I’ll meet you under the cover of darkness
Take a walk with me and show me what I’ve missed
Descending glow like a nocturnal rainbow
Illuminating shadows stretching over me 

Rani Sharone has lived enough musical lives to make most careerists look like they’ve been standing in line at the deli. Session musician, ghost writer, touring player, bandleader, concert-hall composer, animation-house insider; the résumé reads like somebody kept changing masks at a party and every mask came with its own passport stamp. There is something delicious about And It Was Night, a project that takes all that mileage and pours it back into a form built for mood, movement, and the old glamorous unease that goth has always sold best when it remembers to loosen its collar.

His latest single, What’s Beyond the Light? feels like the work of somebody who understands that darkness is rarely empty; rather it is crowded, busy, suggestive, full of half-seen impulses and private little panics dressed up for an evening out. Sharone draws from Depeche Mode, The Cure, Nick Cave, and the broader back room of dark alternative pop, but he handles those influences with enough poise that they feel like old debts paid in full rather than names dropped for atmosphere. The result has body and reach. The beat keeps moving with a dancer’s discipline while the guitars spread a soft blur around the edges, and the electronics give the whole thing a narcotic glow, like the moon reflecting off a windshield at the exact moment you realize you may have missed your turn ten miles back.

The song’s central idea is a beauty: a guide leading someone through the night while perception starts slipping around like loose floorboards under wet shoes. Moonlit walks inspired it, and you can hear that origin in the way the track treats darkness as both seduction and setup. Night reveals, but it also rearranges. Familiar things take on strange proportions. Fear sidles in beside wonder. Love becomes a lantern with weak batteries. Sharone understands that the mind is a terrific special-effects department when it gets left alone with a little weather and a little desire.

The force that keeps this from drifting into perfume-counter gloom is the song’s sense of purpose. It wants the club, certainly, but it also wants that private internal cinema people carry around without admitting it. You can picture the dry ice, the black clothes, the solemn faces trying very hard to look blasé, yet there is real feeling under the makeup.  The track moves with elegance, but there’s unease in its bloodstream, and that tension makes it live.

For a third single, this is a strong statement of intent. Sharone sounds like a man returning to his first love with better tools, sharper instincts, and enough lived-in mystery to make the romance worth following into the dark.

What’s Beyond the Light? by And It Was Night

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Source: Post-Punk.com

There’s a dirty little charge running through Someone To Blame, the kind that starts in the nerves, moves through the bloodstream, and winds up somewhere shameful. Holy Death Temple have made a track about power, appetite, coercion, performance, submission, and the awful old human habit of dressing domination up as comfort, then selling it back to the willing and the weary as a form of pleasure. It sounds academic on paper, but the song itself is no lecture. It lurches in with too much poise to be innocent, too much muscle to be casual, and from the first seconds it knows exactly where it wants your attention: somewhere between your hips and your conscience, with the skull rattling along behind trying to file an objection.

Holy Death Temple (Bryan Edward, Amy Tung-Barrysmith, and Jon Barrysmith) have stalked nearby ground before, especially on Algo-Rhythm Is Gonna Get You, but Someone To Blame tightens the focus and sharpens the blade. The trio’s style fuses the icy gloom of Joy Division and Bauhaus with the irreverent rage of Sex Pistols, then jolts the whole affair with a strain of digital decadence that calls to mind Daft Punk and Justice.

The song arrives with a breathy female voice that opens the door in a manner that feels warm, intimate, almost coaxing, and then, with a kind of calm cruelty, that invitation gives way to command. A presence steps forward and begins spelling out what it wants, how it intends to proceed, and what role it has already chosen for you. It moves with the slow authority of machinery built to press, stamp, crush, and keep going while the poor soul caught inside is still deciding whether this is ecstasy, terror, or some grubby alliance of the two.

Amy Tung-Barrysmith handles synth duties with the kind of force that turns the floor into a pressure plate, while Jon Barrysmith’s drumming keeps the track driving forward with a hard, relentless exactness. Over that foundation, the guitar cuts clean and sharp, spring reverb giving it a cold gleam without blunting the edge.

“There’s something for everyone on the dance floor,” says frontman Bryan Edward. “If you want an S&M-fueled goth club banger, we got you. If you want an intellectual parallel between S&M and the descent into fascism, we also got you.”

That line could have landed like a clever pitch, some quick bit of black-lipstick copy meant to sell the song’s angle, but in practice it feels like a statement of method. The oldest systems of control work, because they seduce before they subjugate. They offer structure. They offer intensity. They offer release from the burden of thinking, deciding, resisting, carrying your own hurt. Then they hand your pain back to you with better packaging and a stricter dress code. Someone To Blame is written from the perspective of a Dom who knows how to turn damage into devotion. It is nasty work, and the band play it with enough clarity to make you laugh, wince, and squirm.

By the time the outro finally lands on “someone to blame for your pain,” it feels like a lock clicking into place somewhere behind your ribs. That’s the song’s ugliest insight: there are people who ache for deliverance, and there are sadists who learn to market themselves as the answer by becoming the warden.

“It’s coming from a place of disgust with people that get off on watching ‘less thans’ suffer,” says Edward. “It’s not about kink-shaming, but if anyone deserves to be kink-shamed, it’s them.” Good. That bluntness serves the material. Too many songs with this sort of subject matter get coy and start admiring their own leather gloves in the mirror.

Even the cover art gets in on the scheme, taking the old Uncle Sam image and turning it into something masked, armored, depersonalized, with authority standing there as role and costume at once. The face is hidden; the function remains. That’s the point. Systems survive because the individuals inside them can swap out while the gesture stays the same. New mouth, same order. New mask, same appetite.

Listen to Someone To Blame below:

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When I go swimming in the North Sea

burning ships are guiding me.

You can hear the room tightening around Dry Skin‘s new EP, Dead Wood, from the start, like the walls have decided they’ve heard enough excuses and would now prefer a beat. This post-punk act from Dresden possesses a kind of wiry conviction with this offering: nothing here feels overly fussed with; the pleasure comes from how directly it moves, and how casually it slips a knife between the ribs of modern life.

Robert E. Smith has been dragging this project through various states of existence since 2007, first under the gloriously dubious name I’M YOUR STALKER, later through a long interruption imposed by money, work, and the general insult of adulthood. Then the world shut down, live music temporarily vanished, and the band finally had time to become…a band. He was joined by drummer Simon Herzog, synth aficionado Bernd van den Broedericken, and bass virtuoso John Köhler. Dead Wood carries that feeling of delayed gratification as it finds its proper form. This is not the sound of people discovering themselves; it is the sound of people deciding to get on with it.

Dry Skin describes their coordinates with a wink: “Somewhere between Factory Records or Daniel Miller’s Mute Records, Captured Tracks or Mexican Summer. Between Talking Heads and The Cure. Between James Murphy and the Muppets.” Good line. Better still, the EP earns it. These songs have the clipped drive of stripped-down new wave, the odd little smirk of post-punk, and the occasional bounce of something that might have once stumbled out of Manchester at 3 a.m. with its shirt half untucked and its head full of ideas.

Again and Again opens the EP by staring straight at the tidy little coffin of adult aspiration: work, mortgage, inherited fantasy, fear on a loop. The song moves with a pared-back insistence that brings Suicide, Fad Gadget, and The Normal to mind, almost like doo-wop got locked in a concrete room with minimalist post-punk and came out with its tie hanging loose and its faith shot through. It’s funny…until you realise it’s also your life.

The video for the song is as minimalist as the song itself, with a charming DIY choreography video starring dancer Cindy Hammer. “I am really happy to have found a visualization of the forever returning stupidity of human behaviour the lyrics are about,” Smith reflects.

So Clean is the sound of social performance turned rancid. Everybody’s composed, everybody’s respectable, everybody’s standing on a nice clean street while the ugly business gets filed somewhere out of sight. The refrain lands like a command barked by a culture obsessed with presentation and allergic to conscience. Its energy has that jumpy, needled edge that calls up LCD Soundsystem and Dan Deacon, though Dry Skin sound less interested in catharsis than in exposing the stench underneath the deodorant.

The title track Dead Wood is one of the EP’s best turns, a warped little travelogue through environmental collapse, lifestyle vanity, and cheerful self-involvement. Burning ships, hiking crews, photographs in the firelight: the world is caving in, but at least the picture came out nice. There’s real humor here, black and bracing, which makes the song hit harder.

No Tears slips into estrangement and bad ideas with a cool stare and a slow, fuzzed-out, glitchy pace, moving like a late-hour comedown through streets that no longer feel familiar. There is a sly nod to Tuxedomoon in the way it holds emotion at arm’s length, letting alienation pool quietly rather than boil over. The song captures that peculiar state of feeling unmoored in your own life, where temptation, disconnection, and self-protection all start speaking in the same voice.

Reach Your Hands Out To The Lost shifts the EP into more guitar-driven territory, channeling traces of The Horrors, The Smiths, and Pulp through Dry Skin’s scrappier post-punk frame. There is uplift in it, but not the kind that arrives wrapped in platitudes. Instead, the song reaches toward solidarity with real feeling, extending sympathy without sermonizing, which is rarer than most bands seem to realize. It understands that compassion carries more weight when it sounds lived-in, slightly battered, and entirely sincere. Backseat handles romantic wreckage with a surprising degree of grace, filtering heartbreak through a lo-fi haze that makes the song feel intimate without becoming overly polished or precious. There is tenderness in the way it sits with memory, with movement, with the awkward persistence of love after the fact.

Just A Thought Is A Way Worth Living closes the EP with a bruised kind of wisdom, turning over questions of honesty, love, self-regard, and the daily labour of staying awake inside your own life. It feels restless, searching, and deeply aware that clarity is less a revelation than a practice.

