veröffentlicht. Es ist das erste Album des Modern Metal-Projekts von John Macko (FIFTH ANGEL).

„Zero-Point Machine“ wurde von Jacob Hansen produziert und ist am 2. November 2025 via Outcast Angel Music erschienen.

JOHN MACKO MUSIC Line-Up:
Georgie Chapple – Vocals and Lyrics
Adrian Thessenvitz – Guitars, Synths and Sound FX
John Macko – Bass
Ken Mary – Drums

JOHN MACKO MUSIC „Zero-Point Machine“ Tracklist
01 No Way Home
02 Worthless (Video bei YouTube)
03 Madness
04 Utopia (Lyric-Video bei YouTube)
05 Beauty of it (Lyric-Video bei YouTube)
06 Violence
07 Singularity
08 Anastasia

Source: Vampster

Die Melodic / Power Metal-Band ELA meldet sich mit einem neuen Song zurück: „SOS“ ist ein Cover der schwedischen Pop-Ikonen ABBA und in Bild und Ton via YouTube abrufbar.

Warum sich ELA für eine Neuinterpretation des Tracks entschieden haben, verrät die Gruppe in einem Statement:

„Unsere Sängerin ist seit ihrer Kindheit bekennender ABBA-Fan und für sie wird ein Traum wahr, ihre ganz eigene Version dieses großartigen Musikstücks umzusetzen. ABBA haben Musikgeschichte geschrieben, daher war es für uns eine Freude und Ehre, an diesem Meisterwerk mitzuarbeiten. ABBA sind seit Urzeiten sehr beliebt und wir glauben, dass dies nie enden wird. Wir hoffen, Euch gefällt unsere Version. Viel Spaß!”

ELA Line-up 2026
Michaela Eichhorn – Gesang
Martin Hämmerle – Schlagzeug & Keyboards
Simon Ostini – Gitarre
Martin Albrecht – Bass

Source: Vampster

SABATON haben ihren Konzertfilm „The Tour To End All Tours“ nun auch auf einigen Streaming-Plattformen veröffentlicht: Der Mitschnitt ist ab sofort via YouTube, Prime Video sowie AppleTV zum Kauf oder zur Leihe verfügbar.

Aufgezeichnet wurde „The Tour To End All Tours“ im Jahr 2023 im Ziggo Dome Amsterdam. Ein Teaser-Trailer gewährt einige Eindrücke des Films:

Unseren Live-Bericht der Tournee aus München könnt ihr hier nachlesen:

SABATON, BABYMETAL, LORDI: Konzertbericht – Olympiahalle, München – 15.05.2023

Fotogalerie: SABATON – Olympiahalle, München – 15.05.2023

Source: Vampster

Das Spiel aus Licht und Schatten ist ein altbekanntes Stilmittel, dem sich GLARE OF THE SUN bereits auf „Theia“ (2019) in überlegter Weise bedienten. „TAL“ setzt diese Tradition fort, ohne auf der Stelle zu treten. Grundsätzlich sind die neun Stücke im Doom-Death angelegt, die sich irgendwo in der Schnittmenge von NAILED TO OBSCURITY und DÉCEMBRE NOIR mit einem gelegentlichen Hauch von Post Metal bewegen.

Wenn in „Rain“ verletzlicher Klargesang eingestreut wird, zeigt der Stilmix doomigere Tendenzen, verweilt jedoch nie zu lange an nur einem Ort. Den in der Vergangenheit auf ähnliche Weise bewältigten Ansatz führen GLARE OF THE SUN auf ihrem Drittwerk jedoch eleganter aus. Flächige Synthesizer schenken dem erwähnten „Rain“ Volumen, während auf Albumebene die Stücke schlüssig zueinanderfinden.

„TAL“ verliert in der zweiten Hälfte keineswegs an Reiz
Schleppend, doch nie zähfließend bahnt sich „Äon“ seinen Weg nach vorne, während Gerald Hubers Singstimme einen Hauch Leichtigkeit mit sich bringt. Akzente setzt darüber hinaus Gastsänger J.J.s (HARAKIRI FOR THE SKY) markantes Organ in „Leaving Towards Spring”, wo die Clean-Arrangements zu Beginn eine unerwartete Zerbrechlichkeit offenbaren.

In Erinnerung bleibt darüber hinaus das mächtige „Stonefall“, das nach einem atmosphärischen Intro inklusive unheilschwangerer Glockenschläge ein unrühmliches Ende heraufbeschwört. Unerschütterlich bahnt sich das Stück einen Weg nach vorne, während das Zusammenspiel der Gitarren gar etwas Schönheit im Fatalismus aufdecken kann. Dass sich „Amnesty“ zunächst mit symphonischer Untermalung, dann mittels warmer Gitarrenriffs ungleich dramatischer gibt, ist ein kluger Schachzug, welcher „TAL“ selbst in der zweiten Hälfte spannend hält.

GLARE OF THE SUN zelebrieren ein Auf und Ab der Kontraste
GLARE OF THE SUN zeigen damit auf, dass es selbst in der Doom-Death-Nische keineswegs an Vielfalt mangelt, solange man den Arrangements die benötigte Aufmerksamkeit schenkt – als Band wie auch als Hörer:in gleichermaßen. Dann offenbart sich im Falle von „TAL“ ein dynamisches Auf und Ab der Kontraste, das konzeptuell mit Licht und Schatten spielt, es sich qualitativ aber eindeutig auf der Sonnenseite gemütlich macht.

Veröffentlichungstermin: 13.09.2024

Spielzeit: 58:58

Line-Up
Christoph Stopper – Vocals, Keyboards
Martin Baumann – Gitarre
Gerald Huber – Gitarre, Vocals
Tobias Schwab – Bass
Franz Ebert – Schlagzeug

Produziert von Martin Shirenc, Christoph Stopper und Jan Oberg (Mix und Mastering)

Label: Lifeforce Records

Homepage: https://glareofthesun.com/
Facebook: https://www.facebook.com/glareofthesun/
Instagram: hhttps://www.instagram.com/glareofthesun_official
Bandcamp: https://gotslfr.bandcamp.com/

GLARE OF THE SUN “TAL” Tracklist
01. Colossus (Video bei YouTube)
02. Rain
03. Äon (Video bei YouTube)
04. Relikt (guest vocals by Mario Klausner)
05. Stonefall
06. Leaving Towards Spring (guest vocals by J.J.)
07. Amnesty
08. Storm of Light (CD/ Digital only)
09. Horizon (CD/ Digital only)

Source: Vampster

Wolfskin is a Portuguese project led by Johan Aernus and A. Coelho. After releasing several...

Source: Side Line

Orkus! supports the campaign “Tierheime helfen. Help animal shelters!” campaign of the German Animal Welfare Association. Give animals from animal shelters a chance! After careful consideration, are you looking for an animal companion for life? Why not pop into your local animal shelter and give an animal soul a second chance? Animal shelters and animal […]

Source: Orkus

Die Progressive Metal-Band GREEN CARNATION hat mit „A Dark Poem, Part II: Sanguis“ den zweiten Teil ihrer „A Dark Poem“-Album-Trilogie angekündigt. Die Idee für eine Album-Trilogie, die nach Shakespeares tragischer Ophelia geschrieben wurde, geht auf ihre frühesten Überlegungen zu Leben und Tod zurück.

„Der zweite Teil von „A Dark Poem“ enthält einige der persönlichsten Texte, die ich je geschrieben habe“, sagt Stein Roger Sordal, Bassist und Haupttexter der Band. „Die Texte sind so persönlich, dass ich lange mit mir gerungen habe, ob ich sie abschwächen sollte oder nicht. Letztendlich habe ich mich dafür entschieden, sie so ehrlich wie möglich zu lassen.“

„A Dark Poem, Part II: Sanguis“, das am 3. April 2026 via Season of Mist erscheinen wird, wurde von Keyboarder Endre Kirkesola und Gitarrist Bjørn Harstad aufgenommen und gemixt und von Lawrence Mackrory gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Niklas Sundin. Vorab gibt es den eröffnenden Titeltrack zu hören.

„Dieser Song zeichnet ein ziemlich düsteres Bild meiner Kindheit“, sagt Sordal. „Ich habe zwar auch schöne Erinnerungen an diese Zeit, aber manche Teile waren sehr dunkel. Ich hatte einige schwierige Probleme mit meinem Vater, aber heute weiß ich, dass er es noch schwerer hatte. Als ich jünger war, habe ich darüber nicht nachgedacht, aber mit zunehmendem Alter habe ich gelernt, dass es meist mehr hinter einer Geschichte steckt.“

GREEN CARNATION Line-Up:
Kjetil Nordhus — Vocals
Stein Roger Sordal — Bass
Tchort — Guitars
Bjørn Harstad — Guitars
Trond Breen — Guitars
Endre Kirkesola — Keyboards

GREEN CARNATION „A Dark Poem, Part II: Sanguis“ Tracklist
1. Sanguis (9:05) (Video bei YouTube)
2. Loneliness Untold, Loneliness Unfold (4:04)
3. Sweet to the Point of Bitter (5:58)
4. I Am Time (5:39)
5. Fire in Ice (7:03)
6. Lunar Tale (5:25)

Source: Vampster

Am 30. Januar 2026 veröffentlichten URNE ihr neues Album „Setting Fire To The Sky“ via Spinefarm. Mit „Breathe“ – mit Cellistin JO QUAIL als Gast – gibt es nun ein weiteres Video.

Davor hat die Band nach „Harken The Waves“ mit „The Spirit, Alive“ ein weiteres Video vom Album veröffentlicht.

„Dieser Song handelt von Hoffnung, vom menschlichen Geist und von einem Feuer, das niemals erlischt“, erklärt die Band.

Davor stellte die Sludge-Band die Single „Be Not Dismayed“ mit einem Video vor:

„Setting Fire To The Sky“ wurde von Justin Hill produziert, der Mix kommt von Johann Meyer, das Mastering von Tony Lindstrom.

