Die Metalcore-Band GREAT AMERICAN GHOST hat im Frühjahr 2024 einen Plattenvertrag mit SharpTone Records abgeschlossen. Um den Deal zu feiern, teilte die Gruppe die Single “Hymn Of Decay” mit einem Musikvideo bei YouTube. Anschließend folgte zum Track auch ein Live-Mitschnitt, den man sich ebenfall via YouTube ansehen kann.

Mit dem Musikvideo “Forsaken” legte man im Juli 2024 ein weiteres neues Stück nach. Jetzt haben GREAT AMERICAN GHOST verraten, dass beide Stücke Teil des neuen Albums “Tragedy Of The Commons” sein werden, welches am 31. Januar 2025 auf CD, Vinyl sowie digital erscheinen wird. Ebenfalls darauf zu finden ist die neue Auskopplung “Lost In The Outline“.

Zuvor veröffentlichte die Gruppe die EP “Torture World” (2022).

GREAT AMERICAN GHOST “Tragedy Of The Commons” Tracklist

Kerosene
Echoes of War
Lost In The Outline (Video bei YouTube)
Forsaken (Video bei YouTube)
Ghost In Flesh
Writhe
Genocide
Hymn of Decay (Video bei YouTube)
Chapel Paralysis
Reality/Relapse
God Is A Loaded Gun

Source: Vampster

Die Doom / Stomer Metal-Band WARPSTORMER veröffentlicht am 29. November 2024 ihr selbstbetiteltes Debütalbum via London Doom Collective auf CD, Vinyl, Kassette sowie digital. Wie sich die Platte anhört, verrät die erste Single “Oracle” im Stream bei bandcamp.

Produziert wurden die sieben Stücke von Wayne Adams. “Warpstormer” folgt auf die EP “Here Comes Hell” (2022).

WARPSTORMER “Warpstormer” Tracklist

Black Herald
Oracle (Audio bei bandcamp)
Cursed, Cold
Beyonder – i. A Cry Towards the Light; ii. Ash & Rust
A Liar’s Crown
Fester
The Edge of Time

WARPSTORMER Line-up 2024
Richard J Morgan – Vocals
Simon Doggett – Bass, Vocals
Adam Davies – Guitar
James Loh – Drums

Source: Vampster

With “Christian & Mauro”, Teho Teardo & Blixa Bargeld present their third album together, which was released today. The album title is their real first names and thus the two refer to the very personal atmosphere that prevails in the work. It is not always possible to discover new territories without losing sight of the […]

Source: Orkus

It’s all bittersweet you mysteriously
Break me to the bone
The tears that you cry pain’s passion desire
All I need is more
If love can’t outlast the grave, then what’s the point of it all? Los Angeles goth outfit The Sweet Kill, helmed by Pete Mills, stands as a gothic-rock tour-de-force, a dark presence in a world of cold wave synths and brooding guitars. With his smooth baritone, Mills guides the listener through a bleak sonic terrain stretching over wind-swept moors and past crumbling Gothic ruins. His voice, like a haunting refrain, pulls at the heartstrings, evoking the desolate beauty of a long-lost romantic era.

Mills channels a sorrow that cuts to the bone, drawing comparisons to Sisters of Mercy, The Cult, and London After Midnight. The guitars rumble like distant thunder, while the synths pulse steadily, cold and unyielding, as Mills sings with the weight of a man who knows heartbreak too well. The Sweet Kill delves deep into the darker chambers of the soul, where despair and longing collide.

His latest single, Blood Red Roses, offers a tale of love as both a blessing and a curse, a lover’s spell that binds and breaks. The lyrics speak of the painful grip of desire, where passion cuts deep, and the roses bloom with both beauty and brutality. It’s a song of torment, of being bound to a love that wounds as much as it seduces. The heart, though shattered, is drawn ever closer to the sweet destruction.

Lyrically, ‘Blood Red Roses’ weaves a rich tapestry of religious themes and metaphors, invoking the crucifixion—the ultimate act of sacrifice—and the unwavering faith in resurrection. In the realm of gothic literature, parallels are drawn between the holy communion in blood and the dark covenant of iconic vampires like Nosferatu, Dracula, and Vourdalak. Legends recount how those who witnessed such haunting spectacles etched their tales into history, whispering of eternal life.

In this context, roses—deep crimson and tinged with blood—become powerful symbols of a love forged in sacrifice. The inspiration for writing Blood Red Roses emerged from a serene moment of introspection, its haunting hook taking shape during a meditative moment when frontman Pete Mills drifted beyond time into a spiritual plane. The themes explored in the track also delve into a toxic love that spirals into depravity yet clings desperately to the flicker of hope for rebirth and redemption—all things part and parcel regarding religious fervor and pacts sealed in blood.

The video for the song, inspired by Denis Villeneuve’s Dune adaptation—particularly the infrared scenes of Feyd-Rautha (Austin Butler) in the arena—was shot by Ellen Hawk. It showcases Mills’ multi-instrumental talents and mirrors the song’s intensity, capturing the complex emotions at the heart of Blood Red Roses.

Watch the video for “Blood Red Roses” below:

Shadow Zone Sound, Mills’ own recording sanctuary, is where all of The Sweet Kill’s dark creations come to life. Both Darkness (2023) and Nowhere (2024), released under Germany’s Young & Cold Records, bear his unmistakable mark. Mills muses on Nowhere, “It questions the soul’s journey between life and death—are we adrift in the ether, or are we forever found, never truly lost?”

With Blood Red Roses, released on Shadow Zone Records (USA), Mills ushers in the autumn season, its themes as chilling and bittersweet as the fall itself. This release hints at a new album waiting in the wings for 2025, promising more of Mills’ reflections on love, loss, and the fleeting nature of existence. His studio, much like his music, is a vessel for exploring the darker edges of the human condition—where every note, every lyric, searches for meaning in the spaces between life and the infinite unknown.

Blood Red Roses is out now. Order Here

Blood Red Roses by The Sweet Kill

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Source: Post-Punk.com

  Glasgow-based independent imprint Night School Records has announced a deluxe reissue of Sleep Now Forever, the second and final album by Sorrow. Founded by Rose McDowall in 1993 with then-husband Robert Lee, Sorrow marked the Scottish musician’s primary music outlet after the dissolution of Strawberry Switchblade [..]

Source: RE:GEN Mag

Es genügt dieser Tage ein Blick in die Nachrichten, ein kurzer Ausflug in die sozialen Medien, um jeglichen Sinn infrage zu stellen. Wäre es angesichts des Leids und der Schrecken, die uns dort begegnen, nicht besser, wenn alles morgen schon ein Ende hätte? Den letzten Sargnagel schlagen wir uns doch unweigerlich selbst ein. Zynisch könnte man da den Ansatz FIT FOR AN AUTOPSYs nennen, die sich einer aus den Fugen geratenen Welt entgegenstemmen, indem sie den Finger in die Wunde legen; indem sie aussprechen, was ohnehin schon sicher scheint. Wir sind die Architekten unseres sicheren Untergangs, scheint die Botschaft des verbitterten Titelstücks zu sein.