Listen to Dead Wood below and order the album, out now via Blood Service, here.

Dead Wood by Dry Skin

For an EP named Dead Wood, this thing is very much alive. It knows the world is ridiculous, expensive, cruel, and often cosmetically clean in all the wrong places. It also knows that a sharp song, played with purpose, can still make that mess feel briefly legible.

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Source: Post-Punk.com

Lo peor ya pasó. Sin ti, volveré a disfrutar.

Ex Lover’s latest single Lo Peor has the kind of ache that sneaks up behind a good beat and taps you on the shoulder. You let the body keep time while the heart gets worked over in the back room. Aramara Quintos Tapia and company understand that little arrangement perfectly, and they play it with style, nerve, and a clear-eyed sense of emotional mess, all in Spanish.

Coming out of Omaha, Ex Lover pulls together post-punk bass pressure, bright guitar lines, and the candy-coated ache of early-2000s Mexican pop into something lean, sad-eyed, and built for motion. Lo Peor (The Worst) lands right in that sweet spot where break-up music stops pleading for dignity and starts admitting how ridiculous people become when love slides out the door and leaves one shoe behind. The singer keeps trying to talk herself into recovery, keeps reaching for air, pleasure, distance, the usual self-help brochure words, then doubles back and asks for one more minute, one more explanation, one more scrap from the table. That push and pull gives the track its kick, as it breathes in acceptance.

You can hear points of contact with French Police, Belgrado, and Deceits in the taut rhythm section and cool romantic tension, while the sweeter melodic instinct and emotional directness bring to mind Dark Chisme, Future Nobodies, and Blood Club. Those reference points help sketch the frame, but the band’s real appeal lies in how naturally they move between ballroom bruise and bedroom plea.

The lyrics are straightforward with a refreshing lack of grandstanding. Nobody is trying to sell you a spiritual awakening. The feeling is raw in the best way: confused, bruised; still vain enough to want answers, still romantic enough to imagine a tidy ending. That emotional contradiction is the whole engine. The bass keeps things moving with a cool, clean insistence, the guitars gleam without fuss, and the vocal carries that delicious strain between composure and collapse. It feels like dancing in nice clothes while your life quietly catches fire near the coat check.

Then there is the video, directed by LeMarc, which pushes the song into another dimension of delirium. Shot in black and white with a moody, damaged glamour, it plays like a surrealist soap opera dragged through Super 8 and left out overnight with a stack of old film reels by Maya Deren, Luís Buñuel, and David Lynch. Faces drift in and out, desire goes sideways, time folds up like cheap linen, and the whole thing has the perfume of a dream you almost enjoy until you wake up feeling indicted.

Lo Peor is a lovely little catastrophe: catchy, wounded, and smart enough to know that getting over somebody rarely arrives in a straight line.

Watch Lo Peor below:

Listen to Lo Peor below and order Made In Heaven here.

Made in Heaven by Ex Lover

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Source: Post-Punk.com

Im Jahr ihres 40-jährigen Jubiläums – damals noch unter dem Namen Black Death – kehren Fenriz und Nocturno Culto 2026 mit ihrem neuen DARKTHRONE Studioalbum „Pre-Historic Metal“ zurück, das am 8. Mai bei Peaceville Records erscheint. Ein neues Video zum Titeltrack wurde heute veröffentlicht.
Order: https://darkthrone.lnk.to/Pre_Historic_Metal

Nach dem kürzlich erschienenen Boxset „The Fist in the Face of God“ (Platz neun in den offiziellen deutschen Rock/Metal Charts), das die gefeierte frühe Black-Metal-Phase der Band dokumentiert, ist es nun an der Zeit, dass die norwegischen Riff-Meister ihre Höhlen erneut verlassen, um unter dem Titel „Pre-Historic Metal“ ihr neues Opus hochkarätigen Old-Metal zu präsentieren.

Fenriz selbst erklärt den symbolischen Ursprung des Titels: „Prehistoric ist ein dehnbarer Begriff. Ich denke einfach, es beschreibt unsere Stimmung, unsere Herangehensweise, und es ist im Grunde ein Statement dafür, dass wir alte Stile nutzen, um etwas Neues zu erschaffen.“

A Deluxe box set special edition featuring:
– Exclusive splatter 180gm heavyweight vinyl with gatefold sleeve & exclusive alternate cover artwork by Maciej Kamuda.
– Exclusive cassette edition.
– CD edition.
– Booklet including an interview by Harald Fossberg on the making of ‚Pre-Historic Metal‘.
– 2 posters
– LP on black & white splatter vinyl – available exclusively at the Peaceville label stores
– LP on purple marble vinyl – available at the Peaceville label stores + select stores worldwide
– LP on classic black vinyl
– LP on white vinyl (available exclusively in Germany)
– LP on silver vinyl (available exclusively in Sweden)
– LP on transparent orange vinyl (available exclusively in North America)
– LP on coke bottle green (available at independent records stores in North America)
– CD
– Digital

 

Source: Amboss-Mag.de

Mit NEUROSIS CROWN LANDS OLYMPUS (ENG) ARCHAIC OATH LYNX GODSNAKE KING SATAN TABERNIS BUTCHER BABIES INFECTED RAIN TRUCKFIGHTERS GRADIENCE THE ORDER UWE LULIS PROJECT SECTARIAN DEFACEMENT TARASK RAVENMOCKER MYSTFALL GOZU SOULBURN THE CROSSES THUNDERMOTHER AYREON ROUGH GRIND DEAFKIDS DYSTOPIA FIT FOR AN AUTOPSY IATT EXODUS FRONTSIDE COAL & CRAYON AGGRESSIVE PERFECTOR XTINGUISH THE CODE VOIDCHASER MALUMMEH FALSE MESSIAH SKAPHOS SACRIVERSUM SCHATTENMANN MELECHESH ROCK JUSTICE DOODSWENS RUNOVER BLOOD COMMAND PORT NOIR THROATCUT. SAMAEL LAKEVIEW CATALYSIS MONSTERNAUT LE ZOK XENOSIS FREQUENCY OVERLOAD GOREWORM VOIDTHRONE ZERRE YAWNING BALCH TORCHIA TELOCH VOVIN BOY WITCH RESTLESS SPIRIT A.A. WILLIAMS BIO-CANCER DEADWOOD MONSTROSITY REJECT THE SICKNESS SPACE CHASER LAMB OF GOD ELEGANT WEAPONS OBEY THE KRAKEN DIE TOTEN HOSEN IMPURE WILHELMINA NATTRADIO CAUSTIC ASHEN SUN OKAY YOU WIN ASKEMÅNE VICTORIUS OTAY:ONII TOXIKULL MOTUS TENEBRAE GREEN CARNATION LOR3L3I LIGHT FIELD REVERIE ASTRAYA SANDSTORM SHEWOLFF RATS WILL FEAST WORSHIP THE SACRIFICE HIGHWAY HÖWLER AMONGRUINS TAZER CRA COI HIGHGATE LEILA ABDUL-RAUF BLACK STONE CHERRY DEMONOLOGISTS VAINORAS NEFASTIS CROCELL THE PRETTY RECKLESS STRESS SKYND MOODRING PHANTOMS OF FUTURE A-TOTA-SO RISE OF KRONOS KNOCKED FOR SIX DECIPHER KORA WINTER MUERTO OUTLOVED

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RISE OF KRONOS

death metal

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KNOCKED FOR SIX

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DECIPHER

black metal

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KORA WINTER

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MUERTO

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OUTLOVED

heavy rock post rock

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Source: Vampster

THE DOGS bringen eine neue Single raus, „Back To Fucking“ ist ab kommenden Montag, 23. März 2026 bei allen Streaming-Diensten verfügbar. Der Song ist eine Entschuldigung der Band an ihre Fans und den Rest der Welt:

„Auf unserem letzten Album haben wir dummerweise die Single ‚I’m Done with Fucking, I Just Wanna Dance‘ veröffentlicht.
Wir entschuldigen uns aufrichtig dafür. Es war eine Lüge, und wir übernehmen die volle Verantwortung dafür.
Wir hoffen, ihr seht ein, dass wir unsere Strafe bereits verbüßt haben:  Unsere Angst, tatsächlich tanzen zu müssen – etwas, das wir weder wollen noch können –, führte dazu, dass THE DOGS sich über ein gutes Jahr lang nicht trauten, auf Tour zu gehen oder Musik zu veröffentlichen.
Über diese schwierige Zeit wurde ausführlich im Magazion Nettavisen, auf TikTok und und der Zeitung Dagbladet berichtet, wir sehen keine Notwendigkeit, uns weiter dazu zu äußern.
Mit dem Song ‚Back to Fucking‘ wollen wir diese Angelegenheit daher endlich ein für alle Mal ad acta legen, indem wir uns noch einmal für diesen Fauxpas entschuldigen.

Die Norweger haben vor kurzem einen Plattenvertrag bei Indie Records unterschrieben, das 13. Album ist in Arbeit.

 

Source: Vampster

BLUE MEDUSA präsentieren mit „Checkmate“ eine erste Single:

 

Die Ex-ARCH ENEMY-Sängerin Alissa White-Gluz stellte Anfang März ihre neue Band vor: Zur Besetzung von BLUE MEDUSA gehören die Gitarristinnen Dani Sophia (ex-TILL LINDEMANN) und Alyssa Day (u.a. THE IRON MAIDENS, MINDSCAR, ABSENTIA) sowie Live-Bassistin Alicia Vigil (DRAGONFORCE, VIGIL OF WAR) und Live-Schlagzeugerin Delaney Jaster (STITCHED UP HEART).