URNE Setting Fire To The Sky Tracklist& Cover
1. Be Not Dismayed (Video bei YouTube)
2. Weeping To The World
3. The Spirit, Alive (Video bei YouTube)
4. Setting Fire To The Sky
5. The Ancient Horizon
6. Towards The Harmony Hall
7. Harken The Waves (feat. Troy Sanders) (Visualizer bei YouTube)
8. Breathe (Feat. Jo Quail) (Video bei YouTube)
9. Nocturnal Forms (CD and Digital ONLY bonus track)

2026 URNE HEADLINE TOUR DATES
17.02.2026 – (DE) Berlin, Cassiopeia
19.02.2026 – (DE) Wiesbaden, Kesselhaus
20.02.2026 – (NL) Eidenhoven, Cafe The Jack
21.02.2026 – (FR) Paris, La Maroquinerie
22.02.2026 – (FR) Lyon, Transbordeur Club

URNE Line-up: 
Joe Nally – Vocals/Bass
Angus Neyra – Lead Guitar
James Cook – Drums

Source: Vampster

Die Black Metal-Band YHWH hat nach „Hell on Earth (The Root of All Evil)“ mit „Murderer of Illusions“ ein weiteres Lyirc-Video ihrer neuen EP „Khatha“ veröffentlicht. Es ist nach „Tetragrammaton“ die zweite EP des internationalen Projekts aus Thailand und Belgien. Release-Termin war der 12. Dezember 2025 via Wormholedeath.

YHWH Line-Up:
C. Bones – All instruments, Screams
Schem HaMephorash – Bass
S. M. Goatritual – Guitars

YHWH „Khatha“ Tracklist
01 – Hell on Earth (The Root of All Evil) (Lyric-Video bei YouTube)
02 – Murderer of Illusions (Lyric-Video bei YouTube)
03 – Deathrash
04 – Night Terror
05 – Krasue

Source: Vampster

Die Speed Metal-Band BLOODSAW hat mit „Die By My Gun“ eine neue Single veröffentlicht. Der Song thematisiert die menschlichen Kosten des Krieges und wurde von Jamie Ogden gemixt und gemastert. Zuvor haben die Engländer aus Manchester eine EP („Bloodsaw“ – 2024) veröffentlicht.

BLOODSAW Line-Up:
Ryan Gabrielides – Vocals and Bass
Karim Treifi – Drums
Jensen Blackburn – Rhythm Guitar
Matthew Wright – Lead Guitar (studio)
Sean Lepki – Lead Guitar (live)

BLOODSAW „Die By My Gun“ (Audio bei YouTube)

Source: Vampster

Die finnische Melodic Death / Drama Metal-Band GOTHONY hat mit „Misery Ending“ eine neue Single mitsamt Video-Clip veröffentlicht. Der Song folgt auf das 2024er-Debütalbum „Gothony“ und wurde von Juho Räihä produziert.

GOTHONY Line-Up:
Vocals – Wuohi
Guitar – Mika Uusitalo
Guitar – Miika Peräkangas
Bass – Väiski Syväoja
Drums – M.Toivonen

GOTHONY „Misery Ending“ (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Heavy Metal-Band SERPENT GATES hat nach „Metamorphosis“ und „Down The Cross“ nun auch den Titeltrack ihres kommenden Albums „The Veil of Darkness“ veröffentlicht. Es ist der erste Release der Finnen rund um Bandgründer und Komponist Juho Hakalax.

„The Veil of Darkness“ wurde von Session-Sänger Antony Parviainen (RASKASTA JOULUA, PSYCHEWORK, Ex-MACHINE MEN) eingesungen und wird am 20. Februar 2026 erscheinen.

SERPENT GATES Line-Up:
Antony Parviainen – Vocals (session member)
Juho Hakalax – Drums
Tuomas Västilä – Guitar
Sami Tapola – Bass

SERPENT GATES „The Veil Of Darkness“ Tracklist
1. Metamorphosis (Audio bei Bandcamp)
2. The Beast With Seven Heads
3. The Veil Of Darkness (Audio bei Bandcamp)
4. Night Creeper
5. Down The Cross (Audio bei YouTube)
6. Sanctimonious
7. Nephilim
8. Black Clouds Rising
9. The Goblet Of Tears
10. The Czar Will Fall

Source: Vampster

Die Black / Death Metal-Band CENOTAFIO hat mit „La Escisión Acausal: Por La Vía Inversa Hacia La Descarnación“ ein neues Album angekündigt. Es ist nach „La fatídica excrecencia de la subtierra“ (2017) und „Larvae Tedeum Teratos“ (2019) das dritte Album der Chilenen und wird am 1. April 2026 via Demoniac Productions erscheinen. Vorab gibt es den Track „Osario“ zu hören.

CENOTAFIO Line-Up:
Daniel Hermosilla – Bass, Guitars, Vocals
Patricio Kusnir – Drums, Vocals

CENOTAFIO „La Escisión Acausal: Por La Vía Inversa Hacia La Descarnación“ Tracklist
1. Atrabilis Taenia Solivm (8:47)
2. Osario (5:11) (Audio bei YouTube)
3. Nigredo Transfixión (7:30)
4. Acausal Escisión (5:58)
5. Viperidarium (5:13)
6. Orbis Coagula (10:17)

Source: Vampster

Die Blackened Death Metal-Band KARELIAN WARCRY hat mit „Horisontit“ einen zweiten Track ihres kommenden Albums „Veripellot“ veröffentlicht. Es ist nach „Kylmä rautainen“ (2005) und „Verinen taival, päättymätön tie“ (2010) das dritte Album der Finnen, die sich nach dem Tod vom damaligen Frontmann Matti Mikkonen für eine Weile vom Musikgeschäft zurückzogen.

„Veripellot“ wird am 6. März 2026 via Inverse Records erscheinen. Vorab gibt es mit „Mielen rutto“ auch eine erste Vorab-Single.

KARELIAN WARCRY Line-Up:
A. O. Heiskanen – Drums
J. H. Järvinen – Vocals
J. T. Kousa – Guitars
S. P. Ukkonen – Bass

KARELIAN WARCRY „Mielen rutto“ (Video bei YouTube)

KARELIAN WARCRY „Horisontit“ (Audio als Stream)

Source: Vampster

Die Progressive Death Metal / Deathcore-Band GRAVEBORN hat mit „Metempsychosis“ ein neues Album angekündigt. Es ist das fünfte Album der US-Amerikaner aus Boston und wird am 3. April 2026 erscheinen. Vorab gibt es mit „Orthologs“ ein Lyric-Video. Sänger John Leblanc beschreibt den Track als Schlusswort des Albums – eine Reflexion über das Bewusstsein als Kontinuität und die Natur der Selbstentwicklung.

GRAVEBORN Line-Up:
Reggie Lewis – Bass
Jesse Blanchette – Guitars
Chris Ramusiewicz – Guitars
John LeBlanc – Vocals
Marc Brennan – Drums

GRAVEBORN „Metempsychosis“ Tracklist
1) Embers of Existence
2) The Archaea Paradox
3) Temporal Sands
4) Idols of Bone
5) Paralogs
6) Metempsychosis
7) River of the Eternal Mind
8) Epistatic Drift
9) Legacy of Light
10) The Maw of Recursion
11) Orthologs (Lyric-Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Heavy Metal-Band AGGRESSIVE PERFECTOR hat nach dem Opener „Dead Undead“ mit „Fiend in You“ einen zweiten Track ihres kommenden Albums „Come Creeping Fiends“ veröffentlicht. Es ist nach „Havoc at the Midnight Hour“ (2019) das zweite Album der Engländer aus Manchester und wird am 27. März 2026 via Dying Victims Productions erscheinen.

„Come Creeping Fiends“ wurde von Joe Clayton (PIJN) aufgenommen und gemixt und von Joel Grind (TOXIC HOLOCAUST) gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Brian Emrich.

AGGRESSIVE PERFECTOR Line-Up
Mikhail Wargoat – Bass
Intimidator – Drums
General Holocausto – Vocals, Guitars

AGGRESSIVE PERFECTOR „Come Creeping Fiends“ Tracklist
1. Dead Undead (Audio bei YouTube)
2. Strange Companion
3. Fiend in You (Audio bei YouTube)
4. Like a Beast
5. Obscene Cult
6. Denied by the Reaper
7. Harlot’s Spell
8. Return of the Axe
9. Gallows Eve

Source: Vampster

LA-based duo Hallows, aka Vanee Dusoruth and Dom Rolando, came up far from the easy mythologies of cool: Mauritius to Fargo is not a romance arc, it’s a weather event – and you can hear that displacement baked into the bones of Wear You Out. This is music made by outsiders who figured out how to make a room move, and who learned that feeling too much can still be a physical act.

And Wear You Out runs on a bassline that knows exactly where your hips live, then tightens the vice. The rhythm keeps pushing, a clean-lined insistence that feels almost cheerful until the lyrics lean in and whisper something uncomfortable in your ear. This is love as attrition. Touch as erosion. The hook doesn’t beg; it presses, again and again, until you understand how desire can feel like a closed room with no windows and excellent lighting. You dance because standing still would be worse.

The song is about that push and pull between desire and self-erasure, when you crave closeness while resisting surrender. Love feels coercive, addictive, and exhausting, fueled by doubt and control. Longing becomes a test of power, intimacy turning into mutual depletion, with need eclipsing selfhood entirely.

A familiar club rhythm pulses throughout the track, exuding sultry Italo warmth blended with sleek modern electronics and a buoyant glow. Yet, the song’s most striking feature is its measured sleekness. Emotions are tightly packed, under pressure, with vocals capturing that sweet-bitter desire for a hot energy vampire who drains you dry. It leans in, unflinching, allowing the tension to simmer.

Directed by Vivian Villa-Caratachea, the video for Wear You Out leans fully into performance, putting the band front and center and letting their chemistry do the talking. It crackles with livewire energy: loose, flirtatious, and slightly unhinged, capturing the thrill of watching a band fully locked in and feeding off its own momentum.

Watch the video below:

Hallows have been orbiting this terrain since the beginning: DIY resolve, underground patience, a slow ascent built on EPs, albums, and long stretches of road. With no formal musical training or industry safety net, Dom and Vanee started with little more than determination, shaping songs that mirrored their own lives: longing, resilience, and the quiet resolve of making your own way. From those early moments of hope and uncertainty, Hallows grew into something durable: proof that persistence can carry its own meaning and beauty.

Wear You Out cuts especially deep. It moves quickly, strikes cleanly, and knows when to let the beat take over the body and when to let the words leave a mark. Intimacy here isn’t gentle—it bruises, then pulls you back onto the floor.