Dieser Frust und dieser Zorn spiegelt sich folglich auch im Gesamtkontext von „The Nothing That Is“, das die Deathcore-Speerspitze mal ungezügelt und kompromisslos zeigt, bevor sie im nunmehr siebten Anlauf doch immer wieder überraschend eingängige Akzente einstreuen lässt. Den dezent proggigen Touch des Vorgängers „Oh What The Future Holds“ (2022) tauschen FIT FOR AN AUTOPSY daher gegen präsentere Melodieführung, welche Fronter Joe Badolato durch gelegentlichen Klargesang forciert. Das ist zwar nicht komplettes Neuland für die US-Amerikaner, doch in dieser Prominenz sicherlich unerwartet.

“The Nothing That Is” zeigt, wie variabel FIT FOR AN AUTOPSY als Songwriter agieren können
Immerhin: Das Experiment geht auf, wie der beflügelte Refrain des Openers „Hostage“ beweist, wo sich das Gespann im Schnelldurchgang durch all ihr handwerkliches Repertoire spielt. Ein wenig GOJIRA schwingt hier mit, paart sich mit catchy Singalongs und genretypischer Durchschlagskraft. Gedämpft wird jene einzig durch Will Putneys Produktion, welcher selbstverständlich US-typisch auf ein massives Fundament setzt, doch die Dynamik im Gegenzug etwas stiefmütterlich behandelt.

Je nach Hörgewohnheiten kann das ermüdend wirken, wobei sich mittelfristig doch die einzelnen Stücke deutlich genug voneinander abgrenzen können. So erinnert „Spoils Of The Horde“ auszugsweise an spätere WHITECHAPEL, wohingegen nicht einmal THY ART IS MURDER den Groove von „Weaker Wolves“ mitreißender hinbekommen hätten. Das flotte „Savior Of None / Ashes Of All” wiederum übersetzt rastloses AT THE GATES-Riffing in den bandeigenen Kosmos, was letztlich ebenfalls hervorhebt, wie variabel FIT FOR AN AUTOPSY mittlerweile als Songwriter agieren können – zumal das Stück im weiteren Verlauf so manche Wandlung durchleben darf.

FIT FOR AN AUTOPSY-Sänger Joe Badolato beeindruckt durch seine Variabilität
Stets an vorderster Front agiert natürlich Sänger Joe Badolato, dessen Performance auf „The Nothing That Is“ so variabel wie mächtig ausfällt. Mit Zug nach vorne flankiert der Shouter die Strophen in „Lurch“, streut zwischendurch einige gezielte Fry-Screams im Stile Sam Carters (ARCHITECTS) ein, um dann mit dem schleppenden Break die massiv drückenden Growls in nahezu bodenlose Regionen zu steuern.

Die selbst in diesen Extremen hindurchschimmernden Emotionen sind gut investiert, schließlich scheuen sich FIT FOR AN AUTOPSY weder vor gesellschaftskritischen („Lower Purpose“) noch politisch aufgeladenen Themen. Dass im musikalisch starken „Red Horizon“ die humanitäre Krise im Gaza-Streifen in den Fokus rückt, ist daher so mutig wie konsequent. Aus Sicht der dortigen Zivilbevölkerung schildert das Sextett die erlebten Schrecken mit vielen symbolträchtigen, doch auch einigen kontroversen Zeilen.

Mit “Red Horizon” begeben sich FIT FOR AN AUTOPSY lyrisch auf dünnes Eis
„Curse you all, beasts of Zion”, heißt es dort etwa im Refrain, bevor das Stück mit dem brisanten Ausruf „From the river to the sea!“ schließt. Obschon Will Putney auf Nachfrage die erstgenannte Zeile nicht auf das Volk Israel allgemein, sondern lediglich auf die Invasoren, und letztere ausschließlich als „Appell für Frieden“ verstanden haben möchte, ist der Kontext im Falle von „Red Horizon“ keinesfalls so „klar“ wie vom Mastermind gedacht.

Völlig auszublenden, dass eben auch die Terrororganisation Hamas im Sinne antisemitischer Bestrebungen jenes Schlagwort für sich beansprucht, ist im Mindesten unreflektiert, naiv und achtlos; ganz besonders noch aufgrund der in diesem Fall einseitigen lyrischen Perspektive. Bedauerlich ist das insbesondere, da die Band mit dem Stück – statt wie nun zu spalten – eigentlich noble Ziele verfolgt: Aus den Mündern FIT FOR AN AUTOPSYs liege der Schwerpunkt jener Worte „auf der Befreiung und ha[be] nichts mit Rassismus zu tun.“, erklärt Putney.

Trotz seines einzigen Makels ist “The Nothing That Is” ein furioses Deathcore-Gewitter
Es sind – und das wollen wir nicht verschweigen – aufrichtige Worte, die wir dem Gitarristen gerne abnehmen. Deshalb steht und fällt das sonst furiose, abwechslungsreiche und stellenweise beeindruckende Deathcore-Gewitter „The Nothing That Is“ auch nicht mit diesem einen beklagenswerten Makel. Den Finger in die Wunde zu legen, bedeutet schlussendlich auch, sich selbigen beizeiten ungewollt schmutzig zu machen. Oder anders ausgedrückt: Dass die Welt so ist, wie sie ist, liegt in unser aller Verantwortung. Wichtig ist daher vor allem, aus unseren Missgeschicken und Fehltritten zu lernen, um selbst in dieser verloren geglaubten Welt neuen Sinn schöpfen zu können; um diesen Planeten am Ende des Tages ein kleines bisschen besser zu machen – und wenn es nur bedeutet, unsere Worte in Zukunft bedachter zu wählen.

Veröffentlichungstermin: 25.10.2024

Spielzeit: 43:56

Line-Up
Joe Badolato – Gesang
Will Putney – Gitarre
Patrick Sheridan – Gitarre
Tim Howley – Gitarre
Peter „Blue“ Spinazola – Bass
Josean Orta – Schlagzeug

Produziert von Will Putney

Label: Nuclear Blast

Homepage: https://fitforanautopsy.co/
Facebook: https://www.facebook.com/FitForAnAutopsyOfficial/
Instagram: https://www.instagram.com/fitforanautopsy/
Bandcamp: https://fitforanautopsy.bandcamp.com/

FIT FOR AN AUTOPSY “The Nothing That Is” Tracklist
1. Hostage (Video bei YouTube)
2. Spoils Of The Horde
3. Savior Of None / Ashes Of All (Video bei YouTube)
4. Weaker Wolves
5. Red Horizon (Video bei YouTube)
6. The Nothing That Is
7. Lurch
8. Lower Purpose (Visualizer bei YouTube)
9. Lust For The Severed Head
10. The Silver Sun

Source: Vampster

The mountain in my head is too steep
Before I fall I’ll just leap
Save that precious time you keep
Born out of the bleakness of a pandemic-stricken Bristol in 2020, Adoring was the brainchild of vocalist Jack Sargent and multi-instrumentalist George Turner. What began in the confines of a bedroom quickly grew into something far larger, a project that harnessed the restless energy of post-punk and thrust it into the limelight. Soon, they added Scott “Scoops” Alexander-Bowen on guitar and Will Palmer on bass, transforming their sound into a blistering live experience.

After two years in the dark, the post-punk quartet roars back with their new single, Malevolent Grip. The track tears through the air, sharp as broken glass, dragging listeners into its raw, unrelenting embrace. With crushing guitars, pounding electronic beats, and basslines drenched in chorus, Adoring’s sound roams wide, from frenzied post-punk to macabre goth-rock, and ethereal new wave. Their music grips like a vice, pulling from the deep wells of bands like Garden of Mary, Fearing, and The Jesus and Mary Chain. This is the sound of a band that never forgot the weight of isolation but learned to turn it into something explosive, unsettling, and electric.