Alissa kommentiert:

„20 Jahren lang stand ich auf den größten Bühnen der Welt, jetzt schlage ich ein neues Kapitel auf. BLUE MEDUSA sind der nächste schritt in meiner Entwicklung. Ein Projekt, in dem ich meine künstlerische Vision ohne Einschränkungen ausleben kann. Ihr werdet furiose Gitarrensoli, zerstörende Riffs, brutalen Gesang, schnelle und aggressive Drums, catchy Melodien und persönliche Texte voller Bedeutung zu hören bekommen.“

 

 

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Source: Vampster

‚Prehistoric ‚ist ein dehnbarer Begriff. Es beschreibt unsere Stimmung, unsere Herangehensweise, und steht im Grund dafür, dass wir alte Stile nutzen, um etwas Neues zu erschaffen“, so erklärt Fenriz den Albumtitel „Pre-Historic Metal“ der neuen DARKTHRONE-Platte.

Zum Titelsong haben DARKTHRONE schon ein Lyrics-Video veröffentlicht:

Mit dem Album feiern Fenriz und Nocturno Culto auch ihr 40-jähriges Bandjubiläum. Fenriz verrät über die kommende Platte:

„Wir sind Metal. Mit sehr lauten Gitarren. Barbarisch, aber nicht ohne Finesse. Wir haben im Studio mehr denn je zusammengearbeitet. Wer was spielt, lag lange im Nebel.  Wir haben beschlossen, die Aderpresse enger zu ziehen, das Blut zu stauen  und acht effektive Songs voller Riffs zu machen, statt des luftigen Poltern, das wir sonst so genießen.“

„Pre-Historic Metal“ wurde in den Chaka Khan Studios in Oslo aufgenommen, die Produktion übernahmen Ole Øvstedal, Silje Høgevold und Mads Luis. Das Mastering kommt von Jack Control.

DARKTHRONE “ „Pre-Historic Metal“-Tracklist & Cover
1 They Found One Of My Graves (05:17)
2 Pre-Historic Metal (04:19) (LyricsVideo bei YouTube)
3 Siberian Thaw (06:45)
4 Deeply Rooted (04:58)
5 The Dry Wells Of Hell (06:12)
6 So I Marched To The Sunken Empire (03:21)
7 Eat Eat Eat Your Pride (04:51)
8 Eon 4 (05:24)

Source: Vampster

„An Undying Love For A Burning World“ ist der Titel des neuen NEUROSIS-Albums, das die Band heute ohne jede Vorankündigung veröffentlicht hat.“An Undying Love For A Burning World“ ist als Stream verfügbar, die LP wird am 8. Mai 2026 veröffentlicht.

Neu dabei ist Aaron Turner (SUMAC, ISIS) am Mikro und an der Gitarre.

 „Seine Energie passt perfekt zu unserer. Er hätte schon immer dabei sein sollen. Von Anfang an hat er sich eingebracht, Songs geschrieben und Ideen geteilt“, sagt die Band über ihr neues Mitglied.  Aaron fügt hinzu: „Als ich Neurosis vor über 30 Jahren zum ersten Mal hörte, spürte ich, dass mein Herz und mein Verstand nach genau dieser Musik gesucht hatten. AUch jetzt, nach vielen Jahren mit vielen eigenen musikalischen Ideen und Erfahrungen, spricht der einzigartige Sound und Geist von Neurosis mein tiefstes Inneres an.  Es ist eine Ehre und eine wahre Freude, so herzlich in einer Band aufgenommen worden zu sein, die meine Sicht auf die grenzenlosen Möglichkeiten der Musik geprägt hat und die mir vorgelebt hat, dass man kreative Integrität und Kameradschaft über alles andere stellen muss.

Über ihr neues Album sagt die Band:

„Wir brauchen soetwas vielleicht mehr denn je, und wir vermuten, dass wir damit nicht allein sind. Schwierigkeiten in unserem Privat- und Musukerleben, der Versuch, uns im Wahnsinn unserer Gesellschaft zurechtzufinden, all das ist eine Qual. Dazu kommt Stress, Ängste und Einsamkeit sowie Verunsicherung und Trauer angesichts der Klimakrise und eines Massensterbens. Genug also, um  den Verstand zu verlieren, wenn man keinen Ausweg oder keine Katharsis findet. Diese seltsame, emotionsgeladene Musik war schon immer unsere Methode, um all das zu überstehen, und genau davon haben unsere Lieder immer gehandelt. Wenn man ein Leben lang diese Ausdrucksform genutzt hat, um sich zu reinigen und zu läutern, ist es schädlich an, sie brachliegen und vernachlässigt zu lassen. Es hieß jetzt oder nie.“

Aufgenommen haben NEUROSIS die Platte mit Scott Evans an drei Wochenenden in diesem Winter im Studio Litho in Seattle und sechs Wochen vor der Veröffentlichung in drei Tagen in Evans’ Antisleep Audio in Oakland abgemischt.

NEUROSIS Line-up 2026: 

Aaron Turner  – vocals and guitar
Steve Von Till – vocals and guitar
Jason Roeder – drums
Dave Edwardson – bass
Noah Landis – keyboards

 

NEUROSIS „An Undying Love For A Burning World“ Tracklist  & Cover
1. We Are Torn Wide Open
2. Mirror Deep
3. First Red Rays
4. Blind
5. Seething And Scattered
6. Untethered
7. In The Waiting Hours
8. Last Light

 

Source: Vampster

Ist eine Band immer noch die gleiche, wenn man in der Zwischenzeit alle zugehörigen Komponenten ersetzt hat? Zumindest live können wir uns diese Frage im Falle von ANGUS McSIX durchaus stellen, nachdem sich die Gruppe für ihre Konzerte zwischenzeitlich personell komplett neu aufgestellt hat. Immerhin zieht Mastermind Sebastian Levermann (ORDEN OGAN) im Hintergrund nach wie vor die Strippen, was das Unterfangen letztlich weiterhin zusammenhält. Noch haben wir also keine Band des Theseus vor uns.

Nichtsdestotrotz überschattet „Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye“ eine zentrale Frage: Hat ein solch eigenwilliges Projekt nach all dem Trubel um den namengebenden Frontmann noch eine Daseinsberechtigung? Immerhin verabschiedete sich der damals geschasste (Ex)-GLORYHAMMER-Sänger nach nur einem Album bereits wieder in die unbestimmt terminierte Elternzeit – so die offizielle Darstellung. Während eine Rückkehr in den Sternen steht, schreitet das Kollektiv ANGUS McSIX selbstbewussten Schrittes voran: Aus Thomas Winkler wird Sam Nyman (MANIMAL). Aus Angus wird eben der Bruder Adam McSix.

Grundsätzlich besitzt „Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye“ alle Zutaten, die ein kauziges Party Metal-Album braucht
Allein das Warum wirft Fragen auf; an der überbordenden Kreativität Levermanns scheint es tendenziell nicht zu liegen, holte sich der Produzent und Gitarrist doch wie beim letzten Werk seiner Hauptband erneut externe Kompositionshilfe ins Boot. Doch auch die gänzlich in Eigenregie entstandenen Stücke lassen oftmals den entscheidenden Funken vermissen. „Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye“ ist gespickt mit zuckrigen Melodien, mit unverschämt eingängigen Hooklines, doch gleichzeitig so seicht wie ein kunterbunter Samstagvormittagscartoon.

Das allein wäre noch kein Beinbruch, schließlich finden sich ansonsten alle Zutaten, die ein kauziges Party Metal-Album braucht: Namhafte Gäste von RHAPSODY OF FIRE bis FREEDOM CALL füttern die ausgelassene Atmosphäre, während Nyman in seiner neuen Rolle eine ausgezeichnete Figur macht. Dem Frontmann mag das unverkennbare Organ seines Vorgängers fehlen, dafür schmettert er selbst die höchsten Noten im Opener „6666“ mit ordentlich Nachdruck. Dementsprechend ist es fast ein wenig schade, dass ANGUS McSIX die Lead-Stimme hin und wieder mit den begleitenden Chören verschwimmen lassen. („Techno Men“, „Let The Search Begin“).

ANGUS McSIX begehen die gleichen Fehler wie auf dem Debüt
Mit seinem Fokus auf aufbauende Melodiebögen und gelebten Optimismus werkelt „Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye“ zusehends an einer eigenen Identität, begeht dabei allerdings die gleichen Fehler wie das Debüt (2023): Das Schlagzeugspiel in Stücken wie „I Am Adam McSix“, „Starlight Stronghold“ oder „Dig Down“ ist nicht einfach nur simpel, sondern schlicht langweilig, worunter letztlich die Halbwertszeit des Liedguts leidet. Dem Fundament der meisten Titel fehlt es an Details und Variation, wodurch wir uns im kunterbunten Synth-Riff-Tohubwabohu („Ork Zero“) schnell nach neuen Schauwerten umsehen.

Die Suche endet meist jedoch vergeblich, da tanzbare 80er Vibes à la „Dig Down“ aufgrund ihres repetitiven Charakters bald an Faszination verlieren. Hier hätte das eine oder andere Gitarrensolo Wunder gewirkt; dass es davon trotz zweier überaus talentierter Gitarristinnen kein einziges gibt, ist schlicht sträflich verschenktes Potenzial. Dafür hält das eigentlich gelungene „The Fire Of Yore“ ungeachtet der Sinnhaftigkeit eine langatmige Dance-Break bereit.

Die Botschaft scheint eindeutig: ANGUS McSIX wollen mehr sein als ihr schillernder Namenspatron
Was das Erstlingswerk aufgrund des spürbaren Elans noch besser kompensieren konnte, macht sich nun auf Albumlänge deutlich bemerkbar. Weil ANGUS McSIX derselbe unbescholtene Drive fehlt, wird die Band ihrem Potenzial nicht vollumfänglich gerecht. „Angus McSix And The All-Seeing Astral Eye“ ist innerhalb seines Rahmens grundsolide, versäumt jedoch die sinnvolle Weiterentwicklung. Bis zu einem gewissen Grad mag das den umfassenden Besetzungswechseln geschuldet sein, wodurch dem Projekt zwar nicht das Herz, aber Gesicht und Stimme abhandengekommen waren.