Co-written with producer Matia Simovich (INHALT / Infinite Power Studios), the track threads his melodic highlines through Hallows’ colder core, creating something both close and widescreen. It offers a clear glimpse into Dream, an album that dwells where love, obsession, and hope press against one another.

​“The song is about a love that feels bigger than you,” says Vanee Dusoruth. “It is intoxicating and magnetic, but it also hurts. You cannot step away, but you know it is going to leave a mark.”

Listen to Wear You Out below and pre-order Dream here, out 5 June on Artoffact Records.

Dream by HALLOWS

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Source: Post-Punk.com

Hallows, aka Vanee Dusoruth and Dom Rolando, came up far from the easy mythologies of cool: Mauritius to Fargo is not a romance arc, it’s a weather event – and you can hear that displacement baked into the bones of Wear You Out. This is music made by outsiders who figured out how to make a room move, and who learned that feeling too much can still be a physical act.

And Wear You Out runs on a bassline that knows exactly where your hips live, then tightens the vice. The rhythm keeps pushing, a clean-lined insistence that feels almost cheerful until the lyrics lean in and whisper something uncomfortable in your ear. This is love as attrition. Touch as erosion. The hook doesn’t beg; it presses, again and again, until you understand how desire can feel like a closed room with no windows and excellent lighting. You dance because standing still would be worse.

The song is about that push and pull between desire and self-erasure, when you crave closeness while resisting surrender. Love feels coercive, addictive, and exhausting, fueled by doubt and control. Longing becomes a test of power, intimacy turning into mutual depletion, with need eclipsing selfhood entirely.

A familiar club rhythm pulses throughout the track, exuding sultry Italo warmth blended with sleek modern electronics and a buoyant glow. Yet, the song’s most striking feature is its measured sleekness. Emotions are tightly packed, under pressure, with vocals capturing that sweet-bitter desire for a hot energy vampire who drains you dry. It leans in, unflinching, allowing the tension to simmer.

Directed by Vivian Villa-Caratachea, the video for Wear You Out leans fully into performance, putting the band front and center and letting their chemistry do the talking. It crackles with livewire energy: loose, flirtatious, and slightly unhinged, capturing the thrill of watching a band fully locked in and feeding off its own momentum.

Watch the video below:

Hallows have been orbiting this terrain since the beginning: DIY resolve, underground patience, a slow ascent built on EPs, albums, and long stretches of road. With no formal musical training or industry safety net, Dom and Vanee started with little more than determination, shaping songs that mirrored their own lives: longing, resilience, and the quiet resolve of making your own way. From those early moments of hope and uncertainty, Hallows grew into something durable: proof that persistence can carry its own meaning and beauty.

Wear You Out cuts especially deep. It moves quickly, strikes cleanly, and knows when to let the beat take over the body and when to let the words leave a mark. Intimacy here isn’t gentle—it bruises, then pulls you back onto the floor.

Co-written with producer Matia Simovich (INHALT / Infinite Power Studios), the track threads his melodic highlines through Hallows’ colder core, creating something both close and widescreen. It offers a clear glimpse into Dream, an album that dwells where love, obsession, and hope press against one another.

​“The song is about a love that feels bigger than you,” says Vanee Dusoruth. “It is intoxicating and magnetic, but it also hurts. You cannot step away, but you know it is going to leave a mark.”

Listen to Wear You Out below and pre-order Dream here, out 5 June on Artoffact Records.

Dream by HALLOWS

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Unease doesn’t always announce itself. Sometimes it accumulates through cycles—habits of thought, repeated gestures, sounds that return without resolution. That sense of slow internal pressure sits at the core of Monopolar by Strange Fruit, the Jakarta-based group known for blending subdued electronic rhythms with softened shoegaze contours. After a long period of quiet, the band re-emerges with new material slated for 2026. Rather than signaling rupture or reinvention, the track feels deliberately continuous: restrained, inward-facing, and attentive to atmosphere over declaration.

Monopolar, the new single from their forthcoming album Drips, unfolds through circular motion rather than forward thrust. The track advances at a measured pace, anchored by a low-end pulse that presses on without resolving, while textures repeat and subtly recalibrate. Nothing here rushes toward climax; instead, the song sustains itself through duration, allowing small shifts in tone and weight to register as meaning.

Baldi Calvianca’s vocal enters in fragments—elongated syllables, wavering phrases, breaths held just long enough to register tension. The voice remains suspended between states, neither fully grounded nor fully drifting. Synthesist Irza Aryadiaz has described the track as occupying a film-score-like dimension, and that sensibility carries through the arrangement: pressure builds through repetition, mirroring a mental space shaped by looping thought rather than release. Listeners familiar with artists such as The Horrors, Jagwar Ma, TVAM, Ulrich Schnauss, Primal Scream, or Pale Blue may recognize shared coordinates in tone and pacing. Monopolar, however, stays firmly within its own internal logic—defined by containment, motion, and quiet insistence.

“This is essentially a restless, unsettled song—an odd and slightly absurd mood,” says Calvianca. “Monopolar represents a bottled-up unease, the kind of activity that happens when you’re in dialogue with yourself. It’s about holding onto dreams and hope in the middle of a world that’s growing darker.” The unease he describes is not theatrical; it remains contained, cycling inward, sustained by rhythm rather than release.

The official music video, directed by Mellow Splice, extends this inward logic into visual form. Shot at PasMing Experience, the crew treated the camera like a musical instrument. Drawing on the hypnotic blues of the Indian Ocean and layers of optical distortion, the video blurs reality and imagination, capturing Strange Fruit as a rock-and-roll band performing somewhere between the physical world and the interior spaces of their own minds. Image and motion follow the same principles as the track itself, favoring repetition, texture, and perceptual drift over narrative clarity.

Listen to Monopolar below, out now via Gentle Tuesday Recordings.

Strange Fruit’s forthcoming new album Drips will be released on March 26, 2026. Pre-order here.

Drips by Strange Fruit

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Die Heavy Metal-Band AGGRESSIVE PERFECTOR hat nach dem Opener „Dead Undead“ mit „Fiend in You“ einen zweiten Track ihres kommenden Albums „Come Creeping Fiends“ veröffentlicht. Es ist nach „Havoc at the Midnight Hour“ (2019) das zweite Album der Engländer aus Manchester und wird am 27. März 2026 via Dying Victims Productions erscheinen.

„Come Creeping Fiends“ wurde von Joe Clayton (PIJN) aufgenommen und gemixt und von Joel Grind (TOXIC HOLOCAUST) gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Brian Emrich.

AGGRESSIVE PERFECTOR Line-Up
Mikhail Wargoat – Bass
Intimidator – Drums
General Holocausto – Vocals, Guitars

AGGRESSIVE PERFECTOR „Come Creeping Fiends“ Tracklist
1. Dead Undead (Audio bei YouTube)
2. Strange Companion
3. Fiend in You (Audio bei YouTube)
4. Like a Beast
5. Obscene Cult
6. Denied by the Reaper
7. Harlot’s Spell
8. Return of the Axe
9. Gallows Eve

Source: Vampster

Dreamed that I fell to earth, and I asked you if I died.

You told me this is no heaven here, and I wondered if you lied.

There is a listless feeling that can sometimes be more overwhelming than an emotional breakdown. It signifies a point when activity stops, days seem to blend together, and thoughts turn inward until the body follows. This stasis, where sensations fade instead of intensifying, is central to Madeline Goldstein’s new single, Dream 2 Die (No Heaven). The song portrays numbness with a sense of calm, using restraint to highlight its mood.

“Dream 2 Die (No Heaven) is a sonic hallucination brought upon by isolation and intrusive thoughts,” admits Goldstein. “…I wrote it as a reflection upon when every day felt like the same recurring dream. When the air of LA was filled with grey, when we were all consumed by the feeling of hopelessness collectively, and we lived inside our heads. It was about feeling the moment of death as the moment when you become numb, when you stop moving towards something, and wondering, is this all there is?”

That sense of arrested momentum defines the song’s strength. Emotion is compressed, disciplined into motion, allowing vulnerability to travel quietly beneath the surface. The result feels precise rather than indulgent—control as a survival instinct. Melody and rhythm hold their line, even as the lyric circles the fear of emotional shutdown. There’s elegance in that balance, a studied calm that mirrors the very condition Goldstein describes.

Dream 2 Die (No Heaven) documents suspension: the moment when forward motion stalls and awareness sharpens into something almost unbearable. In that stillness, Goldstein finds a form of clarity: The arrangement leans into classic synthpop geometry: clean lines, deliberate turns, and a theatrical polish that nods toward Berlin-era drama and the poised pop intelligence of Eurythmics, ’Til Tuesday, and Goldfrapp. Yet the tension feels current, shaped by an era where interior lives expand while physical worlds contract. The song understands that self-reflection can sharpen into self-erosion, especially when isolation becomes routine rather than rupture.

Written nearly six years ago, Dream 2 Die (No Heaven) gains clarity through time rather than distance. In revisiting it for the full-length, its purpose sharpened as excess fell away. What remains is focus, an idea refined rather than reimagined. Much of that discipline comes from the production partnership. Matia Simovich’s drum programming, Synclavier work, sampling, and synthesizers keep the track taut, while Grover Greenberg’s vocal editing, additional Synclavier programming, and varispeed tape transfer lend the performance a fragile authority.

Listen to Dream 2 Die (No Heaven) below and order Speaking To The Body, arriving in early 2026 via Artoffact Records, here.

Speaking to the Body by Madeline Goldstein

“The feeling of a record, and what it means, isn’t always clear until it is out of your hands,” says Goldstein on Speaking To The Body, “the pieces of what I was trying to tell myself through this album are only now becoming clear, but overall there is a feeling of duality.” 

“This record is a culmination of all of the work I’ve done in this solo project leading up to this moment,”  Goldstein adds. “I wanted to present something that felt like both an extension and an elaboration upon the Other World EP. This time, I’ve pulled the lens back, and I examine the themes presented before from a myriad of different angles: above, below, and from a distance, as to observe myself objectively.”

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Source: Post-Punk.com

Sometimes oceans ain’t that deep
Lay down, close your eyes with me
A million different voices pass me by
The sorrow you leave me when you’re not here 

The damage left by addiction doesn’t arrive all at once. It settles slowly—into rooms, into bodies, into patterns that repeat until they feel inescapable. The video for “When It Rains” by The Spoiled understands this with painful clarity. It unfolds as a sequence of shared moments no one involved can outrun—nights blurred by substances, intimacy eroded by neglect, and the quiet terror of realizing someone beside you may not wake up.