Malevolent Grip strikes like a fist through glass, a raw preview of what’s coming with Adoring’s third EP, blessedarethepitiful, set to drop on November 15 through Bristol’s independent Hollow Life Records. The lyrics trace the slow, bitter descent of someone trapped in the vice of self-doubt and the relentless grind of conformity. Hopes are shackled, crushed under the weight of expectations, their self-worth ground to dust as they fight to resist being shaped into something they loathe.

The mind’s mountain looms too high, too steep—driving them toward a reckless leap, a desperate dive into whatever lies beyond. They’ve hardened, becoming a stone hurled against their own defenses, caught between a thirst for release and a lingering ache for something better. The track pulses with anger, seething in its resentment of the one who pulls the strings, each line brimming with a barely contained rage. It’s a dark reckoning.

The song builds toward a grim rejection of manipulation, a gnawing desire for vengeance, while also staring down the inevitable fall. Adoring have mastered the art of channeling raw despair into something ferocious, something that demands to be heard before it all crashes down.

“We’ve been performing this song live from before we took a break, so I’m glad we could finally let it out into the world, soon to be accompanied by various other new music offerings,” says vocalist Jack Sargent.

Accompanied by a jarring music video crafted by bassist Will Palmer—a chaotic collision of 70s horror, archival fragments, and warped live clips—the new track plunges into the grim depths of goth-rock. Jack Sargent’s vocals, sharp and ghoulish, lead the charge as the song drags listeners through a dark, jagged landscape. The video mirrors the song’s unsettling energy, each distorted frame pushing the band’s raw, relentless sound further into madness. It’s not a descent for the faint-hearted but a hellish dive into the brutal and the macabre, where nothing is softened and everything is laid bare.

Watch the video for “Malevolent Grip” below:

From November 15th, onward, you can pre-order cassettes of blessedarethepitiful here.

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Source: Post-Punk.com

Auch in diesem Jahr dürfen wir Euch wieder Subway To Sallys Eisheilige Nächte präsentieren. Alle Termine und die weiteren Bands für 2024 hier!

Source: Sonic Seducer

Der Berliner Darkgaze-Künstler Vlimmer gräbt sich mit seinem vierten Album "Bodenhex" in neue Tiefen ... diesmal wortwörtlich. "Darkgaze"? Stellt euch düsteren Shoegaze vor, irgendwo zwischen melancholischem Gitarren-Dröhnen...

Source: MedienKonverter

  It’s been 12 years since the Vancouver electro/industrial outfit released any new material, but the silence has been broken with today’s reveal of “Dick,” the new single from Unit:187. The song sees a shift in the band’s dynamic as former backing singer Kerry Vink-Peterson takes the fronting duties [..]

Source: RE:GEN Mag

Die Tribute-Alben für ehemalige DDR-Künstler scheinen gerade im Kommen zu sein, den Anfang machte schon der Ex Tatort Kommissar Manfred Krug vor kurzem und nun folgt der Liedermacher, Dichter und DDR Dissident WOLF BIERMANN, der seine Platte genau passend am 15.11.024 zu seinem 88. Geburtstag veröffentlichen will. BIERMANN wurde vielfach ausgezeichnet, u.a. mit dem GEORG BÜCHNER , dem HEINRICH HEINE sowie dem HÖLDERLEIN PREIS.  Da ich bekennender Ostrockfan von Künstlern wie IC FALKENBERG, GERHARD GUNDERMANN, VERONIKA FISCHER, RALF BURSY, REINHARD LAKOMY oder WOLFGANG ZIEGLER usw. bin, sowie natürlich ebenfalls die großen Bands wie KARAT, CITY, BERLUC, PUHDYS, LIFT, ELECTRA, STERN MEISSEN oder  ROCKHAUS und KARUSSELL favorisiere, war es mir eine Ehre und sogar ein Muß, diese Scheibe zu rezensieren. Hier hat WOLF BIERMANN nun zahlreiche verschiedene Künstler zu einem Album mit Tributesongs seiner eigenen Lieder eingeladen und die Auswahl der  Tracks und vor allem der Musiker ist schon faszinierend. Die Songs selber wurden im Cloud Hills Studio aufgenommen, aber auch teils bei den beteiligten Protagonisten in deren Homestudios. Das Label und der Verlag von BIERMANN – Clouds Hill wollen mit der Platte beweisen, das BIERMANNs Songs und Texte immer noch zeitgemäß und relevant sind. Der 1936 in Hamburg geborene BIERMANN war 1953 freiwillig in die DDR übergesiedelt und lebte lange in Berlin. Sein bewegtes Leben zwischen Ost und West war teils ein Widerspruch zwischen allen Fronten. Nach einem Konzert in Köln wurde er auch als Ikone des Widerstands und als politisch Nichtangepasster 1976 ausgebürgert. Die Ausweisung und die daran anschließenden Proteste in der DDR gelten als politische Zäsur in der deutsch – deutschen Nachkriegsgeschichte und für viele Zeitzeugen war es der Anfang vom Ende der DDR. Heute lebt BIERMANN wieder in seiner Geburtsstadt.  Zur neuen BIERMANN-Cover-CD mit 22 Interpreten werden noch bis zur ultimativen Veröffentlichung einige Tracks vorab präsentiert, die erste Single vom Album ist z.B. der Song „Ermutigung“ in einer kongenialen Version des Schweizer Künstlers BONAPARTE, die Musik erscheint fast avantgardistisch und punktet mit schönen Synths-Flächen, „Warte nicht auf bessere Zeiten“ von den sozialkritischen Hip Hop Pop Poeten OK KID kommt sehr elegisch, geradezu auffordernd und schwelgerisch rüber. Auch das „Lied vom donnernden Leben“ von BETTEROV ist wunderbarer hymnischer alternativer Rock in Perfektion. JAN PLEWKA von der Band SELIG kreiert uns den BIERMANN Song „Das kann doch nicht alles gewesen sein“ im typisch, rockigen SELIG Sound. Bei „Ballade vom preußischen Ikarus“ mit KATHARINA FRANCK & PAUL EISENACH wird es stimmlich richtig schwelgerisch künstlerisch, a la der Ex Kult Sängerin ALEXANDRA. Auch die Tracks von ANNET LOUISAN mit zart gezupfter Gitarre in „So soll es sein – so wird es sein“ oder vom BAP Frontmann, der „kölsche“ WOLFGANG NIEDECKEN mit „Und als wir ans Ufer kamen“ mit einer Liedermacher – Klavierballade und MERET BECKER die „Stillepenn Schlufflied“ zelebriert, können begeistern. Sehr nachdenklich kommt INA MÜLLER mit „Bin mager nun und fühle mich“ daher, die Rockband VAN HOLZEN trifft es mit dem grad so aktuellen Text und Lied „Wann ist denn endlich Frieden“ sowas von genau auf den Punkt, der Indie Postpunk Sound tut sein übriges dazu. BIERMANN, das muß man sagen, findet auf dem Album die Unterstützung einer größtenteils jungen Generation von Musikern, die seine Texte und Musik von dereinst ins Hier und Heute transportieren, da die künstlerischen Aussagen gerade ebenso treffend, brisant und wahr sind und sich somit einem jungen Publikum erschließen sollen. Eine wirklich grandiose Idee, dieses Werk mit einer Brücke in die aktuellen Zeiten zu gestalten, da die Neuinterpretationen immer noch Symbol für Widerstand und Meinungsfreiheit sind. Die glanzvollen und souveränen Darbietungen von den Kunstschaffenden der Platte sind also kein Rückblick, sondern sollten als Ausblick in die Zukunft erlebt werden. Die beste Nachricht zum Schluss ist noch das WOLF BIERMANN und Gäste am 13.11.024 eine exklusive Release Show zur neuen Platte im Thalia Theater Hamburg geben werden.