Dass man dennoch weitermacht, wollen wir also als Statement werten: Dass selbst eine Band wie ANGUS McSIX mehr ist als sein schillernder Namenspatron. Immerhin ist dem einstigen Spin-off auch eine skurril-lebhafte Fantasywelt entwachsen, deren Konzeptgeschichte nebenbei einen cleveren Ausweg aus dem Theseus-Paradox bereithält, indem sie vergangenen wie gegenwärtigen Charakteren eine gleichermaßen tragende Rolle im Bandkosmos gibt.

Veröffentlichungstermin: 13.03.2026

Spielzeit: 41:53

Line-Up
Adam McSix (Samuel Nyman) – Vocals
The Dwarf (Jasmin Pabst) – Guitars
Thalestris (Thalia Bellazecca) – Guitars
Archdemon Seebulon (Sebastian “Seeb” Levermann / Rafael Dobbs Roa) – Guitars
Ork Zero (Gerit Lamm) – Drums

Produziert von Sebastian “Seeb” Levermann

Label: Napalm Records

Homepage: https://www.angusmcsix.net/
Facebook: https://www.facebook.com/angusmcsix/
Instagram: https://www.instagram.com/angusmcsix/
Bandcamp: https://angusmcsix.bandcamp.com/

ANGUS McSIX “Angus McSix And The All-Seeing Eye” Tracklist

6666 (Video bei YouTube)
The Fire Of Yore (Video bei YouTube)
I Am Adam McSix (feat. Rhapsody Of Fire) (Video bei YouTube)
Dig Down (feat. Van Canto) (Video bei YouTube)
Techno Men (feat. Turmion Kätilöt)
Ork Zero
Starlight Stronghold
Aetheriyja
Let The Search Begin
The Power Of Metal (feat. Freedom Call)
Into Battle

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Progressive Rock aus Kanada: CROWN LANDS bringen am 15. Mai 2026 ihr neues Album „Apocalypse“ raus. Zur zweiten Single „Through The Looking Glass“ hat die Gruppe ein Video produziert.

Den 19-minütigen Titeltrack kann man sich ebenso online anhören:

CROWN LANDS „Apocalypse“ Tracklist & Cover
1. Proclamation I 1:22
2. Foot Soldiers of the Syndicate 4:20
3. Through the Looking Glass 3:45 (Video bei YouTube)
4. Blackstar 4:00
5. The Fall 4:31
6. The Revenants I 5:29
7. Apocalypse. 19:01 (Audio bei YouTube)

 

Source: Vampster

DOMINUM haben ihr drittes Studioalbum angekündigt: „Night Is Calling“ erscheint am 3. Juli 2026 via Napalm Records auf CD, Vinyl sowie digital. Das Werk enthält 13 Tracks, darunter zwei Akustikstücke als Bonus-Dreingabe. Den limitierten Ausgaben liegt zudem das Live-Album „Live At Wacken 2025“ bei.

Ab November folgt dann die Headline-Tournee durch Europa. Mit dabei sind THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA.

DOMINUM „Night Is Calling“ Artwork

DOMINUM „Night Is Calling“ Tracklist
1 The Circus is in Town 2 Doctor Doctor             3 Children Of The Night4 Nosferatu5 Dark Melodies              6 Night is Calling (feat. Battle Beast)7 Jack The Ripper8 Thriller (Michael Jackson Cover)9 Devil’s Son     10 I Don’t Drink Wine    11 Endzeit12 Don’t Get Bitten By The Wrong Ones (Acoustic)13 Hey Living People (Acoustic)

DOMINUM, THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA Tourdaten 2026

24.11.26 FR – Paris / La Machine du Moulin Rouge
25.11.26 DE – Frankfurt / Batschkapp
27.11.26 DE – Hamburg / Grosse Freiheit 36
28.11.26 DE – Leipzig / Hellraiser
01.12.26 HU – Budapest / Barba Negra
02.12.26 AT – Wien / Szene
04.12.26 CH – Pratteln / Z7
05.12.26 DE – Saarbrücken / Garage
06.12.26 BE – Sint Niklaas / De Casino
08.12.26 UK – Manchester / O2 Ritz
09.12.26 UK – Bristol / Bristol Electric
10.12.26 UK – London / Electric Brixton
12.12.26 DE – Oberhausen / Turbinenhalle
13.12.26 DE – Utrecht / Tivoli Vredenburg
15.12.26 DE – Berlin / SO36
16.12.26 DE – Hannover / Capitol
18.12.26 DE – Stuttgart / LKA Longhorn
19.12.26 DE – München / Backstage
20.12.26 DE – Nürnberg / Hirsch

Fotogalerie: DOMINUM – Summer Breeze 2025 – 16.08.2025

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Gefühlt sind Split-EPs ein Medium für die Ü40-Generation – wie passend, dass sowohl LEGBITER als auch NORNA mit ergrauenden Bärten und knittrigen Gesichtern in die Linsen der Kameras schauen. Ein Anachronismus ist diese Split also, die uns weit in den Norden Schwedens führt. LEGBITER sind in Umeå zu Hause, Tomas Liljedal von NORNA in Luleå. Gerade NORNA waren auf diesen Seiten bereits zweimal Thema, und beide Male schmerzte es, dass Liljedal dem Erbe von BREACH nicht mal im Ansatz gerecht werden konnte. In neuem Setting, mit einem Splitpartner, der ebenfalls viel Erfahrung aus dem Hardcore-Underground Nordschwedens mitbringt, wagen sie einen neuen Versuch.

LEGBITERs Ausflug in die Neunziger ist frisch und kraftvoll …
LEGBITER machen den Anfang; drei Songs mit dem brachialen Riffing des Sludge und dem hypnotischen Groove des Noiserock, zusammen mit dissonanten Post Hardcore-Leadgitarren und Indie-Vocals sind nicht unbeding originell, aber der lärmende 90ies Sound der Band kommt frisch und kraftvoll rüber. LEGBITER klingen insgesamt ziemlich schwedisch und passen zu REFUSED und THE (INTERNATIONAL) NOISE CONSPIRACY, aber auch zu den New Yorkern QUICKSAND. Das Songwriting ist einerseits unspektakulär, andererseits bleiben die lakonischen Songs gut ihm Ohr, auch wenn sie nicht dauerhaft Eindruck begeistern. Als Splithälfte gehen „Worms“, „Speedball“ und „Major Motion“ aber absolut in Ordnung.

Im Anschluss haben es NORNA nicht gerade leicht, aber hey: Auf dieser Split finden sich die zwei der besten Songs ihrer bisherigen Karriere. Nach dem eher spröden „Lithany“ zeigt speziell das sechseinhalbminütige, drückende „Eyes Of God“ mit Riffs, die tatsächlich auf einem BREACH-Album hätten stehen können zeigen, dass NORNA ihr Potenzial ausspielen können. „Serpents Of Gold“ mit seinem nervös-dissonanten Leadgitarren bringt zusätzlich etwas Atmosphäre ins Spiel und würgt die Split abrupt und wirkungsvoll ab. Die Instrumente, bestehend aus Gitarren, Bass und Drums sind so zentnerschwer, dass Tomas Liljedals Geschrei in keiner Weise dagegen ankommt. Dieses Anschreien gegen eine übermächtige Wand ist wirklich enorm energiegeladen. Bleibt zu hoffen, dass NORNA den Schwung von „Eyes Of God“ und „Serpents Of Gold“ nutzen, um künftig dieses Niveau beizubehalten.

… während NORNA mit ihrer kompromisslosen Heaviness endlich Akzente setzen können.
Zwei Bands, die stilistisch zwar zusammenpassen, sich aber dennoch gegenseitig erweitern – so macht eine Split Sinn. LEGBITERs Beitrag wirkt sehr lebendig, und so, als müssten sie niemandem etwas beweisen. Die Schweden zeigen selbstbewusst, was sie können, ein gewisses Understatement bleibt. NORNA hingegen sind endlich auf dem Weg, das zu werden, was sie auf den ersten beiden Alben nicht geschafft haben: Die Lektion an Heaviness. Was sie präsentieren, ist zumindest in zwei von drei Songs beeindruckend und zumindest auf dem Niveau von THE OLD WIND. Insgesamt ist die sechs Songs umfassende, knapp halbstündige Split von LEGBITER und NORNA also gerade für diejenigen empfehlenswert, die den Spirit der Neunziger vermissen. Kurz: Eine gelungene Veröffentlichung.

VÖ: 20. März 2026

Spielzeit: 27:56

LEGBITER Line-Up:
Jonas Slove Eriksson
Viktor Ahnfelt
Rickard Lindblom
Rikard Nordström

NORNA Line-Up:
Marc Theurillat – Drums, Samples
Christophe Macquat – Guitars, Bass
Tomas Lijedahl – Vocals, Guitar

Label: Pelagic Records

LEGBITER / NORNA Tracklist:
1. Worms (Official Audio bei Youtube) 
2. Speedball
3. Major Motion
4. Lithany
5. Eyes Of God
6. Serpents Of Gold

Mehr im Netz:
https://legbiter-swe.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/legbiter_swe/
https://www.facebook.com/LEGBITER

https://norna.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/norna_band
https://www.facebook.com/Nornaband

Source: Vampster

Im April des letzten Jahres haben mir ZERRE in Siegen live mal so richtig den Kopf abgeschraubt. Bis dahin kannte ich die Band nur vom Namen, nach dem Konzert war ich Fan und hätte mir gerne das 2024er Album “Scorched Souls” zugelegt, welches zu diesem Zeitpunkt aber nur auf Vinyl erhältlich war. Hier verschaffen Dying Victims Records nun Abhilfe und veröffentlichen “Scorched Souls” Ende März auch auf CD. Zeitgleich, und das ist hier eigentlich die wichtigere Nachricht, erscheint ebenfalls auf Dying Victims auch der Nachfolger “Rotting On A Golden Throne”.