Directed with an unflinching eye, the video centers on scenes of overdose and aftermath: friends shaking motionless bodies, blood tracing down a face, cigarettes burning in trembling hands. These moments are not sensationalized. Instead, they are rendered with a heavy stillness, emphasizing helplessness rather than spectacle. The camera lingers just long enough to make the viewer feel the weight of responsibility, guilt, and love colliding in real time.

Musically, “When It Rains” is taut and melodic. A classic post-punk bassline anchors the track while chiming, guitar-driven jangle cuts through the mix like rainfall against glass. Ethereal reverb and subtle vocal phasing give Giovanni Santolla’s delivery an icy, early ’80s hue, refracted through a modern darkwave lens. The song breathes slowly, allowing melancholy to accumulate rather than explode—mirroring the emotional pacing of the video itself.

The lyrics directly address cycles of disappearance and self-destruction, capturing the pain of watching someone harm themselves again while feeling powerless to intervene. The contrast between one person’s light and another’s decline lands with painful clarity, reframing love as something unevenly shared. The recurring refrain about being haunted by ghosts that cannot be abandoned reads less as a plea for help than as an acknowledgment of permanence. Some losses are enduring.

Content Warning: This video contains traumatic imagery, including depictions of drug overdose and friends attempting to revive someone who is overdosing.

As a visual and musical statement, “When It Rains” does not offer closure. It offers recognition. It acknowledges the trauma of loving people who are slipping away, and the quiet devastation of surviving when they do not. In that sense, the song and video feel inseparable—each reinforcing the other’s refusal to look away.

Watch the video for “When It Rains” here:

The Spoiled is the Italian post-punk project led by Giovanni Santolla, blending electronic beats, distorted synths, and reverb-soaked guitars into a sound rooted in romance, memory, and longing. After self-releasing the debut EP Time in 2024 (distributed by Manic Depression) and the full-length Living Ghosts via Swiss Dark Nights in 2025, the project has steadily carved out space within the contemporary post-punk scene. Collaborations with This Eternal Decay, Darkways, Corlyx, Chaos International, and Hinfort, along with extensive European touring with acts such as Traitrs, Ductape, and Darkways, have further sharpened its emotional focus.

The band’s forthcoming album, When It Rains, will be released on April 17, 2026, via Avant! Records and will be available on limited white vinyl LP (300 copies), digipak CD (200 copies), and digital formats. Listen to the title track via streaming and order the album here.

When It Rains by The Spoiled

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Source: Post-Punk.com

German artist Ruebi doesn’t rush the room; he takes his time and lets it come to him. This alone distinguishes him from the post-punk nostalgia merchants who are constantly chasing their own pasts. Years of working and touring in the music scene have shown him what endurance truly means—when it no longer seeks to impress. His solo projects distill this understanding to the core: economy, intention, and nerve. 

Ruebi’s path has already been crowded with motion. Early years behind drum kits in Germany’s new-wave circuit. A long stretch on the road with Pink Turns Blue, playing cities until they blurred into one another. Time spent in London, absorbing other angles, other tempos. When the pandemic forced a pause, it also cracked something open. He stepped away from the band and toward autonomy, choosing a slower pace and sharper focus.

Now based in Hamburg, working part-time and building toward an inclusive musicians’ collective, Ruebi sounds unconcerned with relevance metrics. That detachment works in his favour. Dazzling feels unpressured, self-possessed, alert. It carries traces of The Cure, Siouxsie, Lebanon Hanover, Nina Hagen, Fehlfarben, Ideal, Depeche Mode, Killing Joke, Laibach – but only as residue, not rehearsal.

Dazzling, his latest offering, opens without ceremony. A clean guitar figure hangs in place, deliberate, almost conversational. Synths slide in sideways, cool-toned and controlled, less spectacle than suggestion. The rhythm keeps its balance, light on its feet, never stomping for attention. Beneath it all, the bass moves with purpose; melodic, patient, doing the work of both anchor and guide.

Ruebi’s voice enters without theatricality. It’s steady, direct, and unforced. The lyrics carry a dual awareness: private thoughts shaped by a public world, without collapsing into confession or commentary. The song leaves space for listeners to project, to inhabit, to carry something of their own into the frame, while the meaning itself stays elastic. Separating the track from polite indie pop is its sense of judgment. Guitars flare briefly, then retreat. Synth lines drift past, never lingering too long. The beat holds its form with quiet confidence.

Dazzling is the kind of track that slips into your day, shifts the air slightly, and moves on…job done.

Listen below:

Listen to Dazzling below and order the single here.

Dazzling by Ruebi

Ruebi will be on tour this spring in Germany and Denmark supporing Twin Noir, NITE and Ductape.  Don’t miss it!

Tour Dates:

March 13, 2026 – Übach-Palenberg, Germany – Rockfabrik (support for Twin Noir)
April 5, 2026 – Copenhagen, Denmark – Rust (support for NITE)
April 9, 2026 – Rüsselsheim, Germany – Rind (support for Twin Noir)
April 10, 2026 – Jena, Germany – Rosenkeller (support for Twin Noir)
April 11, 2026 – Trier, Germany – Mergener Hof (support for Twin Noir)
April 16, 2026 – Hamburg, Germany – Hafenklang (support for Ductape)
April 17, 2026 – Göttingen, Germany – Exil (support for Ductape)
April 18, 2026 – Essen, Germany – Grend (support for Ductape)
April 19, 2026 – Bonn, Germany – Kult 41

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Source: Post-Punk.com

Die deutschen Alternative Metal Pioniere PYOGENESIS melden sich mit ihrer neuen Single „Uncontrolled“ zurück. PYOGENESIS arbeiten derzeit an ihrem nächsten Studioalbum, dessen Veröffentlichung für Anfang 2027 geplant ist.
Stream: https://save-it.cc/massacre/uncontrolled-aiaib

Sänger Flo V. Schwarz beschreibt „Uncontrolled“ als roh und ungefiltert. „Es fühlte sich befreiend und brutal ehrlich an, ihn zu schreiben. Der Song ist emotional aufgeladen und fängt den gewiussen Moment ein, in dem die Hormone verrückt spielen. Er beschreibt, was in jungen Menschen vor sich geht, wenn sich alles verändert, während sie versuchen, ihren Platz in der Welt zu finden.“

 

Source: Amboss-Mag.de

Nach ihrer Eisheiligen-Nacht-Tour melden sich SUBWAY TO SALLY mit einem neuen Akustik-Song und neuen Tourdaten zurück. Am 27. März startet in Berlin der dritte Teil der NACKT-Konzertreihe unter dem Banner „Nackt III – Lügen & Legenden“. Für die passende Einstimmung sorgen SUBWAY TO SALLY mit der Single „Kleid aus Rosen“ via bandcamp.

Im Januar veröffentlichte die Band eine neue Version von „Feuerkind“.

„Wir tauchen tief in unsere Geschichte ein: von der stillsten Ballade bis zur wilden Eskalation, von bittersüßer Melancholie bis zum hemmungslosen Exzess. Was ist wahr, was erfunden, welche Lügen sind längst zu Legenden geworden? In intimer Atmosphäre, nah an euch, erwartet uns ein Abend zwischen Wohnzimmer und Theaterbühne, zwischen Poesie und purer Spielfreude.
Lasst uns das Leben feiern – und vielleicht ein letztes Mal gemeinsam nackt sein.“

„Feuerkind“ erschien ursprünglich auf „Nord Nord Ost„, dem achten Studioalbum der Band.

 

SUBWAY TO SALLY Live 2026
NACKT III – Lügen & Legenden 2026
27.03.26 DE – Berlin / Passionskirche – SOLD OUT!
28.03.26 DE – Bamberg / Hegelsaal
10.04.26 DE – Hamburg / Markthalle
11.04.26 DE – Erfurt / Alte Oper
12.04.26 DE – Neuruppin / Kulturkirche
14.04.26 DE – Aschaffenburg / Stadttheater – LOW TICKETS!
15.04.26 DE – München / Backstage
16.04.26 DE – Ludwigsburg / Scala
17.04.26 DE – Kaiserslautern / Kammgarn
18.04.26 DE – Hannover / Pavillon – LOW TICKETS!
30.04.26 DE – Magdeburg / Altes Theater
01.05.26 DE – Bochum / Christuskirche – SOLD OUT!
02.05.26 DE – Gießen / Kongresshalle
03.05.26 DE – Bochum / Christuskirche – ZUSATZKONZERT!
07.05.26 DE – Köln / Tanzbrunnen
08.05.26 DE – Wilhelmshaven / Pumpwerk
09.05.26 DE – Dresden / Alter Schlachthof

Festivals 2026
12.06.26 DE – Niederburg / Sternenklang Festival (Krankhfeld)
01.07.26 DE – Ballenstedt / Rockharz
24.07.26 DE – Rödental / 6. Kultur Sommer
16.08.26 DE – Fulda / Räuber & Narren Open Air
05.09.26 DE – Halle (Saale) / Weckt Die Toten Festival
 
Post Mortem 2026
02.10.26 AT – Wien / SIMM City
03.10.26 AT – Klagenfurt / Messehalle
04.10.26 DE – Memmingen / Kaminwerk
 
Eisheilige Nacht 2026 – We Will Folk You
Subway to Sally, FIDDLER’S GREEN, MANNTRA, SAINT CITY ORCHESTRA
11.12.26 CH – Pratteln / Z7
12.12.26 DE – Stuttgart / Im Wizemann
18.12.26 DE – Oberhausen / Turbinenhalle
19.12.26 DE – Wetzlar / Buderus Arena
20.12.26 DE – Dresden / Alter Schlachthof
26.12.26 DE – Braunschweig / MEC
27.12.26 DE – Würzburg / Posthalle
28.12.26 DE – Bielefeld / Lokschuppen
29.12.26 DE – Bremen / Pier2
30.12.26 DE – Potsdam / Waschhaus Arena

Source: Vampster

MASTODON kehren im Juni 2026 für vier Konzerte nach Deutschland zurück. Geplant sind Shows in Saarbrücken, Dortmund, Hamburg sowie Berlin.