(S.Erichsen)

Source: BLACK Onlinemagazin

Mit "Hibjørnen" haben Wardruna eine neue Single vom kommenden Album "Birna" veröffentlicht. Mehr Infos und den Track hier!

Source: Sonic Seducer

DEVIN TOWNSEND
„PowerNerd“
(Rock/Metal)

Wertung: Sehr gut

VÖ: 25.10.2024

Label: InsideOut Music

Webseite: Bandcamp / Instagram / Spotify

Die musikalisch hochwertige Ulknudel DEVIN TOWNSEND liebte ich schon zu Zeiten von Strapping Young Lad. Alles was danach kam toppte das Ganze aber noch mal. Es traf nicht immer meinen Geschmack, egal ob als DEVIN TOWNSEND, als Devin Townsend Band oder Devin Townsend Project, aber es war immer musikalisch hochwertvoll und interessant.

Devins Definition eines Powernerds muss ich hier eben unbedingt teilen:
POWERNERD – Substantiv

1. – Eine Person jeglichen Geschlechts, die durch Hartnäckigkeit und Ausdauer etwas, was die Gesellschaft als „Schwäche“ ansehen mag, in eine Supermacht verwandelt hat.
2. – Ein verdammt cooler Typ.
3. – Du.

Die 11 Songs seines aktuellen Albums hat er unter der selbst auferlegten Vorgabe geschrieben, nicht zu viel drüber nachzudenken. Und das in 11 Tagen.
Er selbst hat sich dazu gedacht:
“I thought, ‘I’ve spent so much time overthinking every aspect of my work – what would happen if I didn’t?”

Etwas ziemlich geiles, wenn ich das mal vorwegnehmen darf.
Im Titeltrack (mit gesanglicher Unterstützung von Jamie Jasta) geht es schon mal wesentlich härter zu, als ich es von den letzten Scheiben gewohnt war. Und grob zieht sich das dann so durch die Platte. Es gibt natürlich auch softere Songs, die aber immer noch kräftig rocken. Die Spitze seiner kranken Kreativität ist aber der letzte Songs des Albums, „Ruby Quaker“. Er beginnt als Folksong und geht dann über Rock bis in den extremen Metal. Und er ist eine weitere Liebeserklärung von Devin an Kaffee, so wie er mit Ziltoid dem Thema Kaffee zumindest ansatzweise schon auf einem ganzen Album gehuldigt hat.

„PowerNerd“ ist der Auftakt zu einer Trilogie, die die gesamt Bandbreite Herrn Townsends repräsentieren soll. Das aktuelle Album soll durch den bereits aufgenommenen Nachfolger „The Moth“, selbst beschrieben als “orchestral, over-the-top, dark and uncomfortable” und die ‘“alien weirdness” des finalen „Axolotl“ kontrastiert werden.
Ich bin auf jeden Fall mehr als gespannt, denn „Powernerd“ ist das Album von Herrn Townsend was mich seit langem am meisten packt.
Mich würde wirklich mal interessieren wie lange der Aufnahmeprozess war.
Und ich will gar nicht wissen, wie viele Spuren jeder Song auf dem digitalen Mischpult belegt hat und wie viele Instrumente dabei zum Einsatz kamen. Wirklich zu hören ist das nicht, zumindest nicht mit meinen Ohren, aber ich höre einige Gitarren, selbst verschiedene Akustikgitarren. Und dann kommen noch die ganzen anderen Instrumente, vor allem die elektronischen wie Keyboard und Synthesizer hinzu. Auch wenn man Industrialanklänge eher vermieden hat.

Ich bin begeistert von der Wandlung auf diesem Album, vor allem die mehrstimmigen Gesänge in den emotionalen Refrains packen mich sehr.

„PowerNerd“ wird in verschiedenen Formaten erhältlich sein, darunter ein limitiertes 2CD+Blu-ray Artbook (mit dem Album, Bonustracks und Devins erstem Dolby Atmos Mix), ein limitiertes 2CD Digipak in einer O-Card, Standard CD, Gatefold 2LP und ein digitales Album. (hendrik)

Source: Amboss-Mag.de

Mit ihrem zweiten, im Jahr 1999 veröffentlichten Album "The Point at Which It Falls Apart" gelang MESH ein Durchbruch – sowohl bei den Kritikern als auch in künstlerischer und kommerzieller Hinsicht. Im 25. Jubiläumsjahr des Werkes, veröffentlichen MESH ihren lange vergriffenen Meilenstein in einer exklusiven, randvoll mit Bonus-Material erweiterten Artbook Edition neu. Die britische Dark Synthpop Band wurde im Jahr 1991 gegründet, als Sänger und Gitarrist Mark Hockings und Keyboarder und Sänger Richard Silverthorn bei einem Konzert Freundschaft schlossen und musikalische Gemeinsamkeiten entdeckten, die zur Gründung von MESH führten. Diese künstlerische Partnerschaft hat seitdem das Vermächtnis von MESH bestimmt. Die sprudelnde kreative Synergie von MESH entsteht seit den Anfangstagen aus einer stark komplementären Rollenverteilung: Richard Silverthorn komponiert die Musik, während Mark Hockings aufrüttelnde und tiefgründige Texte verfasst, die den Klangwelten Emotionen und Tiefgang verleihen. Die musikalische Reise von MESH begann mit der Veröffentlichung der "Fragile" EP im Jahr 1994 und dem Debütalbum „In this Place Forever“ im Jahr 1996. Die Major-Veröffentlichung von "Who Watches over Me" im Jahr 2002 katapultierte MESH erneut ins Rampenlicht und markierte einen weiteren Höhepunkt ihrer illustren Karriere. Eine Welle der Popularität in ganz Europa, und insbesondere in Deutschland, ließ die britische Band auf allen Festival-Billings weiter nach oben steigen. "Automation Baby" (2013) erreichte Platz 33 der deutschen Albumcharts und dominierte die Alternative Charts in ganz Europa. Mit "Looking Skyward" (2016) kletterten MESH in noch größere Höhen und erreichten Platz 12 der deutschen Charts. Aktuell arbeiten Mark Hockings und Richard Silverthorn am nächsten MESH-Studioalbum. Um ihren langjährigen aber gerade auch jüngeren Fans die Wartezeit zu verkürzen, macht das Duo sein lange Zeit ausverkauftes und heiß begehrtes zweites Album "The Point at Which It Falls Apart" in einer sorgfältig remasterten Version wieder erhältlich.