Ist “Rotting On A Golden Throne” nun das zweite oder das vierte Album von ZERRE?
Auf den Promobildern und Texten findet man unterschiedliche Aussagen dazu, das wievielte Album der Band “Rotting On A Golden Throne” nun ist. Auf dem Promobild, welches die Band auch auf Facebook teilt ist vom zweiten Album die Rede, im Text in der Promomail wird der vorgänger “Scorched Souls” wiederum als drittes Album bezeichnet. Richtig ist, dass die Band zwischen 2014 und 2017 bereits zwei Alben veröffentlichte, welche musikalisch wohl noch eher im Hardcore verortet waren. Dann legte die Band anscheinend ne Pause ein, auch auf Facebook gibt es eine Lücke zwischen 2017 und 2022. Mit dem Neustart 2022 gab es ein sehr cooles, neues Logo und die musikalische Ausrichtung ging nun klar Richtung Thrash Metal.

Mit dem Cover der ersten Single “Pigs Will Be Pigs” hat man eine ziemlich coole Hommage an das Cover von KREATORs “Extreme Aggression” geschaffen, musikalisch orientieren sich ZERRE indes eher am amerikanischen Thrash Metal. Als erstes kommen mir die großartigen POWER TRIP in den Sinn, wenn ich “Rotting On A Golden Throne” höre oder auch die ähnlich gelagerten ENFORCED. Nico Ziskas super aggressives, angepisstes Gebrüll steht dem eines Riley Gale (R.I.P.) in nichts nach, Unterstützung kommt in Form häufig platzierter, starker Gangshouts. Auch den einen oder anderen hohen Schrei ala Tom Araya gibt es zu hören.

ZERRE schaffen den Spagat zwischen hohem Aggressions- und Energielevel, spielerischer Klasse und starkem Songwriting
Die beiden Gitarristen beherrschen die hohe Schule des messerscharfen Bay Area Thrash-Riffings in Perfektion, lassen aber auch durch die starke Leadgitarren Arbeit aufhorchen, da sitzt jedes Lead, jedes Solo und alles wirkt durchdacht und nicht einfach so hingeschissen. Das größte Kunststück ist aber, dass ZERRE den Spagat zwischen maximaler Aggression und hohem Energielevel auf der einen und starkem Songwriting auf der anderen Seite schaffen. Jedes Stück auf “Rotting On A Golden Throne” ist clever arrangiert und ein über sieben Minuten langes, super abwechslungsreiches Thrash-Epos wie “Mental Vacation” muss man erstmal auf die Reihe kriegen.

ZERRE feuern auf “Rotting On A Golden Throne” ein Feuerwerk aus Thrash Hits ab!
Aber eigentlich reihen ZERRE hier Thrash-Hit an Thrash-Hit, wirklich jeder Schuss ist ein Treffer. Das ganze Album ist ein einziger Premium-Nackenbrecher voller Killer-Riffs, starker Soli, rasanten Abfahrten und brachialen Mosh-Parts. Ich hatte ja nach dem starken Konzert letztes Jahr durchaus hohe Erwartungen an “Rotting On A Golden Throne”, doch auch diese haben ZERRE mal locker übertroffen und setzen sich somit auf Platz eins Sachen Thrash Metal im bisherigen Jahr. Wer seinen Thrash Metal nicht nur aggressiv aufs Maul sondern gleichzeitig mit spielerischer Klasse und cleverem, effektiven Songwriting mag, der kommt an “Rotting On A Golden Throne” nicht vorbei. Ganz starkes Album!

Veröffentlichungsdatum: 27.03.2026

Spielzeit: 40:50

Line-up:
Nico Ziska – Vocals
Dominik Bertelt – Guitars
Rocco Lepore – Guitars
Tim Müller – Bass
Basti Spahn – Drums

Label: Dying Victims Records

Bandcamp: https://zerrethrash.bandcamp.com
Facebook: https://www.facebook.com/zerre.thrash
Instagram: https://www.instagram.com/zerre.thrash

 

ZERRE „Rotting on a Golden Throne“ Tracklist
01. Intro
02. Pigs Will Be Pigs (Audio bei Bandcamp)
03. Deception of the Weak (Video bei YouTube)
04. Mental Vacation
05. Concrete Hell
06. Rotting on a Golden Throne  (Video bei YouTube)
07. Tin God
08. Killing Taste
09. No Alibi

Source: Vampster

Artist: SonoTitle: MissingGenre: Electro PopRelease Date: 20th March 2026Label: Sono Music

Source: Reflections of Darkness

There are projects that develop – and those that remember. Deep Imagination clearly belong to the second category. With “Come to My Pretty Little Garden”, Thorsten Sudler-Mainz not only takes his world of sound further, but also back to an origin that has never completely disappeared. Somewhere between dark wave and neoclassical, Deep Imagination conjure […]

Source: Orkus

Relive the most unforgettable live moments in our March/April issue with Diary of Dreams – who have lost none of their fire and esprit even after more than three decades and brought Hamburg’s Markthalle to a boil -, Katatonia, who captivated Munich’s Backstage with hammering riffs like thunder and heavy, melancholic melodies, and The Awakening, […]

Source: Orkus

Days of Sorrow were founded in 1981, disbanded at the end of the decade and reformed a few years ago. Find out how this came about and more about “Raptures” – already the second album of their “new era”, as they describe it themselves – in our two-part interview. Orkus: Let’s start at the beginning. […]

Source: Orkus

This large format book presents an unforgettable selection of stunning art and fetish photography taken over the last 10+ years. Killer Heels Photography was awarded BEST PHOTOGRAPHER at the UK FETISH AWARDS in 2022 and 2023. Killer Heels Photography has its very own style, an unmistakable look. Specializing in latex fashion and fetish. “Latex is […]

Source: Orkus

In ihrer ersten Phase von 2008 bis 2012 haben CRUEL FORCE zwei starke Black / Thrash-Alben veröffentlicht, bevor die Band eine Pause einlegte. 2022 waren CRUEL FORCE dann wieder am Start und veröffentlichten im Jahr darauf mit „Dawn Of the Axe“ ihr drittes Album, welches bei mir erst etwas spät aufs Radar kam, letztendlich aber zu den stärksten Alben 2023 gehörte. War man in der ersten Phase der Band noch deutlich rumpeliger unterwegs, haben CRUEL FORCE sich nach der Reunion vom Black in Black / Thrash mehr oder weniger völlig verabschiedet und spielten nun mehr oder weniger klassischen Speed / Thrash Metal. Frontmann Carnivore hat sich von Growls auf deutlich melodisches Shouting verlegt, es gibt jede Menge melodische Leads und Soli und auch die Produktion klingt deutlich professioneller, ohne dabei auch nur in Verdacht zu stehen, zu poliert oder steril zu sein. Man wollte möglichst authentisch nach großer, echter Achtziger Produktion klingen – das ist der Band definitiv gelungen.

CRUEL FORCE haben sich vom leicht rumpeligen Black Thrash zum spielerisch starken Speed Metal gewandelt
Musikalisch klingt „Haneda“ wie der logische Nachfolger zu „Dawn Of The Axe“. Stilistisch bleibt man sich treu, klingt dabei einfach noch etwas ausgereifter und erweitert den Bandsound behutsam. Das anderthalbminütige Intro „The Cross“ baut gekonnt Stimmung auf, bevor CRUEL FORCE mit „Whips A Swinging“ gnadenlos aufs Gas treten. Das Riffing erinnert an frühe KREATOR, Carnivores Shouting und die Soli setzen den melodischen Gegenpol. Angetrieben von Drummer GG Alex ballern CRUEL FORCE straight durch, bis der Song nach zwei Minuten mit einem gekonnten Break überrascht. Aber keine Sorge, es geht zügig weiter, CRUEL FORCE machen keine Gefangenen und nehmen auch bei den folgenden Stücken den Fuß nur mal zwischendurch vom Gas, um die Songs mit melodischen Passagen aufzuwerten. Total geil finde ich das, direkt nach dem ersten Refrain unter die Riffs gelegte Schwerterklirren bei „Swords Of Iron“. Nur eine Kleinigkeit, welche aber von hoher Liebe zum Detail zeugt. Und das gilt für das ganze Album, alle Songs wirken sehr durchdacht arrangiert, vom rumpeligen Geballer der ersten Jahre keine Spur mehr.

„Haneda“ ist ein Fest für Heavy Metal Maniacs! Der zweite Kracher in Folge von CRUEL FORCE!
Wenn man mal ehrlich ist, liegen Welten zwischen den fraglos charmanten und starken ersten zwei Alben und dem, was die Band hier auf „Haneda“ abzieht. Neben dem souveränen, kommandierenden Gesang von Carnivore und dem starken Gitarrenspiel von Slaughter muss ich aber auch mal das überragende Drumming von GG Alex herausstellen. Wenn es sein muss, kloppt der Kerl stur den Beat durch, aber seine breaks und tom rolls sind das Salz in der Rhythmus-Suppe. Nach all dem Gekloppe geben CRUEL FORCE uns mit dem sehr verspielten, abwechslungsreichen Instrumental „Crystal Skull“ etwas Zeit zum Durchatmen und Genießen, bevor bei „Warlords“ wieder der Speed Metal regiert, wenn auch aufgelockert durch diverse Mid-Tempo-Passagen. „Black Talon“ nimmt das Tempo noch mehr raus, werden da gegen Ende etwa die Finger müde? Natürlich nicht, „Titan’s Awakening“ geht wieder gnadenlos nach vorne. Mit dem gut neun Minuten langen Titelsong haben CRUEL FORCE ganz am Ende nochmal ein ganz großes Highlight platziert, ein großes Epos, bei dem von Speed Metal-Abfahren über mächtige Mid-Tempo-Passagen bis zu atmosphärischen Passagen alles am Start ist. Was für ein geiler Abschluss!