Als Support konnte man LOATHE gewinnen.

Karten im Vorverkauf sind u.a. via myticket.de verfügbar.

MASTODON, LOATHE Tourdaten 2026

16.06.2026 – Saarbrücken –Garage
17.06.2026 – Dortmund – FZW
22.06.2026 – Hamburg – Docks
25.06.2026 – Berlin – Huxleys Neue Welt

Source: Vampster

Die US-amerikanische Folk Rock-Band THE BUILDERS AND THE BUTCHERS veröffentlicht ihr neues Album „No Tomorrow“ am 17. April 2026 via The Instrument Village/Broken Silence.

Die erste Single-Auskopplung „Blood:Death“ ist vorab via soundcloud abrufbar. Live erleben kann man das Stück dann auf der Europatournee im Mai 2026 (Termine s. unten).

Zur Platte erklärt Sänger Ryan Solle:

„Seit über 20 Jahren haben wir als zusammengewürfelte Truppe live die Bühne zerlegt und Musik gemacht – und ehrlich: Wir hätten uns nie träumen lassen, was für ein irrer Scheiß in der Welt abgeht.

Die Menschen verlieren den Draht zueinander, die Umwelt wird fröhlich weiter zerstört, und die gierigen Vollidioten an der Spitze versagen auf ganzer Linie – und trotzdem finden wir den verdammten Funken Freude!

Für uns ist Musik machen und live aufzutreten der letzte Weg, die Menschlichkeit in diese kaputte Welt zurück zu bringen. Je digitaler der Mist wird, desto weniger teilen die Leute echte Räume. Aber genau da kommt Live-Rock ’n‘ Roll ins Spiel – der letzte heilige, verschwitzte, laute Ort, wo alle zusammen atmen, schwitzen, schreien und sich bewegt fühlen. Sieht man von Kirchen ab.

Gerüche, Geräusche, Blicke – alles live, alles echt, alle im selben Takt!
Die Songs auf „No Tomorrow“ haben wir genau für diesen ganzen Wahnsinn geschrieben. Die Message: Egal wie dunkel es wird: In uns, in den Leuten neben dir, liegt immer noch Hoffnung.

Wir können immer noch voller Freude und Kreativität durchs Leben ballern, auch wenn die Systeme und die sogenannten „Leader“ komplett versagen.Wir haben viel mehr, was uns verbindet, als was uns trennt – und Rock ’n‘ Roll ist einer der geilsten Wege, das zu spüren.
Live-Rock ’n‘ Roll ist Kirche für alle: die Gläubigen, die Ungläubigen, die Chaoten und die Stillen.Wir wollen euch bei ’ner Show sehen – Hände schütteln, umarmen, quatschen, zusammen trinken und headbangen.

An unsere verrückten, einzigartigen, abgefahrenen Fans: Danke, dass ihr da seid.
Wir sind mega aufgekratzt, dieses Album mit euch zu teilen – und hoffen, dass es ein bisschen Licht in das ganze Dunkel bringt.“

The Builders And The Butchers „No Tomorrow“ Tracklist
01. Worlds On Fire
02. Blood:Death (Audio bei soundcloud)
03. Mother Mary
04. Save Me
05. Cold Fire Hymn
06. Devil’s Wind
07. Rise My Son
08. One Winged Bird
09. Fire in The Sky
10. Bad Blood
11. A Wall/A Fire

THE BUILDERS AND THE BUTCHERS Tourdaten 2026

19. Mai 2026 Stuttgart, Goldmarks
20. Mai 2026 Köln, Blue Shell
21. Mai 2026 Hamburg, Nochtspeicher
22. Mai 2026 Hannover, Mephisto (Faust)
23. Mai 2026 Dresden, Beatpol
26. Mai 2026 Frankfurt, Nachtleben
27. Mai 2026 Berlin, Privatclub
28. Mai 2026 München, Live Evil

Source: Vampster

Die Metalcore-Band THE AMITY AFFLICTION hat ein neues Studioalbum angekündigt. „House Of Cards“ ist die erste Platte seit der Trennung von Bassist und Sänger Ahren Stringer und erscheint am 24. April 2026 via Pure Noise Records. Darauf enthalten sind zwölf Tracks, den Titelsong gibt es schon jetzt als Video bei YouTube.

Live erleben kann man die Australier im September und Oktober 2026, wenn THE AMITY AFFLICTION auf Europatour gehen. Im Vorprogramm treten SILENT PLANET, VARIALS sowie ORTHODOX auf.

THE AMITY AFFLICTION „House Of Cards“ Tracklist

Vida Nueva
Kickboxer
House of Cards (Video bei YouTube)
Heaven Sent
Bleed
Break These Chains
Beso De La Muerte
Swan Dive
Speaking in Tongues
Afterlife
Reap What You Sow
Eternal War

THE AMITY AFFLICTION „House Of Cards“ Artwork

THE AMITY AFFLICTION, SILENT PLANET, VARIALS, ORTHODOX Tourdaten 2026

18.09 Wiesbaden, Schlachthof
19.09 Köln, Palladium
20.09 Hamburg, Grosse Freiheit 36
22.09 Stockholm, Fallan
24.09 Helsinki, Ääniwalli
26.09 Oslo, Rockefeller
27.09 Copenhagen, Vega
28.09 Berlin, Huxleys
29.09 Warsaw, Progresja
01.10 Prague, Roxy
02.10 Wien, Gasometer
03.10 München, Tonhalle
05.10 Zürich, Komplex 457
06.10 Paris, Elysée Montmartre
07.10 Antwerp, Zappa
08.10 Tilburg, 013
10.10 Manchester, O2 Ritz
11.10 London, O2 Forum Kentish Town
12.10 Nottingham, Rock City
13.10 Bristol, O2 Academy

Fotogalerie: THE AMITY AFFLICTION – Olympiahalle, München – 20.09.2025

Source: Vampster

Here are the Manifest nominations in the “Synth” category. The 23rd Manifestgalan will take place at Nalen in Stockholm on March 25, where the awards will be presented. The “Synth” nominees are: Sally Shapiro: “Ready to Live a Lie “(Italians Do It Better) Rupesh Cartel: “Residual Light” (Progress Productions) Lucifer’s Aid: “Enter and Exit” (Progress […]

Source: Release Music Magazine

The Dutch collective O Saala Sakraal returned at the end of last year with this...

Source: Side Line

Ladytron’sdebut album “604” was released on February 6, 2001 – 25 years ago. Did you already know these facts? ★ The number “604” refers to the British Columbia area code. ★ With their second single release “Playgirl”, they created a kind of poetic hymn to small-town claustrophobia. ★ Three different cuts of the accompanying music […]

Source: Orkus

In the first part, we spoke to A.S. Fanning about the beginnings and creation of the new album “Take Me Back to Nowhere”, which is released today. We continue our illustrious conversation. Intensive Orkus: The new album was recorded in a remote farmhouse in Sweden that had been converted into a recording studio. You also […]

Source: Orkus

Enjoyable horror post-punkBLOODSUCKING ZOMBIES FROM OUTER SPACE“Blood Is for Suckers“Album (Schlitzer-Pepi Records) The very first song is a promise: “When Something Wicked This Way Comes” – that can only be Bloodsucking Zombies from Outer Space. On “Blood Is for Suckers”, the quintet from Vienna (also) impresses with haunting horror themes that often have a pinch […]

Source: Orkus

Der Titel lässt es erahnen, Metamorphose ist kein leichter Prozess, verlangt harte Arbeit und Hingabe, und ein Loslassen von dem, was war. Der Titel „Atoned In Metamorphosis“ beinhaltet somit gleich zwei Schlüsselwörter, die sich in dieser kurzen EP aufs deutlichste auch musikalisch manifestieren. PREDATORY VOID entwickeln sich nach dem intensiven wie sperrigen Debüt „Seven Keys To The Discomfort Of Being“ deutlich weiter und gehen besser ins Ohr, während sie sich stilistisch von ihrem Ursprung wegbewegen. Und es wird unbequem. Die belgische Formation klingt viel unmittelbarer, direkter und näher beim Austreiben ihrer Dämonen. Statt zwischen Death Metal und Sludge mit maximaler Heaviness und Brutalität zu oszillieren, wählt die belgische Formation in diesen vier Songs einen anderen Weg. Mehr Dynamik und eine Korrektur in Richtung Post Black Metal und Post Metal ist der Weg für diese Formation. Das mag verwundern, gerade weil Gitarrist und Songwriter Lennart Bossu sich auf PREDATORY VOIDs Debütalbum von OATHBREAKER und AMENRA deutlich abgegrenzt hatte.

Cleveres Songwriting, verbunden mit absoluter Hingabe: PREDATORY VOID sind auf „Atoned In Metamorphosis“ in jeder Hinsicht konsequent.
Die neuen Songs funktionieren erheblich besser, und das liegt vor allem an der Frontfrau: Sängerin Lina überzeugt mit ihrer dunklen Stimme und muss nur selten in Extreme ausweichen, um für Aufsehen zu sorgen. Egal ob die Band mit „Make Me Whole“ durch die Kombination aus Gitarre und Gesang mit anschließend rhythmisch geschickt verdrehter Heaviness ins Gesicht schlägt, oder einen harten Kontrast zwischen dissonanten Riffs mit Blast Beats und melodiösem Gesang andererseits in „New Moon“ wählt, PREDATORY VOID sind definierte Songwriter geworden und spielen diesen Vorteil voll aus. Die Leidenschaft, die PREDATORY VOID in ihre Songs stecken, ist absolut spürbar. Das doomige und atmosphärische „Peeling Cycle“, in dem die Instrumentalisten erneut einen gelungenen Kontrast zum Gesang setzen und in weniger als drei Minuten eine beeindruckende Klimax setzt, ist mindestens ebenso gut wie „Contemplation In Time“, das mit seinen dissonanten Riffs und dem extremen Gesang an die Schmerzgrenze geht.