Tracklist:
CD1
01. I Fall Over
02. Self Healing Lie
03. People Like Me (WIth This Gun)
04. Needle In A Bruise
05. These Empty Rooms
06. It Scares Me
07. The Damage You Do
08. Fallen
09. My Defender
10. Is Nothing Sacred
11. My Saddest Day
12. Not Prepared
CD2
01. People Like Me (With this Gun) (Alt.MESH.Mix)
02. It Scareas Me (Mesh Remix)
03. Not Prepared (Radio Version)
04. The Damage You Do (Perfect Porno Remix)
05. Safe WIth Me (Snare's Epic Edit)
06. People Like Me (With this Gun) (Extended Shotgun)
07. It Scares Me (Mesh Locarno Mix)
08. Not Prepared (Mesh Club Mix)
09. This Without You (Fallen Mix)
10. It Scares Me (Fearful)
11. Not Prepared (Blowhole Mix)

Source: Prophecy

Die neue The Rasmus-Single "Rest In Pieces" ist da! Das Lyricvideo sowie die Tourdates für 2025 gibt es hier.

Source: Sonic Seducer

Dass der kroatische Finsterling Petrale sein nunmehr neuntes Album “The World Down Under” mit einem gefühlvollen Wind-Intro einläutet, hat ja niemand ernsthaft erwartet. Darum geht “Impersonating Blade” auch schon von Sekunde eins dissonant schwarzmetallisch in die Vollen. Disharmonien regieren noch immer in der dunklen Welt PETRALEs, Kompromisse sucht man erneut vergebens. Produktionstechnisch fällt “The World Down Under” roh, aber nie unscharf aus. Will heissen: Getriggerte Drums und glattgeföhnte Gitarren sucht man vergebens, dafür hört man trotz aller Rauigkeit stets das authentische Snare raus und alle Instrumente inklusive heiserer Kreischvocals befinden sich in einer transparenten Balance.

Darf es auch ein anderen Tempo sein? 
PETRALE setzt auf “The World Down Under” fleissig verschiedene Tempi ein. So gibt es melasseartig schleppend beginnende Songs wie “From Elongated Hollows”, die in vertrackt-treibenden Schwarzmetall-Passagen münden und einem keine Ruhe lassen. Entfernte Vergleichsbands wie DEATHSPELL OMEGA, MGLA oder UADA mögen einem in den Sinn kommen, doch PETRALE sind zu höllisch angepisst, um es sich in einer Tempo-Region gemütlich zu machen. Nein, da muss dann schon mehr Abwechslung her. Und ein groovig-neckischer Track (hallo PRIMUS) wie der Anspieltipp “The Choreography of Two Thousand Legs” wäre bei genannten Truppen undenkbar. Da denkt man dann schon eher an die alten Zeiten DARKTHRONEs zurück, wo der Zephyrous-Bass noch groovte – einfach plus einem diabolischen Grinsen, das PETRALEs Musik innewohnt, während DARKTHRONE sich zu dieser Zeit niemals öffentlich zu einer Hebung der Mundwinkel hätten hinreissen lassen. PETRALE merkt man in “The Choreography of Two Thousand Legs” die Leidenschaft deutlich an und vereinen komplexe Rhythmen mit Black Metal. 

PETRALE liefern Schwarzmetall für offene Geister
Wer nach der Erwähnung von PRIMUS nun noch weiterhin diese Rezension liest, dürfte “Schwarzmetall für offene Geister” auf ihrer Wunschliste haben. PETRALE sind sperrig und wild, wer selbstbemitleidende Endlos-Schwarzmetallschlaufen sucht, ist hier fehl am Platz. Experimente werden lustvoll ausgelebt, aber der Blick auf den Black Metal verschwindet nie. “Rectancles Carved Into Reddish Soil” lässt auch die Parallele zu CRAFT wieder aufleben, aber eben auch nur ein bisschen, so dass sich “The World Down Under” erfolgreich jeder Inspirationsschublade entzieht, die man dafür anlegen will. Ungezähmte Widerspenstigkeit – unbedingte Kaufempfehlung für PETRALEs “The World Down Under”. 

Veröffentlichungsdatum: 02.11.2024
Spieldauer: 49:00
Label: Independent
Website: https://petrale.bandcamp.com/album/the-world-down-there

Line Up
Petrale – alles

Trackliste
1. Impersonating a Blade
2. Po noci se boje vidi kam svijetli iz grobova
3. A Brief Discussion about the Remoteness of a Loss
4. From Elongated Hollows
5. The Choreography of Two Thousand Legs
6. Rectangles Carved Into Reddish Soil
7. Walls Are Bloating
8. The World Down there

Source: Vampster

INGESTED haben zu einem weiteren Track ihres aktuellen Albums  “The Tide Of Death And Fractured Dreams” ein Video veröffentlicht: “A Path Once Lost” bei YouTube.

Der Clip ist das fünfte Video zum aktuellen Album, das im April 2024 erschienen ist. Die Band veröffentlichte bereits einen Clip “Starve The Fire”, ein Video zu “Endless Machine”, ein Video zu “Pantheon” sowie einen Clip zu “Paragon Of Purity” .

Die Band erklärt, was die neue Platte vom Vorgänger “Ashes Lie Still” unterscheidet:

“‘Ashes Lie Still’entstand in der COVID-Phase, das Albums spiegelt diese Zeit wider. Mit ‘The Tide Of Death And Fractured Dreams’ wollten wir wieder energischer werden.  Wir mögen ‘Ashes’ noch immer,  aber die depressiven Momente wollen wir nicht weiter verfolgen. Es gibt einige düstere Momente auf  ‘Tide’ aber größtenteils sind dieses Mal alles mit mehr Elan angegangen.”

Produziert hat das neue Album Nico Beninato, CHIMAIRA-Sänger Mark Hunter steuerte Guestvocals zum Song “In Nothingness” bei, SYLOSIS-Sänger Josh Middleton war am Track “Expect To Fail” beteiligt.

INGESTED “The Tide Of Death And Fractured Dreams” Tracklist

1. Paragon Of Purity (Vider bei YouTube)
2. Endless Machine (Video bei YouTube)
3. Where No Light Shines
4. Expect To Fail (feat. Josh Middleton of Sylosis)
5. Starve The Fire (Video bei YouTube)
6. Numinous
7. In Nothingness (feat. Mark Hunter of Chimaira)
8. Pantheon (Video bei YouTube)
9. Kingdoms Of Sand
10. A Path Once Lost (Video bei YouTube)

INGESTED sind ab April auf Tour, als Support sind FALLUJAH, VULVODYNIA und MÉLANCOLIA mit an Bord.