Ich bin mir noch nicht sicher, ob „Haneda“ das bereits herausragende „Dawn Of The Axe“ übertrifft oder nicht, beide Alben sind in ihrem Genre absolute Spitze. „Dawn Of The Axe“ war einen Hauch kompakter, „Haneda“ verspielter. So oder so, haben CRUEL FORCE mit ihrem vierten Album erneut ein kleines Meisterwerk geschaffen, welches unter Garantie seinen Weg in meine Jahres-Hitliste finden wird. Echter, authentischer Speed / Heavy Metal auf Weltklasse-Niveau.

Veröffentlichungsdatum: 27.03.2026

Spielzeit: 42:37

Line-Up:
Carnivore – vocals
Slaughter – guitars
Spider – bass
GG Alex – drums

Label: Shadow Kingdom Records

Bandcamp: https://cruelforceofficial.bandcamp.com
Facebook: https://www.facebook.com/CruelForce
Instagram: https://www.instagram.com/cruelforceofficial

CRUEL FORCE „Haneda“ Tracklist
1. The Cross
2. Whips A Swinging (Video bei YouTube)
3. Savage Gods (Video bei YouTube)
4. Sword Of Iron
5. Crystal Skull
6. Warlords
7. Black Talon
8. Titan’s Awakening
9. Haneda

Source: Vampster

Mit „Knowing it Shall Wake“ wird am 24. April 2026 die neue EP der Melodic Death Metal-Band OLYMPUS erscheinen. Es ist der erste Release der Engländer und dreht sich um das Gefühl der Entfremdung und eine tiefe innere Reise der Selbstreflexion. Vorab gibt es mit „Revenant“ einen Video-Clip.

OLYMPUS Line-Up:
Jason Dugal – Vocals
Reece Cash – Bass
Daniel Barratt – Rhythm guitar and BV
Ruaidhri Conroy – Lead guitar
Oz Hassan – Drums

OLYMPUS „Knowing it Shall Wake“ Tracklist
1. Knowing it Shall Wake
2. Emperor
3. Revenant (Video bei YouTube)
4. Out of Reach

Source: Vampster

Die Black / Death Metal-Band ARCHAIC OATH hat mit „Into The Temple Of Light“ einen weiteren Video-Clip ihres kommenden Albums „Determined to Death and Beyond“ veröffentlicht. Es ist der erste Release des belgischen Duos, welches aus Arneriach (MARCHE FUNEBRE) und Lykormas (HEMELBESTORMER) besteht.

„Determined to Death and Beyond“ wird am 24. April 2026 via AOP Records erscheinen. Vorab gibt es auch zu „Forest Of Horrors“ einen Video-Clip.

ARCHAIC OATH Line-Up:
Arneriach (Arne Vandehoeck): vocals, lyrics
Lykormas (Filip Dupont): all instruments, Music

ARCHAIC OATH „Determined to Death and Beyond“ Tracklist
1. Above The Ice
2. Wrath Of The Witches
3. Forest Of Horrors (Video bei YouTube)
4. Requiem For A Doomed Soul
5. Abysmal Ascent
6. Path Of Penitence
7. Into The Temple Of Light (Video bei YouTube)
8. Ye Entrancemperium

Source: Vampster

Die Symphonic Metal-Band VOV hat mit „Drunk At The Opera“ eine neue Single veröffentlicht. Der Song folgt auf die 2025er-Debüt-EP „Rajaton“ nach und erzählt die Geschichte einer alternden Diva, die dem Tod selbst ihren letzten Auftritt darbringt. Der Song bewegt sich zwischen Ironie, Bitterkeit und Selbsterkenntnis und lässt die Grenze zwischen Erhabenheit und Zusammenbruch verschwimmen. Humor und Trauer verflechten sich, während die Protagonistin ihr Glas auf verlorene Liebe, zerbrochene Würde und die Theatralik ihres eigenen Untergangs erhebt.

VOV Line-Up:
Vocals: Karoliina McLoud
Guitar: Teemu Harjunen
Bass, Keyboards & Backing vocals: Sami Halinen
Drums: Juha-Tapio Anttonen

VOV „Drunk At The Opera“ (Audio bei Bandcamp)

Source: Vampster

Die Heavy Rock / Metal-Band LYNX hat nach „Oppressive Season“ mit „Island Universe“ einen zweiten Track ihres kommenden Albums „Trinity of Suns“ veröffentlicht. Es ist nach „Watcher of Skies“ (2021) das zweite Album der Deutschen aus Hessen und das erste (komplette) Album mit Sängerin Amira Zines sowie Gitarrist und Sänger Ioannis Athanasiadis, der den bisherigen Frontmann Marvin Kiefer (BLIZZEN) ersetzt.

„Trinity of Suns“ wird am 24. April 2026 via Dying Victims Productions erscheinen.

LYNX Line-Up:
Amy Zine – Vocals, Synthesizer
Tim Künz – Guitar, Synthesizer
Ioannis Athanasiadis – Guitar
Phil Helm – Bass
Franz Fesel – Drums

LYNX „Trinity of Suns“ Tracklist
1 Voyager
2 Oppressive Season (Audio bei YouTube)
3 Trinity Of Suns
4 Parhelia
5 Stranger Sign in the Sky
6 Seven Days of Darkness
7 Island Universe (Audio bei YouTube)

Source: Vampster

Anja Huwe walked onto the stage at Le Poisson Rouge on Bleecker Street in Manhattan looking like she had just stepped out of some glamourous midnight ambush: fluffy black jacket, leather pants, killer heeled boots, and those famous ice-blue eyes staring out over the room with the kind of cool, electric poise that can still make a crowd forget its own name. This was the triumphant kickoff of her first North American tour in forty years…which is the sort of sentence that sounds unreal even when you’re standing there watching it happen, drink in hand, shoulder to shoulder with a room full of devotees.

Photo: Alice Teeple
Photo: Alice Teeple
After a thrilling intro, the band tore into Boomerang, and just like that, all historical reverence got kicked to the curb in favour of the far better business of being gloriously, physically present. Huwe sounded as robust as ever, particularly considering she was fighting off a bad cold, and there was something almost absurdly thrilling about hearing her voice. Huwe proved her legacy was never preserved in amber or propped up by nostalgia; nor gingerly handling old glories like museum pieces, but alive, kicking, and swinging a belt around the stage.

Photo: Alice Teeple
Flanked by Mona Mur, the set moved beautifully between material from Codes and the Xmal Deutschland canon, making a convincing case that this wasn’t some heritage lap or victory crawl through old headlines. Songs like Living in the Forest, Pariah, Exit, and Rabenschwarz carried the newer material with a fierce, tensile grace, while Xmal staples like Geheimnis, Allein, Young Man, Augen-blick, Eisengrau, Autumn, Polarlicht, Incubus Succubus, and Qual arrived like dispatches from a parallel era where post-punk could still sound dangerous, theatrical, and weirdly elegant all at once. Eden, the Mod Con cover, slipped in like a sly little detour, and Sleep With One Eye Open had the room leaning forward as if the floor itself had become conductive.

Photo: Alice Teeple
Huwe, who stepped away from music after Xmal Deutschland’s distinguished run to focus on visual art and painting, has spoken about being haunted for years by the legend of the band and by endless requests to return, all of which she refused until recently. Maybe that’s part of what made this show feel so exciting and fresh: there was none of that grim ceremonial duty that so often dogs long-awaited returns. She was genuinely delighted to be there, dancing, trading energy with her bandmates, cracking little jokes with the audience before snapping back into business with the easy authority of one who knows exactly how much mischief and majesty a room can take.

Photo: Alice Teeple
At one point, she brought out a Polaroid camera and started taking photos of the audience, handing the pictures out to ecstatic fans like party favours from a beautifully strange aunt who had just descended from another dimension. Sacred Bones cohorts were spotted in the crowd, appropriately reverent but also visibly thrilled, because Codes, her first solo album for the label, has helped complete this restoration in a wonderfully organic way.  That record, shaped in collaboration with Mona Mur and sharpened by the return of Manuela Rickers’ guitar presence, carries the same hard emotional line that always made Huwe so powerful. Live, you could hear that continuum clearly: the old material still bristling, the newer songs seamlessly blending in perfectly.

Photo: Alice Teeple
Photo: Alice Teeple
Photo: Alice Teeple
Photo: Alice Teeple
By the end of the night, Huwe admitted she was having some vocal trouble, and you could hear the strain around the edges. But then came the encore, Orient, followed by a second run through Mondlicht, and if there was any fragility in the moment, it only made everything hit harder. The audience happily, loudly and gratefully erupted in pogo dancing and a delightful singalong.

Anja was then generous enough to spend the end of the evening signing treasures and taking selfies with her fans. It was truly heartwarming to behold.

Photo: Alice Teeple
Listen to Codes below and order the album here.