PREDATORY VOID weichen vor der Schmerzgrenze nicht zurück: „Atoned In Metamorphosis“ ist durchgehend höchst intensiv.
Verdammt nochmal, von Songs wie diesen dürfte es mehr geben. „Atoned In Metamorphosis“ ist eine durchgehend mitreißende, intensive EP, die hoffen lässt, dass bald ein volles Album auf diesem Niveau folgen wird. Eine Band, die auf so hohem spielerischen und kreativen Niveau unterwegs ist, nebst einer furcht- und ruchlosen Sängerin, die zu einer beängstigenden Performance in der Lage ist, kann nur gewinnen. Die blitzsaubere Produktion ist hierbei die Krönung. Dass PREDATORY VOID 2026 etwas weniger originell als auf „Seven Keys The Discomfort Of Being“ sind, tut der Qualität der Musik indes keinerlei Abbruch. Im Gegenteil: Sie katapultieren sich mit diesen vier Songs nach vorne in der Church Of Ra-Szene und lassen die kommenden OATHBREAKER-Shows auf dem ROADBURN-Festival schon fast verzichtbar wirken. Kurz: Eine schmerzhafte, kathartische Angelegenheit mit einer Durchschlagskraft, die so nicht zu erwarten war. Unbedingt anhören.

VÖ: 6. Februar 2026

Spielzeit: 13:27

Line-Up:
Lina R.
Lennart Bossu
Kris Auman
Thijs Decloedt
Vincent Verstrepen

Label: Pelagic Records

PREDATORY VOID „Atoned In Metamorphosis“ Tracklist:
1. Make Me Whole
2. New Moon (Official Audio bei Youtube) 
3. Peeling Cycle
4. Contemplation In Time (Official Video bei Youtube) 

Mehr im Netz:
https://predatoryvoid.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/predatoryvoid/
https://www.facebook.com/PredatoryVoid

Source: Vampster

Die Melodic Death Metal-Band TORCHIA hat mit „They Are Born Under Rules of the Darkness“ ein neues Album angekündigt. Es ist das vierte Album der Finnen aus Tampere und wurde von Janne Saksa aufgenommen und gemixt und von Dan Swanö gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Caelan Stokkermans.

„They Are Born Under Rules of the Darkness“ wird am 8. Mai 2026 via Rockshots Records erscheinen. Vorab gibt es zu „Stygian Waters“ ein Lyric-Video. Der Song beschreibt einen erbarmungslosen Kampf ums Überleben, in dem der menschliche Wille gegen unkontrollierbare Kräfte auf die Probe gestellt wird und die Grenze zwischen Realität und Unheimlichem verschwimmt.

TORCHIA Line-Up:
Nox: Vocals
Villemorte: Lead guitar, Vocals
Henri von Hardy: Guitar
Vulkan: Bass Guitar, Backing Vocals
Vincent Oscar Mill: Drums

TORCHIA „They Are Born Under Rules of the Darkness“ Tracklist
01. Nekromanteion – 4:23
02. Hellmouth – 4:08
03. Into Hell – 3:38
04. Hellstorm – 3:55
05. Die Amour – 4:12
06. The Tiamat Machine – 5:39
07. Black Cat – 3:19
08. Stygian Waters – 4:05 (Lyric-Video bei YouTube)
09. Sanguine Masquerade – 4:46

Source: Vampster

Die Dark Cabaret Metal-Band TARDIGRADE INFERNO hat nach dem Video-Clip zu „All In Your Head“ mit dem Video zu „Deadly Fairytales“ eine dritte Single ihres kommenden Albums „Hush“ veröffentlicht. Es ist nach „Mastermind“ (2019) und „Burn the Circus“ (2023) das dritte Album der Russen aus St. Petersburg.

„Hush“ wurde ein weiteres Mal von Vladimir Lehtinen produziert und wird am 5. März 2026 erscheinen. Vorab gibt es mit „Hide ’n‘ Seek“ einen weiteren Video-Clip.

TARDIGRADE INFERNO Line-Up:
Darya Rorria – vocals
Alexander Pavlovich – guitars, keys
Maxim Belekhov – bass
Andrew Drew – drums

TARDIGRADE INFERNO „Hush“ Tracklist
1. The Final Show
2. Hide ’n‘ Seek (Video bei YouTube)
3. Deadly Fairytales (Video bei YouTube)
4. All In your Head (Video bei YouTube)
5. Dead Fish Smile
6. Subatomic Heist
7. I.C.D.
8. Goor
9. Hush
10. Hypograph
11. I Am Eternal

Source: Vampster

Die Sludge Metal-Band TONS hat mit „Stoned Villains“ ein neues Album angekündigt. Es ist das vierte Album der Italiener aus Turin und wird am 20. April 2026 via Heavy Psych Sounds erscheinen.

„Stoned Villains“ wurde von Danilo „Dano“ Battocchio im Deepest Sea Studio in Turin aufgenommen und gemixt und von James Plotkin gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Steuso. Vorab gibt es den Track „The Big Bong Theory“ zu hören.

TONS Line-Up:
Gingerzilla – Bass / Voice / Synth
Duncan McCrapper – Lead Guitar / Sampler
Stewart J Tanuki – Rhythm Guitar
Oreste Pennarelli – Drums

TONS „Stoned Villains“ Tracklist
1. Shirley Temple Ball
2. Hangover The Top
3. Lost In Plantation
4. Intro (Cabin Fever)
5. The Big Bong Theory (Audio bei YouTube)
6. Darth Vaper
7. Rollercoaster Diet Bombo

Source: Vampster

Das Post-Punk / Gothic Rock-Projekt DEEPER GRAVES von Jeff Wilson (CHROME WAVES, Ex-NACHTMYSTIUM) hat mit „Pull Me Toward The Dark“ ein neues Album angekündigt. Es ist das dritte Album des US-Amerikaners und wird am 27. Februar 2026 erscheinen. Vorab gibt es nach „Where Do We Go From Here“ mit „Over My Shoulder“ ein weiteres Video.

DEEPER GRAVES „Pull Me Toward The Dark“ Tracklist
1. Misunderstood
2. No Time For Love
3. Over My Shoulder (Video bei YouTube)
4. All These Years
5. Where Do We Go From Here (Video bei YouTube)
6. The Truth
7. Pull Me Toward The Dark

Source: Vampster

Die Black / Death Metal-Band BARBARIC OATH hat mit „Sword, Sorcery, Vengeance“ eine neue EP angekündigt. Der nach dem 2024er-Demo „Attack Attack Attack!“ zweite Release des Duos aus Hessen wird am 27. März 2026 via Caligari Records erscheinen. Das Cover-Artwork stammt von Marious Rousner. Vorab gibt es den Track „Bestial Witchery“ zu hören.

BARBARIC OATH Line-Up:
G: Bass & Vocals
L: Drums

BARBARIC OATH „Sword, Sorcery, Vengeance“ Tracklist
1. Crom Cult
2. Sword and Sorcerer
3. Bestial Witchery (Audio bei Bandcamp)
4. Dragon Lord
5. For Victory… (The Warrior Path)

Source: Vampster

Die Nordic Folk / Electro-Industrial-Band EIHWAR hat mit „Freyja’s Calling“ ein weiteres Video ihres kommenden Nordic Folk / Electro-Industrial Albums „Hugrheim“ veröffentlicht. Verwurzelt in der verspielten Kosmologie, die das Projekt prägt, kanalisiere der Track die rohe, ekstatische Kraft von Freyja, der nordischen Göttin der Liebe, des Kampfes, des Schicksals und der alten Magie.

Im Vormonat hat die Band mit „Nauðiz“ den Opener des Albums veröffentlicht. Als Tor zu „Hugrheim“ gibt „Nauðiz“ den Ton für das Album vor, das sich mit Erinnerung, Geist und den unsichtbaren Kräften beschäftigt, die das Bewusstsein prägen.  Release-Termin ist der 13. März 2026 via Season of Mist.

Schon im Vorjahr hat die Band mit „Hugrheim“ den Titeltrack mitsamt Video-Clip veröffentlicht. Der Begriff „Hugrheim“, der aus altnordischen Wurzeln stammt, könnte als „Reich des Geistes“, der Erinnerung oder des Bewusstseins verstanden werden.

„In den letzten Jahren haben unsere Seelen nach und nach die Körper zweier menschlicher Musiker übernommen. Durch die Inkarnation haben wir einen Großteil unserer Erinnerungen verloren. Alles, was uns geblieben ist, sind Bilder, Emotionen und Fragmente aus unserem früheren Leben, vermischt mit den Gedanken und Erinnerungen unserer menschlichen Wirte. In diesem neuen Lied beschwören wir die Erinnerungen herauf, die allmählich zu uns zurückkehren: Erinnerungen an Hugrheim, die zehnte Welt von Yggdrasil, die den Menschen verborgen und unbekannt ist. Diese Welt wird von den Hugr, den Geistern, geprägt. In diesem Reich wohnen die unsichtbaren Kräfte der Seele und des Bewusstseins. Wenn unsere Gefäße hier vergehen und unsere Inkarnation endet, werden wir nach Hugrheim zurückkehren. Dennoch hoffen wir, dieses Mal so lange wie möglich hier zu bleiben, denn heutzutage ist das Bier verdammt gut, das Rockstar-Leben ist ziemlich cool und es gibt tatsächlich Zahnbetäubung“, sagt die Band.

EIHWAR Line-Up:
Asrunn — Vocals, Shamanic Drums
Mark — Vocals, War Drums, Folk Guitar, Tagelharpa, Percussion & Programming

EIHWAR „Hugrheim“ Tracklist
1. Nauðiz (04:28) (Video bei YouTube)
2. Freyja’s Calling (03:41) (Video bei YouTube)
3. Ein (03:42)
4. Skuggaríki (04:01)
5. Hugrheim (03:19) (Video bei YouTube)
6. Ljósgarðr (03:27)
7. Heill Óðinn (03:36)
8. The Lake of the Dead (03:39)
9. Omenotharena (Warrior’s Training) (05:41)
10. Berserkr (Tim’s Memorial Version) (04:26)

Source: Vampster

Mercy me, oh please don’t ask me?
Graciously, oh please don’t do that again!
Dearest please, oh don’t open a window! Please don’t go looking under that bed!

Massachusetts maestro Daniel Ouellette sings like someone standing at the edge of a threshold, hand hovering over a light switch, unsure whether illumination will calm the room or invite something stranger inside. His new single, Bewitchment (Why sweep when you can fly? Things to do with a new broom), arrives with theatrical warmth and careful restraint, a new-wave reverie that feels playful and perilously sincere.