INGESTED, FALLUJAH, VULVODYNIA & MÉLANCOLIA:  “The Tide Of Death And Fractured Dreams” European Tour 2024

17.04. UK Bristol – The Fleece
18.04. UK Birmingham  – Asylum
19.04. UK London – The Underworld
20.04. UK Manchester – Rebellion
21.04. UK Glasgow – Slay
22.04. UK Nottingham – Rescue Rooms
23.04. UK Southampton – Papillon
24.04. FR Paris –  Glazart
25.04. FR Nantes – Le Ferrailleur
26.04. ES Bilbao –  Groove
27.04. ES Madrid – Moby Dick
28.04. ES Barcelona –  Razz 3
29.04. FR Toulouse –  Le Rex
01.05. CH Aarau –  KiFF 
02.05. DE Munich- Feierwerk 
03.05. CZ Prague – Rock Cafe
04.05. HU Budapest – Analog Music Hall
05.05. AU Vienna – Viper Room 
06.05. PL Poznań – 2Progi
07.05. DE Leipzig – Moritzbastei 
08.05. DE Berlin –  Hole44 
09.05. DK Copenhagen – Pumpehuset
10.05. SE Stockholm –  Kollektivet Livet
11.05. SE Gothenburg –  Musikens Hus
12.05. NO Oslo – John Dee
14.05. DE Hamburg – Logo 
15.05. DE Wiesbaden –  Schlachthof 
16.05. DE Oberhausen –  Kulttempel 
17.05. BE Bruges –  JH Comma
18.05. NL Nijmegen –  Doornroosje
19.05. NL Haarlem –  Patronaat

INGESTED Line-up:

Jason Evans – vocals
Sean Hynes – guitars, backing vocals
Lyn Jeffs – drums

Source: Vampster

Tom Angelripper, Jeff Hanneman und Dave Lombardo nennt die Thrash Metal-Band WARFIELD als Vorbilder – mit einem Video zu  “Tie The Rope” bei YouTube stellt das Trio nun einen neuen Song vor.

Das kommende Album erscheint via Napalm Records, WARFIELD haben vor kurzem einen Plattenvertrag bei dem Label unterschrieben.

WARFIELD Kontert Termine:
16.11.24 CZ – Pardubice / Pardubická Gilotina
18.01.25 DE – Ohmbach / Ohmkrach Festival
27.06.25 DE – Weinheim / 30 Jahre Café Central Festival

WARFIELD Line-up:
Johannes Clemens- vocals, bass
Matthias Clemens- guitars
Dominik Marx – drums

Source: Vampster

Mesh-Fans aufgepasst: Die britischen Electro-Veteranen haben gestern mit „This Without You (Fallen Mix)“ eine brandneue Single veröffentlicht – und das ist ja bekanntlich erst der Anfang! Dieser...

Source: MedienKonverter

IN EXTREMO haben mal wieder zugeschlagen! Am 10.10.2024, feierte ihr neues Musikvideo zu Unser Lied, einer mitreißenden Zusammenarbeit mit Björn Both von Santiano, auf...

Source: monkeypress.de

Ohne die Möglichkeit, live aufzutreten und auch privat von den vielen Einschränkungen betroffen, verlagerte sich der Fokus von DISILLUSION in den letzten zwei Jahren voll und ganz auf die Band sowie auf die Aufnahme ihres vierten Albums "Ayam". Der Effekt ist hörbar: "Ayam" klingt tiefer, noch vielschichtiger und ausgereifter als seine hochgelobten Vorgängeralben. Der Detailreichtum in der Musik der deutschen Avantgardisten ist jedoch nie ein bloßer Selbstzweck, sondern die Komplexität dient immer dem Song und dem "Malen" von Bildern für das große Kopfkino. Während DISILLUSION enger zusammenrückten, kamen auch alte Gewohnheiten auf den Prüfstand. Um etwas Neues auszuprobieren, überließ die Band den Mix ihres neuen Albums erstmals anderen Händen und Ohren als den eigenen. Die Wahl fiel auf den renommierten Produzenten Jens Bogren (OPETH, KATATONIA, MOONSPELL), was sich einmal mehr als wahrer Glücksgriff entpuppte. Die geradezu magische Fähigkeit des Schweden, die Eigenheiten einer Band deutlich herauszuarbeiten, verlieh DISILLUSIONs ohnehin schon einzigartigen Sound einen hörbaren Feinschliff. So wurde beispielsweise der Gesang in ein klangliches Rampenlicht gestellt. DISILLUSION gründeten sich im Jahr 1994 in Zwickau um Sänger und Gitarrist Andy Schmidt herum. Die Ostdeutschen schafften das seltene Kunststück, sich bereits mit der Veröffentlichung ihres Debütalbums "Back to Times of Splendor" im Jahr 2004 einen exzellenten Namen im Bereich des progressiven Melodic Death Metal zu erwerben. Mit dem folgenden Langspieler "Gloria" (2006) gelang der Band ein Quantensprung und eine rasante Evolution in mehrere Richtungen gleichzeitig. Als zuletzt "The Liberation" im Jahr 2019 erschien, beschrieben Kritiker das Album als logische Fortsetzung von "Back to Times of Splendor". In den Songs spiegelten sich 15 Jahre zusätzliche Erfahrung in Andy Schmidts musikalischer Entwicklung wider. "The Liberation" kombinierte die besten Qualitäten von DISILLUSION: Das perfekte Zusammenspiel von massivem Metal verschmolz mit Momenten purer Euphorie aber auch ruhiger Introspektion, die eine klangliche Achterbahnfahrt voller leidenschaftlicher Emotionen erzeugte. Mit "Ayam" segeln DISILLUSION erneut zwischen den Sternen zu neuen Konstellationen der harten Gitarrensounds. Dabei bleiben die deutschen Avantgarde-Pioniere ihrem generellen Kurs treu, werfen aber auch immer wieder den Anker aus, um funkelnde neue Klangwelten zu erkunden. "Ayam" bietet eher eine aufregende Evolution als radikale Revolution. Dieses Album ist ein goldenes Ticket für die außergewöhnliche musikalische Reise des Lebens. Kommt alle an Bord, Anker hoch und Leinen los!

Tracklist:
1. Am Abgrund
2. Tormento
3. Driftwood
4. Abide the Storm
5. Longhope
6. Nine Days
7. From the Embers
8. The Brook

Gatefold-2LP (weißes Vinyl) mit bedruckten Innenhüllen und Schutzhülle (500 Einheiten erhältlich)