Codes by Anja Huwe

Catch Anja Huwe on tour through the rest of March and early April:

March 21, 2026 — Chicago, IL — Epiphany Center for the Arts — Tickets
March 22, 2026 — San Francisco, CA — Great American Music Hall — Tickets
March 25, 2026 — Los Angeles, CA — 1720 — Tickets
March 28, 2026 — Mexico City, MX — Mesones72 — Tickets
March 29, 2026 — San José, Costa Rica — Amon Solar — Tickets
April 1, 2026 — Costa Rica – Ardan Goth Festival
April 3, 2026 — Lima, Peru
April 4, 2026 — São Paulo, Brazil

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Source: Post-Punk.com

Beacon of foul light carry us forth into the great beyond

The veil is lifted, black light spilling

Burning obsidian star 

Athens has always seemed like the sort of city where the old gods might still be loitering behind the clubs, smoking clove cigarettes and waiting for somebody to plug in a guitar loud enough to wake the Kraken.  On Burning Obsidian Star, Greek goth rockers Reflection Black come on like alchemists turning ritual into rhythm, hauling myth, mortality, and a little metal-bred menace.

Too many bands dabble in the occult like they bought the Cliff’s Notes for The Lesser Key of Solomon. Reflection Black sounds like they have actually spent some time in a dungeon with these ideas, letting them stain the walls and seep into the songs. The whole album carries itself with conviction, but not the kind that turns pompous and topples over under its own robes.

Reflection Black have influences all over the place: The Sisters of Mercy, The Damned (particularly in their Phantasmagoria era), The Mission, a little of that newer cemetery-club cool, and yes, some steel in the spine from older metal, but they never sound like record collectors playing dress-up. They sound hungry, focused, and a little dangerous in the way all good gothic rock should.

Dreams Fade to Nothing opens the album with the kind of hook that knows exactly how to plant itself in your head and redecorate. From there, the band move with a cool, deliberate gait, letting the guitars carve sharp lines while the synths mass in the distance like storm fronts over stone ruins. The rhythm section keeps everything taut and driving, never overplaying, never wandering off in search of some grand statement. That discipline gives the songs their force. Nobody is showing off for the mirror; they are too busy building the mood and keeping it alive.

The Architect in Slumber reaches into Lovecraftian dread without turning into costume drama, which is harder than most groups seem to realize. It has scale, it has pressure, and it has a voice at the center that lands with enough gravity to keep the whole thing from floating off into gothic pageantry. The title track is where the album really bares its teeth.

Burning Obsidian Star swings harder, drags in blackened edges, and gives the band room to show how comfortably they can move between post-punk tension and heavier instincts without sounding confused about who they are. It is a hymn for people who’d kiss the apocalypse on the mouth and call it communion. These lyrics turn annihilation into ascension, with fire as sacrament and the black star as cruel saviour. Flesh chars, blood boils, mouths fill with ash, and somehow the whole damned thing still glows with ecstatic purpose.

Alex offers insight into the theme of Wonders of Night: “Nyx…according to Orphic Theogony, is a primordial force from which the universe has spawned. She is considered the mother of several divine beings, but also breeds a number of primordial negative forces like Thanatos, Nemesis and Eris.” In that lineage, the song finds its gravity. It carries the sense of standing before something older than doctrine, older than daylight.

Burning Obsidian Star is a strong, fully formed album by a band that seem to know exactly where they’re headed, even if the destination happens to be a boat ride with  Charon to the underworld.

Listen to Burning Obsidian Star below and order the album here.

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Born oceans apart and now based in Prague, Kaan and Mindolé have made the sort of record that feels designed for twilight hours and private reveries. Odd Little Thrills work with atmosphere, certainly, but there is also real finesse in Happy Together, a song that enters quietly and settles in with confidence, carried by a steady beat, soft-focus guitars, and an intimate mood.

The duo describes their transcontinental chemistry as sounding “like faded VHS tapes of half-remembered dreams,” and it is one of those rare self-descriptions that actually rings true. The drum pattern keeps everything gently in motion while the guitars wind around it with a subtle eastern inflection, and the vocals arrive in a hushed, reverberating tone that never overwhelms the arrangement. Happy Together unfurls the quiet power of warmth and restraint.

You can hear traces of Boy Harsher in the ominous pop pull of it all, and a touch of Morcheeba in the unhurried, down-tempo sensuality. There are also moments that call to mind Beth Orton, Moby, Cocteau Twins, and Sarah McLachlan, especially in the softness of the vocal presence and the way the song carries emotion without overselling it.

The red-tinged video deepens that feeling, wrapping the track in a muted glamour that fits it beautifully. Split screens pass like fractured memory, dark visions unfold in the club, and a rush of symbols keeps surfacing and slipping away: flashes of nature, hands clutching a rope, a scene by the lake, a guitar held by a tree, tunnels giving way to huge open landscapes. Watching it feels a bit like being dragged along on tour with the band through a beautifully unsteady fever dream, half-documentary, half-delirium, with every image arriving charged and slightly out of reach.

Watch Happy Together below:

The EP, There Was, There Wasn’t, carries that same duality throughout. The press notes describe “simultaneous, layered timelines travelling together yet apart, like parallel trains,” and in this case, the image fits. The music holds contrasting sensations in delicate balance: closeness and distance, comfort and unease, tenderness and tension. The cool throb of the drum machine, the textured percussion, and the dreamlike drift of the guitars give the songs a feeling of movement through memory, as though past and present are brushing against one another in real time.

This is a track equally at home in a Berlin basement party, in a coffee shop sipping a lavender latte, or stretched out on the couch with a beer and a cigarette. Odd Little Thrills are elegant, alluring, and quietly affecting, a debut that moves with grace and leaves a gentle impression.

Listen to There Was, There Wasn’t, out now via Pity Party Records, below:

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Born oceans apart and now based in Prague, Kaan and Mindolé have made the sort of record that feels designed for twilight hours and private reveries. Odd Little Thrills work with atmosphere, certainly, but there is also real finesse in Happy Together, a song that enters quietly and settles in with confidence, carried by a steady beat, soft-focus guitars, and an intimate mood.

The duo describes their transcontinental chemistry as sounding “like faded VHS tapes of half-remembered dreams,” and it is one of those rare self-descriptions that actually rings true. The drum pattern keeps everything gently in motion while the guitars wind around it with a subtle eastern inflection, and the vocals arrive in a hushed, reverberating tone that never overwhelms the arrangement. Happy Together unfurls the quiet power of warmth and restraint.

You can hear traces of Boy Harsher in the ominous pop pull of it all, and a touch of Morcheeba in the unhurried, down-tempo sensuality. There are also moments that call to mind Beth Orton, Moby, Cocteau Twins, and Sarah McLachlan, especially in the softness of the vocal presence and the way the song carries emotion without overselling it.

The red-tinged video deepens that feeling, wrapping the track in a muted glamour that fits it beautifully. Split screens pass like fractured memory, dark visions unfold in the club, and a rush of symbols keeps surfacing and slipping away: flashes of nature, hands clutching a rope, a scene by the lake, a guitar held by a tree, tunnels giving way to huge open landscapes. Watching it feels a bit like being dragged along on tour with the band through a beautifully unsteady fever dream, half-documentary, half-delirium, with every image arriving charged and slightly out of reach.

Watch Happy Together below:

The EP, There Was, There Wasn’t, carries that same duality throughout. The press notes describe “simultaneous, layered timelines travelling together yet apart, like parallel trains,” and in this case, the image fits. The music holds contrasting sensations in delicate balance: closeness and distance, comfort and unease, tenderness and tension. The cool throb of the drum machine, the textured percussion, and the dreamlike drift of the guitars give the songs a feeling of movement through memory, as though past and present are brushing against one another in real time.

This is a track equally at home in a Berlin basement party, in a coffee shop sipping a lavender latte, or stretched out on the couch with a beer and a cigarette. Odd Little Thrills are elegant, alluring, and quietly affecting, a debut that moves with grace and leaves a gentle impression.

Listen to There Was, There Wasn’t, out now via Pity Party Records, below:

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History has a way of arriving late, wearing a better coat than expected, speaking more clearly than it ever did the first time around. Post-punk had to persist through an era that preferred certainties, big choruses, tidy myths, and the reassuring repetition of power. It waited while innovation was treated as an inconvenience, while openness shrank under the long shadow of Thatcher and Reagan. The genre’s sharp ideas survived anyway, underground, uncredited, misfiled. Time did its quiet work. The record racks rearranged themselves. Former underdogs rewrote the syllabus. Suddenly, nobody remembers when Styx towered over The Cure…and that’s being polite.

You would think the excavation was finished by now, the maps redrawn, the vaults emptied. We would have said as much confidently until recently, when a lost band called Entracte resurfaced.

The group developed within the orbit of tLondon’s fertile post-punk scene in the late 1980s, recording a substantial body of material that, for reasons still half-buried in the usual chaos of band life, never saw release at the time. Much of Entracte’s history remains tangled in comings and goings, but the core of the band centered around guitarist Alberto Umbridge, vocalist Sharon Quinn, and drummer Graham “Dids” Dowdall. If Umbridge’s name rings a bell, it may be because he was also the conduit through which Tiny Global Productions earlier unveiled the debut collection of lost studio recordings by ex-Siouxsie and the Banshees guitarist John McKay.

That silence has now been broken by Imbalance, released by Tiny Global Productions: an album-length CD paired with an A5 booklet of lyrics, history, and artwork. The release also carries a contribution from Linder Sterling, whose image Irina, a striking 1930s-inspired piece, fronts the package. The connection is not incidental. Dowdall, who passed away last year, played with Ludus, the avant-garde project Linder founded, and his long career also included work with Nico, Cabaret Voltaire, Pere Ubu, and John McKay.

There is no tidy legend waiting to be dusted off here, no ready-made mythology polished for reissue culture. But the missing paper trail only sharpens the intrigue. Entracte recorded roughly thirty songs across the late ’80s, and what survives feels both assured and strangely untouched. The band experimented with a wide range of rhythms and textures, likely absorbing some of the period’s expanding access to African and Middle Eastern musical forms. You can hear that openness in the songs: guitar lines that hint at highlife, patterns that bend away from rock orthodoxy, and arrangements alert to movement rather than mere mood.