This English reworking of O lindo sonâmbulo benefits from the quiet chemistry of its collaborators. Ouellette’s signature baritone carries a sense of ceremony, full-bodied and deliberate, leaving space for questions to breathe. The vocal phrasing moves with confidence.  Jason Mendelson’s synth work wanders in gentle loops and soft bubbles – it feels conversational – whimsical, even, without slipping into novelty. Elizabeth Lorrey’s mix gives the song room to stretch and coil, while Peter Linnane’s mastering keeps everything clear without sanding down its odd angles. Nothing feels overexplained.

There’s a pleasing tension in this track: operatic bombast brushing up against curious electronics reminiscent of Optiganally Yours, King Luan, and later Human League, coupled with Brian Michael Henry’s operatic storytelling style, each tugging the listener toward a different emotional temperature. Thought jumps. Mood shifts. The mind ricochets between wonder and worry.

Lyrically, the song circles desire with nervous grace. Wanting and needing stand face to face, neither blinking first. Saints drift alongside specters; domestic spaces grow charged, beds and windows becoming sites of possibility and unease. Faith appears not as doctrine but as a question spoken aloud, half-hoping for an answer, half-fearing one.

Bewitchment (Why sweep when you can fly? Things to do with a new broom) feels like a private ritual performed in public, inviting listeners to consider what they’re really searching for when they listen for ghosts.

Watch below:



Listen to Bewitchment (Why sweep when you can fly? Things to do with a new broom), out now on Meanie Jeannie Records, below. You can order the single here.

Bewitchment (Why sweep when you can fly? Things to do with a new broom) by Daniel Ouellette

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Source: Post-Punk.com

The Sisters of Mercy – Live in Athens

Saturday September 12, 2026 @ Floyd Live Club

Σάββατο 12 Σεπτεμβρίου 2026 στο Floyd.

 

Οι The Sisters of Mercy, ένα από τα πιο επιδραστικά συγκροτήματα στην ιστορία της ροκ μουσικής, επιστρέφουν στην Αθήνα για μια μοναδική συναυλία το Σάββατο 12 Σεπτεμβρίου 2026, στο Floyd.

Για περισσότερες από τέσσερις δεκαετίες, οι The Sisters of Mercy αποτελούν μια εμβληματική δύναμη της underground μουσικής. Το συγκρότημα σχηματίστηκε στο Leeds της Αγγλίας το 1980 και, παρότι το όνομά του προέρχεται από τραγούδι του Leonard Cohen, άντλησε έμπνευση από καλλιτέχνες όπως ο David Bowie, οι Slade και οι Velvet Underground. Ωστόσο, οι πιο στενοί ηχητικοί συγγενείς του εντοπίζονται στους Stooges, τους Motörhead και τους Suicide, επιρροές που συνέβαλαν στη διαμόρφωση ενός απολύτως διακριτού ήχου σε σχέση με άλλα συγκροτήματα της post-punk εποχής.

Με τον Andrew Eldritch στο επίκεντρο, η μπάντα συνδύασε έντονο ρυθμό, επιβλητικές μελωδίες και μια χαρακτηριστική φωνητική προσέγγιση, παρουσιάζοντας κλασικά albums όπως τα “Floodland” (1987) και “Vision Thing” (1990), αλλά και τραγούδια-ορόσημα όπως τα “Temple of Love”, “More”, “Lucretia My Reflection”, “This Corrosion” και “Dominion / Mother Russia”, που την κατέστησαν σημείο αναφοράς για τη ροκ μουσική.

Η υποκριτική φύση της μουσικής βιομηχανίας στη δεκαετία του ’90 προκάλεσε στον Andrew Eldritch έντονη δυσπιστία απέναντι στο δισκογραφικό σύστημα, οδηγώντας τον να στρέψει το ενδιαφέρον του κυρίως στις ζωντανές εμφανίσεις αντί στις ηχογραφήσεις. Παρά τον περιορισμένο αριθμό επίσημων studio κυκλοφοριών, οι The Sisters of Mercy έχουν αποκτήσει σχεδόν μυθικές διαστάσεις. Η δημοφιλία τους όχι μόνο δεν μειώθηκε, αλλά ενισχύθηκε με την πάροδο του χρόνου, ο πολυσχιδής και ευφυής rock’n’roll ήχος τους επηρέασε αναρίθμητα συγκροτήματα, ενώ οι ζωντανές τους εμφανίσεις αποτελούν διαχρονικά πόλο έλξης για ένα πολυσυλλεκτικό κοινό, διαφορετικών γενεών και μουσικών ακουσμάτων.

Παρά την απουσία νέας δισκογραφικής κυκλοφορίας, η συνθετική δραστηριότητα της μπάντας υπήρξε ιδιαίτερα έντονη τα τελευταία χρόνια, με την παρουσίαση πολλών νέων τραγουδιών που έχουν τύχει θερμής υποδοχής. Το υλικό αυτό φέρεται να αντλεί τα ισχυρότερα στοιχεία της κλασικής περιόδου τους, διατηρώντας ταυτόχρονα έναν απολύτως σύγχρονο χαρακτήρα, πιστό στο διαχρονικό μότο των The Sisters of Mercy να κινούνται «πάντα προς τα εμπρός».

Οι πρόσφατες κριτικές για τις ζωντανές τους εμφανίσεις κάνουν λόγο για το πιο δυνατό τους show εδώ και χρόνια, με τον Eldritch πλαισιωμένο από τις εξαιρετικές εμφανίσεις των Ben Christo, Kai, “Ravey” Dave Creffield και, όπως πάντα, του Doktor Avalanche. Προσθέστε σε αυτά ένα κινηματογραφικό light show και ένα setlist που συνδυάζει μεγάλες επιτυχίες, λιγότερο γνωστά κομμάτια και νεότερο υλικό, και έχετε τη συνταγή για μια εκρηκτική ζωντανή εμφάνιση.

Το Σάββατο 12 Σεπτεμβρίου, οι θρυλικοί The Sisters of Mercy θα βρεθούν στην Αθήνα και το Floyd, για μια βραδιά που αναμένεται να μείνει αξέχαστη.

 
The Sisters of Mercy

Σάββατο 12 Σεπτεμβρίου 2026 στο Floyd.

Οι πόρτες ανοίγουν: 20:00
Προπώληση – PRE SALE:
– Τηλεφωνικά στο 2117700000
– Online: more.com
– Φυσικά σημεία: https://www.more.com/el/physical-spots/

Εισιτήρια: από 45€

*Οι μεταπωλητές των εισιτηρίων χρεώνουν έξοδα διαχείρισης ανάλογα με το τιμολόγιο τους.

Έναρξη προπώλησης: Παρασκευή 6 Φεβρουαρίου 2026 στις 11 π.μ.
 
Video Links:
https://www.youtube.com/watch?v=BURM7l6_pvg&start_radio=1
https://www.youtube.com/watch?v=xK7QM5C7pBU&start_radio=1
https://www.youtube.com/watch?v=aC-enyY6W8I&start_radio=1
 
musicboxproductions.gr & facebook.com/musicboxproductions.gr

 

Source: ElectroWelt.com

Talk first, scream and growl

Control, distort the sound

Follow the rabbit down

In the end times now

Neo Dimes is the musical guise of Denver-based musician Stephen Edmunds, an artist unafraid to tackle the social ills of the digital age with both innovation and lyrical directness. Don’t Think, his latest single, arrives like a clenched transmission ripped from the feed at maximum volume. It moves fast, eyes wide, bass locking the spine while drums circle like a threat. Commanding vocals bark orders from inside the machine. Obedience is the joke…control is the prize.

Don’t Think is obsessed with power: how it spreads, how it flatters, how it eats. Digital-age manipulation, political extremism, manufactured outrage: all fed into a tight, pressurized form that pulls from EBM, cyberpunk, and synthpop, a place he describes as “landing somewhere between Deftones and Depeche Mode.” The result feels like a directive shouted through a megaphone at the edge of collapse.

Lyrically, Don’t Think sketches a bleak civic diagram where truth becomes a chant, repetition replaces thought, and cruelty is framed as currency. The end-times language is merely procedural. People line up, numb and obedient, mistaking submission for safety while propaganda loops tighten. This is mass psychology under fluorescent lights, a culture willingly face-down on the floor.

That rage is personal. As Edmunds puts it: “I lost a career right as my daughter came into the world, a world where she has fewer rights than her mother did and where tyranny is creeping into every facet of life. We’re addicted to the propaganda machines in our pockets and the next micro-financed purchase. It’s omnipresent and inescapable, so yeah, I’m pissed off.”

The video, directed by Wasteland of Wonder, uses rave-glow lobotomy as a metaphor—bright, disorienting, and deeply unsettling. It depicts control as a spectacle, with sedation portrayed as a form of release.

Watch below:

Neo Dimes’ debut album, Alone, broadens the critique in Don’t Think by addressing not just the content but also the ways it is distributed. It questions passive listening habits and is available on vinyl, cassette, and Bandcamp long before it appears on streaming platforms.

Edmunds is explicit: “The album concept and the release itself is a fuck you to the AI foisted on all of us,” he says.  “These songs will make you question your reality while dancing through the darkness.”

Even the artwork participates in the argument. “The single covers convey the album’s story, with each song’s cover serving as a chapter and visual representation of paranoia, persuasion, control, and acceptance that fuse together to form the final album cover.”

This is music that is wired, paranoid, and unsparing…written for a moment when thinking feels dangerous and surrender is sold as relief. Alone will be out in spring 2026.

Purchase Don’t Think on Bandcamp here.

Don’t Think by Neo Dimes

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Source: Post-Punk.com

There’s something deeply unhinged – in the best possible way- about HYSTERIC HELEN crawling back out of Bratislava’s concrete psyche after a decade of silence, dragging Chapter Two behind the Slovak band like a half-buried relic. My Little Toy, their raucous latest single, arrives less as a comeback than a cathartic relapse: sharp nerves, cheap lights, bodies moving because stopping would feel worse. This is a song made by people who have already burned through any sense of nostalgia.

The track opens with strange little invocations: chants that sound like they were muttered into a cracked mirror at 4 a.m, before the chorus snaps into a blunt four-on-the-floor thud. It’s a wake-up slap, the kind that yanks even the dead-eyed toward motion. Dirty77’s vocals spiral and bend around the beat, taunting it, flirting with collapse, then snapping back into line. Guitars cut in jagged arcs, darkwave propulsion keeps the hips honest, and the whole thing lurches forward with a crooked grin.