Source: Prophecy

Zwei Jahre nach der Veröffentlichung von "Ayam" hat sich das vierte DISILLUSION-Album sicherlich schon unzählige Male auf Plattenspielern und in CD-Playern gedreht oder wurde dauernd gestreamt. Jede Melodie, jeder Rhythmus und jede Note wurden wieder und wieder angehört und auswendig gelernt. Dennoch lassen sich noch immer zahlreiche musikalische "Geheimnisse" lüften und Perlen entdecken. Mit "Ayam (Instrumental)" reichen DISILLUSION ihren treuesten Anhängern großzügig eine wunderbare Schatzkarte, um einige dieser versteckten Preziosen zu finden. Ohne den großartigen Gesang glänzen plötzlich andere Aspekte der Stücke und bislang wenig beachtete Aspekte erscheinen im Vordergrund. Dabei wurde den originalen Songs nichts hinzugefügt, lediglich die Gesangsspuren wurden aus "Ayam" entfernt. Mangels Möglichkeiten live aufzutreten und den privaten Einschränkungen, verlagerte sich der Fokus von DISILLUSION während der Pandemie vor allem auf die Band sowie auf die Aufnahme ihres vierten Albums "Ayam". Der Effekt ist hörbar: "Ayam" klingt tiefer, noch vielschichtiger und ausgereifter als seine hochgelobten Vorgängeralben. Der Detailreichtum in der Musik der deutschen Avantgardisten ist jedoch nie ein bloßer Selbstzweck, sondern die Komplexität dient immer dem Song und dem "Malen" von Bildern für das große Kopfkino. Während DISILLUSION enger zusammenrückten, kamen auch alte Gewohnheiten auf den Prüfstand. Um etwas Neues auszuprobieren, überließ die Band den Mix ihres neuen Albums erstmals anderen Händen und Ohren als den eigenen. Die Wahl fiel auf den renommierten Produzenten Jens Bogren (OPETH, KATATONIA, MOONSPELL), was sich einmal mehr als wahrer Glücksgriff entpuppte. Die beinahe magische Fähigkeit des Schweden, die Eigenheiten einer Band deutlich herauszuarbeiten, verlieh dem ohnehin schon einzigartigen Sound von DISILLUSION seinen hörbaren Feinschliff. So wurde beispielsweise der Gesang in ein klangliches Rampenlicht gestellt. DISILLUSION gründeten sich im Jahr 1994 in Zwickau um Sänger und Gitarrist Andy Schmidt herum. Die Ostdeutschen schafften das seltene Kunststück, sich bereits mit der Veröffentlichung ihres Debütalbums "Back to Times of Splendor" im Jahr 2004 einen exzellenten Namen im Bereich des progressiven Melodic Death Metal zu erwerben. Mit dem folgenden Langspieler "Gloria" (2006) gelang der Band ein Quantensprung und eine rasante Evolution in mehrere Richtungen gleichzeitig. Als zuletzt "The Liberation" im Jahr 2019 erschien, beschrieben Kritiker das Album als logische Fortsetzung von "Back to Times of Splendor". In den Songs spiegelten sich 15 Jahre zusätzliche Erfahrung in Andy Schmidts musikalischer Entwicklung wider. "The Liberation" kombinierte die besten Qualitäten von DISILLUSION: Das perfekte Zusammenspiel von massivem Metal verschmolz mit Momenten purer Euphorie aber auch ruhiger Introspektion, die eine klangliche Achterbahnfahrt voller leidenschaftlicher Emotionen erzeugte. Mit "Ayam" segeln DISILLUSION erneut zwischen den Sternen zu neuen Konstellationen der harten Gitarrensounds. Dabei bleiben die deutschen Avantgarde-Pioniere ihrem generellen Kurs treu, werfen aber auch immer wieder den Anker aus, um funkelnde neue Klangwelten zu erkunden. "Ayam" bietet eher eine aufregende Evolution als radikale Revolution. Dieses Album ist ein goldenes Ticket für die außergewöhnliche musikalische Reise des Lebens. Kommt alle an Bord, Anker hoch und Leinen los! Und mit „Ayam (Instrumental)" lässt sich die Insel des musikalischen Glücks sogar auf einem neuen Kurs erreichen!

Tracklist:
1. Am Abgrund (Instrumental)
2. Tormento (Instrumental)
3. Driftwood (Instrumental)
4. Abide the Storm (Instrumental)
5. Longhope (Instrumental)
6. Nine Days (Instrumental)
7. From the Embers (Instrumental)
8. The Brook (Instrumental)

Source: Prophecy

Im Bereich der dunklen elektronischen Musikszene ist der Name Mesh längst fest verankert. Am 24.10.2024, brachten sie ihre brandneue Single This Without You (Fallen...

Source: monkeypress.de

Die aufstrebenden Melodic-Metal-Helden AD INFINITUM haben das packende Musikvideo zu ihrer neuen Single Follow Me Down veröffentlicht. Dieser Track stammt aus ihrem gerade erschienenen...

Source: monkeypress.de

The debut album “Nachtmusik” awaits with charming darkness, wrapped in an intense sound that goes beyond post-punk, metal and death rock influences. Atmospheric vocals, strong atmospheres and catchy dynamics carry arrangements that you are only too happy to sink into. A Pøltergeist whose visitation is welcomed with open ears! Find out more in our October/November […]

Source: Orkus

SPONSORED POST The current single “Girls Gang” is also the title track of Dina Summer‘s second album, which is expected on January 24, 2025. They spice up the comparatively dark indie pop song with a heavy dose of synth wave. In the album itself, Dina Summer deal with themes such as transience, nostalgia and relationships, […]

Source: Orkus

Kit Major strides into the spotlight with swagger, guitar in hand, platform boots stomping, and a garage rock grin. Based in LA, she exudes the grit and glam of a bygone era as her music hums with rebellion, pulsing with a restless energy that refuses to be ignored.

Kit Major’s latest track, Potion Seller, comes at you fast and furious, a feral frenzy wrapped in fuzz. It snarls with the untamed spirit of No Wave, soaked in the reckless swagger of ZE Records’ wildest years. There’s no gloss, no polish—just raw, unfiltered power. Major doesn’t aim for perfection, she revels in the imperfections, the jagged edges, the primal pulse that drives the song.

Like much of her new EP, Love.Sick.Major, this track digs deep into desperation, exploring the ache of hopelessness masked by a fierce determination to find that quick, elusive fix. It’s a frantic promise to claw and fight through the dark, to do whatever it takes to keep the world at bay for just a little longer. The guitars grind and screech, the beat hits like a fist to the gut, and Kit Major’s voice slices through it all, bold and brash. Think a strange combination of Hole, X, and The Slits. Major doesn’t beg for attention—she demands and commands it, staking her claim in a world that’s often too polished for its own good. Potion Seller is an anthem for the unafraid, for those who know that sometimes, it’s the rough, the raw, and the reckless that gets you through the night.

The lyrics paint a portrait of a desperate soul, flawed and fumbling, searching for a quick fix to escape their broken self-image. The narrator feels trapped in their own skin—buck-toothed, depressed, and spiraling—turning to a potion seller for the “finest option,” a magic solution to transform into something better, more beautiful. Beneath the plea for perfection lies a self-deception, a willingness to sacrifice anything for fleeting relief.

“Potion Seller is a song about wanting to feel better in your own skin,” says Major. “It’s got this frantic, raw energy of someone constantly returning, desperate, saying, “Make me better!”

Major’s new EP, Love.Sick.Major, shakes things up—a fierce mix of post-punk punch and jangling Brit Pop riffs. Major’s interpretation of punk is unapologetically her own, a bold blend of groove-heavy riffs and unforgettable hooks that stick to the skin. With her EP dropping October 25th, Kit Major stands ready to carve her name into rock’s rough-and-tumble roster.

“Love.Sick.Major is a world I’ve imagined, romanticizing a time I never lived in,” says Major. “…In a way, it’s one giant sonic mood board. Each track has its own distinct vibe, fashion, and mood.”

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The post Kit Major’s “Potion Seller” Paints an Acerbic Portrait of a Desperate Soul With its Post-Punk and Alt-Rock and Swagger appeared first on Post-Punk.com.

Source: Post-Punk.com

Louse emerged from the pandemic’s precarious haze in Cincinnati, Ohio, forging their sound in the stillness of lockdown. Drawing deep from the wells of early to mid-80s post-punk, cold wave, and the shadowy undercurrents of early alternative rock, they first introduced themselves with 2022’s Dressed in Skin, a brief but biting EP. Now, their focus has shifted to their full-length debut, Passions Like Tar, a moody meditation steeped in melancholy.

Their sound lurches between goth rock’s brooding darkness and post-punk’s angular precision, conjuring echoes of The Chameleons’ atmospheric intensity, Killing Joke’s raw aggression, and Asylum Party’s touching pop swagger. Indeed, there’s also a cold wave chill reminiscent of Faith-era Cure, threading icy synths and shadowy guitars through their songs like a creeping haze. Louse’s music feels tethered to those haunted corners of 80s underground, a slow-burn plunge into the depths of gothic despair.