Imbalance is arresting in that it arrives so fully formed. The record carries world-weariness without sinking into grey habit. Bowie and Kraftwerk hover somewhere in the background, particularly in the poised, slightly futuristic tension of the arrangements, but Entracte never feels derivative. Their music suggests a wider listening life, one shaped by the art, personalities, and collisions that made Manchester such a vital breeding ground at the time. It belongs to that moment, certainly, yet it also slips past it.

Umbridge himself puts it plainly: “I dug out the tapes and began listening, I was shocked. The more I heard, the more I realised our material was indeed as I’d once imagined, and it did stand the test of time.”

It is easy to understand that surprise. The band’s range feels unusually wide, their focus unusually steady. The ideas stretch across territories associated with Siouxsie and the Banshees, Magazine, Malaria!, and The Sound, without collapsing into homage. There is a shared discipline closer in spirit to the restraint of Young Marble Giants or the precision of Wire, a sense of a private post-punk language worked out in full. Even cult favourites like The Chameleons or The Passions can seem narrower by comparison; Entracte’s palette covers more ground, and does so with a rare combination of immediacy, charm, and formal curiosity.

These recordings were made on limited means, yet they arrive fully intact, their ideas unembarrassed by age. Sharon Quinn sings with clarity and presence, never overplaying the songs’ emotional intelligence. Umbridge’s guitar finds light in unexpected places. Dowdall, meanwhile, anchors the material with a restless, responsive intelligence that helps explain why the record never settles into any one school or formula for too long.

Perhaps being shelved for a few decades is part of the appeal now. Imbalance arrives without inherited hype, without nostalgia demanding obedience. It sounds new because its ideas remain generous and open, and because so much of what once slipped past the official story now returns with greater force. This is not merely a curio rescued from storage. It feels like a genuine correction.

And there is more to come. Tiny Global is already at work on a second volume, suggesting that Entracte were not a minor footnote but a body of work substantial enough to keep unfolding. For a band that left no public trace for decades, that feels less like an archival afterthought than the beginning of a belated life.

This is an astonishing recovery: a truly lost band, invisible for nearly four decades, resurfacing intact and strangely ahead of schedule. Dare we say it: a new cult favourite, arriving from the past.

Listen to Imbalance below and order the album here.

Imbalance by Entracte

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Vermin’s attack
Choking me up
Breaking my teeth
Bottomless pit

Put yourself in a moment that exists just before panic fully picks the lock when the body still tries to behave politely. It takes another breath. It squares the shoulders. It pretends this is manageable. Breaths by Valisia Odell lives in that awful little interval, when the machinery starts misfiring, and you realize your own flesh has joined the opposition. From the start, the track tightens around you with cool precision, turning bodily distress into a sleek, severe stomper.

Breaths treats the body as altar and assembly line at once, and Valisia’s deep, commanding voice carries that contradiction beautifully. She sings like someone delivering bad news with ceremonial calm, which is always more unnerving than a lot of theatrical flailing. Her performance has presence, real presence, the kind that makes every phrase feel pressed into metal and breathed across glass. Around her, Aristomenis Theodoropoulos builds a lean, punishing framework of beats and synth lines that stalk rather than decorate. The arrangement keeps tightening the screws without ever lapsing into clutter. It knows exactly how much pressure to apply and how long to keep the room sealed.

What a deliciously physical song this is. So much music talks about the body in grand symbolic terms, as though skin and bone were just props in some graduate seminar on desire or decay. Breaths gets much closer to the bone than that. It understands panic as a real event with consequences. The mouth dries out, the limbs go strange, the chest turns traitor, and suddenly your own organism is behaving like a hostile state. That sense of internal sabotage runs through the whole track. The lyrics suggest infestation, collapse, and helpless descent, but the song itself certainly never feels limp. Quite the contrary, it’s the kind of track that compels you to get up and shake your molecules.

The video’s salute to early EBM anatomy worship, set in (where else?) a gym, suits the track perfectly. There has always been something wonderfully perverse about that tradition, all those musicians treating the body with equal parts reverence and clinical curiosity, as though a nightclub could double as a laboratory or chapel depending on how the lights hit. Valisia Odell understands that old instinct and puts fresh voltage through it. Here, mirrors turn the room into an endless chamber of scrutiny, doubling every flex and gesture until even routine exertion starts to feel like ritualized evaluation. Valisia, all long black hair and severe composure, moves through the space with commanding intensity, while Aristomenis Theodoropoulos, stationed at the synths in sunglasses and a sharp suit, hovers nearby with cool detachment, as if observing an experiment already underway. Around them, bodybuilders pose in deliberate symmetry, machines loom like instruments of discipline, and the camera lingers on muscle, breath, strain, and display until the whole thing starts to feel less like a workout than a ceremony of control pressed to the edge of collapse.

Watch Breaths below:



Listen to Breaths below and order Shadow of a Dream here.

Shadow of a Dream by Valisia Odell

Breaths, from Shadow of a Dream, lands with force because it knows fear is never abstract when it enters the bloodstream. It is intimate, humiliating, mechanical, and weirdly rhythmic. This duo make that truth sound elegant and a little dangerous…perfect for dark rooms and racing hearts.

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Source: Post-Punk.com

Susurration comes charging out of the speakers like a basement full of bad ideas, finally finding the right voltage. On Break Me Down, the Swiss outfit takes the cold command of EBM, the blunt-force pleasure of industrial metal, and the high-wire drama of darkwave, then jams the whole glorious contraption into overdrive until it spits sparks across the room. There is nothing timid about this thing. It moves with the mean little grin of a track that knows exactly where the body gives in, where resistance turns to appetite, where the dancefloor and the dungeon suddenly look like neighboring rooms in the same beloved dive.

The song slaps (pun intended) harder than a lot of genre exercises because susurration understands force as theater as much as attack does. The beat lands like a boot heel on concrete, the synth lines race forward with that tense, breath-shortening momentum, and the guitars come down in slabs, thick and hot and heavy enough to make the whole structure feel gloriously overbuilt. Yet inside all that pressure, there is play. You can hear it in the way the groove keeps teasing release without letting the listener get comfortable, and in Jessy Bäsecke-Beltrametti’s gritty voice, which cuts through the clamor with sharpened conviction.

There is history behind this charge. Susurration began back in 2010 as Bäsecke-Beltrametti’s solo vehicle, and over time it has mutated into a full-band machine, with Dave Wieser on drums, Hannes Bachofner on keyboards, and Michael Hirst and Sabina Brunner on guitars. You can hear the chemistry all over Break Me Down. The rhythm section gives the song its muscular lurch, the keys needle and taunt, and the guitars slash through the track with delicious menace. It feels less like a polite merger of styles than a gang takeover.

The video, directed by Jess Baumgartner, gives the track its deeper kick. Break Me Down centers free sexual expression and frames submissive sexuality not as shame, spectacle, or cheap provocation, but as power claimed in plain view. The accompanying video leans into BDSM and fetish imagery: candle wax, bondage, light flogging, the whole after-hours catechis – and presents it with an air of celebration rather than apology.

For a queer-feminist band led by a non-binary singer, that matters, and it lands with force because the politics are alive inside the pulse of the song rather than stapled onto it afterward. As the band puts it, “For us this kind of representation and inclusion is one of the main goals of susurration.” Here, they make good on that promise with all the joy, danger, and bodily release such a statement deserves.



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Photo by Jonathan Hagos/Artwork by Lea Rabenschwarz
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Source: Post-Punk.com

Dass Mulberry Sky sich nicht einfach in irgendwelche Genre-Schubladen stecken lassen, sondern viele verschiedene Facetten haben, stellen sie mit ihrer neuen Single „Lion Queen“ erneut unter Beweis. Im Vergleich zu ihrer letzten Single Creature wird es diesmal deutlich Funkier.Watch out! Here comes the lion queen! A majestic creature like you’ve never seen!Inspiriert von ihrer eigenen …

Source: Dark News

Die vierköpfige bayerische Rockband Raygun Rebels haben ein Pandemie-konformes Video zu ihrer neuen Single „Hold On (to the good times)“ released. Der Song macht einem gleich trotz Lockdown-Blues wieder gute Laune und lässt einen das Licht am Ende des Tunnels sehen. Überzeug Euch hier selbst davon: Website: http://www.raygunrebels.comFacebook: http://www.facebook.com/raygunrebels Instagram: http://www.instagram.com/raygun_rebels

Source: Dark News

Die Musik-Kollaboration Hellfield Conspiracy, die im Süden Bayerns beheimatet ist, ist erneut auf Zombiejagd dieses Mal mit internationalen Verstärkung von Eric13 (Sex Slaves / Combichrist). Die Pandemie haben Stefan Landinger und Co. genutzt um nach vorne zu schauen und haben in verschiedensten Besetzungen, wie schon bei ihrem ersten Album „The Awakening“, Musik komponiert und produziert.Gerade …

Source: Dark News

Was Wäre Wenn – Wenn die Menschheit einem Irrglauben erlegen ist und die Götter der Antike keine übernatürlichen Wesen mit transzendenter Macht waren, sondern Abgesandte anderes Lebens unseres Universums, Besucher die unseren Glauben gelenkt haben? Wenn das Element 115 ( Moscovium ) nicht nur ein unfertiges, künstlich erstelltes Element wäre, sondern schon in der Area …

Source: Dark News

Seit 2007 gibt es die Band Rosa Nocturna aus Brünn in Tschechien. Bisher wurden 3 Studio-Alben produziert, mit denen es die Band zu einer gewissen Bekanntheit in ihrem Heimatland gebracht haben. Der Fokus der Symphonic-Metal-Band liegt klar auf eingängigen Melodien und so können die Songs auf Tschechisch auch Fans erreichen, die dieser Sprache nicht mächtig …

Source: Dark News