Lyrically, the band tosses a small grenade wrapped in a sentence: “You can love in different ways, it’s not just romance, tenderness, and gentle caresses.” No sermon, no soft-focus plea…just a blunt reminder that desire comes warped, misaligned, and occasionally ridiculous. There’s a knowing humour baked into the delivery, a sense that affection can be messy, ritualistic, transactional, ecstatic, or slightly absurd, sometimes all at once. The lineage is clear: deathrock bones with post-punk muscle, but the attitude feels freshly feral rather than museum-polished.

The self-directed video leans hard into that mood. A darkened club, bodies layered over bodies, movement smeared into suggestion. It plays like a midnight rite staged by people who know the rules well enough to mock them. Hedonism slips into farce, then circles back to something sincere. It’s strange, ritual-heavy, and faintly goofy…proof that excess doesn’t have to take itself seriously to hit hard.

Watch the video below:

Hysteric Helen’s My Little Toy isn’t a track begging for relevance or posture for revival points. It simply kicks the door down, chortling all the way. For a band that’s already lived one life and come back for another, that confidence feels earned.

Listen to My Little Toy below and order the single here.

My Little Toy by Hysteric Helen

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Source: Post-Punk.com

The weight of the world heavy on your shoulders
We pretend that it will be alright, it will be alright
Somewhere between the damp streets of Washington State and a rehearsal room vibrating with bad intentions, Licorice Chamber steps forward carrying new weight…and they don’t pretend that burden is anywhere near comfortable. The darkwave / goth rock quartet, fronted by Layla Reyna, unveils their new video single, Heavy, alongside presales for the forthcoming Remnants EP and tour dates with The Palace of Tears. It lands like a sealed envelope slid across a bar table at last call.

This is the first transmission since drummer Cory Sorrentino wrestled control away from the drum machine, and the shift is immediate. The band’s live dynamic, hardened through repetition, rehearsal, and roughly thirty shared stages, now breathes with a physical insistence. Bass and guitar lock in closer, tension tightening at the seams, while the percussion presses forward with a steadier spine. Marc Jones and Joe Fox jokingly dub the direction “Doom Wave,” a nod to Sorrentino’s metal roots, but the joke lands because the result is serious business: thicker structures, heavier footing, and a sense that the floor could give way at any moment.

At the center stands Reyna, delivering a song built on accumulation. “Heavy centers on the psychological and emotional weight we carry,” she says. “It explores how unspoken guilt, memory, trauma, and self-condemnation accumulate over time, reshaping a person until they’re no longer who they once were. It’s about endurance, and carrying something for so long that it becomes part of your posture, your breath, your silence.”

The track moves with restraint, pressure building quietly, drawing on the lineage of Siouxsie and the Banshees, Florence and the Machine, Faith and the Muse, Mephisto Waltz, and X-Mal Deutschland, filtered through darkwave synths and goth-pop excess. Everything feels held: shoulders squared, jaw clenched.

Reyna’s self-directed video, a psychedelic montage of floating and superimposed visions and colours, mirrors that internal compression. The imagery resists easy explanation, leaning instead on repetition, enclosure, and controlled movement, allowing sensation to do the talking.

“Rather than literal storytelling, the video uses symbolism and sensation to show the tension between appearing composed and being internally fractured,” says Reyna. “I wanted the visuals to rely on repetition, obscured identity, and constrained space, in order to mirror the internal experience of carrying something for too long. The moments of motion during the chorus are brief shifts in pressure that never fully resolve, and are used to create a space where the weight is felt instead of explained. The fabric represents accumulated weight made visible, and a stand-in for emotional weight, that clings, constrains, and never fully lets go. This reinforces the central idea of ‘Heavy’: the weight doesn’t disappear; it settles and becomes part of how you move through the world. Both the song and its visuals sit in restraint, tension, and endurance.”

Watch below:

Heavy feels like a reckoning conducted under fluorescent lights: no theatrics, no escape hatch. Licorice Chamber sound settled into this configuration, dangerous in their discipline, and newly comfortable carrying the load. Remnants is due February 24th, 2026, in both CD and digital download formats.  

Licorice Chamber are about to embark on a tour of the US West Coast in support of the new EP, joined for selected dates by The Palace of Tears.

Remant’s is out February 24, 2026.

Pre-Order Here

Remnants by Licorice Chamber

Licorice Chamber – Live: US West Coast, Feb-May 2026

Feb 7th Olympia, WA at McCoys
Feb 14th Seattle, WA at Belltown Yacht Club
Feb 26th Eugene, OR at John Henrys 
Feb 27th Eureka, CA at The Siren Song + The Palace of Tears
March 1st San Francisco, CA at Hotel Utah + The Palace of Tears
March 27th Yakima, WA at The Chainsaw Cat + The Palace of Tears
March 28th Richland, WA at Rays Golden Lion + The Palace of Tears
April 18th Olympia, WA at Cryptatropa
May 2nd Seattle, WA at Central Saloon for Mayday Misery Deathrock Festival
May 30th Tacoma, WA at Real Art Tacoma for World Goth Day: Year Four 

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Source: Post-Punk.com

In the mirror of regret reflections bend
A lover of the shadows where the nightmares blend
With every step we take the walls close in
In the theatre of despair we let the show begin

Ireland’s Crá Croí, a Cork-born duo whose name translates loosely from Irish as “heartache” or “vexation of spirit,” continue to sketch a bleakly intimate terrain with Feeding The Fear, a track that sharpens the emotional grammar they first hinted at on Radiation Romance and tightened further on Fires At Dawn. This third single sinks in slowly, like pressure changing in a sealed room.

Feeding The Fear moves with a sense of compression. Rhythms circle, locking into patterns; guitars smear rather than slice, their distortion hanging low and close to the skin. There is the feeling of uneasy space: air that feels rationed, measured, monitored. The duo understands restraint as a form of tension, and they let that tension accumulate.

Feeding The Fear treats doubt as infrastructure, not a passing crisis. The words trace a loop: anxiety reinforcing itself, desire leaning into damage, familiarity mistaken for safety. Mirrors warp, rooms shrink, and affection becomes another enclosure. Fear is neither conquered nor romanticized; it is studied, sustained, and strangely nourished. There is a subtle theatricality to the track, as the song suggests performance as a coping mechanism: despair rehearsed until it feels controllable, almost rehearsed enough to believe. Sparse alliteration flicks through the language like static, reinforcing the sense of thought patterns rubbing against themselves.

 

Musically, Crá Croí mixes density with clarity. Post-punk structures form the backbone, while ethereal wave elements soften the edges. Dark wave atmospheres gradually seep in, adding color rather than defining the track outright. RG controls the implosion precisely, removing sentiment and allowing the mood to deepen in the gaps. Guitars strike suddenly, like flashes of light swallowed by darkness, while synths glow with a cold, metallic edge that hints at early-’80s machinery without turning into nostalgia. When CD’s voice appears, it feels like a signal sent through ruins, conveying words of broken devotion.

Fans of Fields of the Nephilim will recognise the track’s sense of ritual and gravity; those drawn to Joy Division may hear echoes in its controlled dread and emotional economy. There is also a romantic severity reminiscent of Héroes del Silencio, alongside a slower, weight-bearing heaviness that nods toward Type O Negative. The tempo resists urgency, favouring a slow press that keeps the listener suspended.

Watch the video for “Feeding The Fear” below:



Listen to Feeding The Fear below and order the single here.

Feeding The Fear by Crá Croí The band trusts the listener to stay inside discomfort; they treat endurance as an active state that requires attention and repetition. By the time the track closes, nothing has been resolved, yet something has been mapped. Crá Croí are building a world where unease is a condition, and with each release, that world becomes more precise, more inhabitable, and more difficult to leave.

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Source: Post-Punk.com

At this point in the collapsing American experiment, everything feels overheated and under-explained. Politics has become grotesque and cruel performance art; outrage loops endlessly while certainty dissolves. The United States talks in absolutes yet lives in anxiety, toggling between spectacle and exhaustion. In moments like this, music remembers an old function: translation. So Close, So Far understands the era as a condition of motion: restless bodies, unsettled minds – and answers with music that moves forward even as it sifts through the detritus. The Mystic Underground turns unease into velocity, folding civic confusion into club-ready forms where emotion is neither hidden nor sentimentalized.

The New York City duo (singer/lyricist Vladimir Valette and keyboardist/producer Benedetto Socci) pack a punch with So Close, So Far. The record works like a late-night broadcast from a city starved for a guiding light. Socci’s bright, often effervescent synth lines cut through the fog; Valette’s emotional vocals carry a wounded clarity. This is music built for rooms where strangers recognize themselves in the same refrain.

Leading the way is the first single, Darkness Hides At Dawn, a meditation on longing, resilience, and the fleeting comfort found in the glow of the dance floor. Equal parts brooding and euphoric, it exemplifies the band’s ability to blur the line between heartbreak and motion, capturing moments of quiet despair and sudden release with an unrelenting pulse. The track understands the night as a temporary truce; an agreement to feel together before daylight resumes its harsh interrogations.



Sonically, the rest of the album draws from the sleek intelligence of Depeche Mode, the melodic confidence of Erasure and INXS, and the urbane poise of Pet Shop Boys. Beneath the surface, the words carry heavier weather: the suspicion and urgency associated with Killing Joke, the yearning unease of The Chameleons, the observational bite of The Fall and Fad Gadget. Dance music with a conscience; pop that knows the price of attention. The sounds run the gamut from ballad to four-on-the-floor disco, to early 90s EBM. Lord knows we could use a little club euphoria during these dark days.

“This is a record we feel very passionate about,” says Valette. “A collection of songs that truly cut to the heart of what we are about as a band and how the world has shaped us both collectively and individually. It’s a call to arms to those who cherish life with an unquenchable thirst for romance as a respite from the desolation and tumult of the everyday.”

So Close, So Far is out now via Re:Mission Entertainment. Listen below and order here.

So Close, So Far by The Mystic Underground

In the Mystic Underground’s own words, their work is “life… set to a dance beat.” So Close, So Far makes that philosophy audible. It suggests that survival sometimes arrives through movement, through shared volume, through a song that understands the chaos outside and still insists on connection inside the room. For those naysayers lamenting that “there’s no good political music out there,” time to eat your words and your hats.

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