The album bursts open with Thieves, a track that swaggers and snarls, charging forward with primal force. Guitars bite and claw, cascading in snarling riffs while the rhythm section pounds beneath, unyielding, relentless. The vocals rise from the fray, commanding and fierce, mixing ardent passion with a flicker of mysticism. It’s the sound of danger, channeled into something urgent, hypnotic, and hard to ignore—a blend of grit and pulse, power and persuasion.

Then comes Joy In Pain, which uncoils slowly, shadowed in restraint. Jangling guitars shimmer like light bouncing off dark water, while the bassline broods underneath, steady and somber. The vocals hold a quiet intensity, rich with reflection, pulling from darker places, blending the introspection of post-punk with the melodic bite of a lost era. It builds, not with bombast, but with a subtle surge—into a guitar solo steeped in sadness. Its notes linger like distant echoes, casting long shadows over the song’s melancholy heart, leaving you with the quiet ache of something both felt and feared.

A Potters Field storms in with pounding, insistent drums that echo with urgency, anchoring the track’s relentless drive. The guitars ring out with a shimmering melancholy, weaving between stark post-punk riffs and atmospheric flourishes, pulling heavily from the territory of Killing Joke and The Chameleons. The crooning vocals glide over the dark backdrop, delivering lyrics that honour the forgotten souls, those buried and abandoned. There’s a sense of raw power and vulnerability in this one.

Bed of Knives slices sharp with chiming, echoing guitars that twist and turn, layered in thick fogs of tension. The vocals, bruised with longing, float just above a pulsing bassline that thunders underneath, dragging a heavy heart in its wake. It’s a track where melody clashes with morose; where introspection collides with agitation. It sways between silence and storm, a haunting mix that feels like a distant whisper—both familiar and forgotten, like an old wound resurfacing.

The visualizer shimmers like a flickering half-memory, a kaleidoscope of shadows and static. Faces from the past slip through the cracks, as though ghosts are crawling through the television, desperate to make contact. It’s all there—soft, spectral, and somehow still searing.

The title track, Passions Like Tar, charges forward with the relentless rhythm of classic 80s post-punk, its pounding drums recalling The Teardrop Explodes and Echo & the Bunnymen. Guitars shimmer and twist, blending sharpness with psychedelic swirls that push the track into unexpected breakdowns, teetering on the brink of chaos. There’s an electricity in the air, a taut tension that vibrates through every note, as if something is always on the verge of unraveling. The vocals glide through this storm, cool yet cutting, while the music smolders beneath, waiting to ignite.

Feral Hound slinks in with a Lynchian lilt, its opening synths humming like whispers in a dark room, echoing Angelo Badalamenti’s eerie elegance. Guitars drift in, forlorn and fragile, each note hanging heavy with introspection, thoughtful as if contemplating loss. The vocals, sincere and raw, rise slowly, threading through the atmosphere with an understated grace. There’s no rush here—just a slow burn of emotion, each line digging deeper, stirring up a quiet kind of grief that lingers like a distant echo.

Human Remains erupts with rolling drums that thunder through the track like a storm gathering speed. The beat pounds with relentless urgency, underscoring the sorrow and strife that seep from every note. The vocals, fierce and frayed, tear through the air with fury, like an exorcism of anger and anguish, unshackled and unrestrained. It’s a howl of passion, each line bleeding with rage, as if the weight of suffering can no longer be contained. There’s a brutal intensity here, a sound akin to Killing Joke, where pain is not simply expressed but unleashed with violent, unrelenting force.

Bernadette quiets the tempest, settling into a steady rhythm with a Cure-like coolness, underscored by a solid, driving rock beat. Guitars echo, ringing out like far-off winds, while the synths swirl and shimmer, eerie and ethereal, casting soft shadows across the track. There’s a haunting calm here, as the song drifts between stillness and subtle tension, a balance of beauty and unease.

From The Swarm shimmers like a forgotten Smiths gem, with jangling guitars chiming bright and clean, cutting through the air like sunlight after rain. The steady shake of the tambourine carries a soft, relentless rhythm, while the vocals—smooth and soaring—croon with a tenderness that clings to every word. There’s an earnestness laid bare, a rawness worn proudly on the sleeve, vulnerable yet vibrant.

Be My Eyes closes the album with a burst of brightness, swirling with expansive, psychedelic visions. The track feels as if the Chameleons had collided with the Lightning Seeds, blending a sharp, shimmering optimism with layers of jangling guitars and soaring synths. The drums, crisp and relentless, drive the song forward with a steady hand, each beat landing like sunlight breaking through clouds. Warm synth lines glow beneath the surface, wrapping the track in a gentle haze. There’s a sense of hope rising, a wide-open sky kind of feeling, pulling you toward something bright, bold, and boundless.

Passions Like Tar is out now on Feel It Records. Listen to the album below or order here.

Passions Like Tar by Louse

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Source: Post-Punk.com

Forest Grove, Oregon industrial psych project High Marks announces a new single and video for Someone, off their latest album, SOURED. High Marks is a chaotic symphony where post-industrial dub and doom-laden rock collide, packing a world of variety into its relatively short run. This ambitious creation comes courtesy of D. Haddon, who stands at the center of a constantly shifting collective of creative minds, channeling influences that range from the raw grit of Jesus and Mary Chain to the pulsing, ominous tones of Public Image Ltd and AUTOBAHN.

High Marks tears sound apart, stitches it back together, and hurls it into the unknown with reckless purpose. Each track deconstructs and rebuilds rock’s darker fringes, blending post-punk, industrial grind, and dub’s deep pulse into a force that is jagged, unrelenting, and deliberate. Haddon masterfully weaves the chaos, knowing exactly where each distorted riff and clattering beat belongs. The album asks hard questions: What causes the souring of connections? Is it the slow crawl of time, or choices we make along the way? These stories, set against a backdrop of distorted beats and fractured rhythms, explore the weight of inevitability and the cracks that form in even the strongest ties. Relationships fray, ideals fall apart, and SOURED captures the mess of it all with sharp clarity.

Someone lingers like a distant whisper, its vocals muffled and submerged under a weight of watery reverb, calling from deep beneath the surface. The song pulls you into its eerie embrace, much like The Vacant Lots’ shadowy atmospheres. A heavy, doom-filled beat thrums beneath, underscoring the haunting cry, relentless and brooding. The video, too, feels like a dispatch from the edges of the subconscious—a flickering montage of disjointed imagery, half-remembered fragments pieced together through a faulty signal. It’s as though the visuals are memories trapped in the static, strange and surreal, pieced together in a dreamlike haze, inviting the listener to explore the unknown depths of thought and sound.

Watch the video for “Someone” below:

SOURED explores the fragile, ever-shifting nature of human relationships—romantic, artistic, political, and professional. Each track is a snapshot of lives unraveling or reforming, questioning the choices that lead to disappointment or inevitability. We meet characters like a disillusioned television actor, wrestling with the limits of his success; and a philosophy professor who sinks into nihilism, grappling with the void. It’s a quirky, chaotic collection of lives caught in moments of flux.

Haddon enlists David Mansfield of Stranded on lead guitar and keys, co-writing several tracks. Contributions from Sara Storm, psych duo Sisters of Planetaria, Travis Kuhlman (DUG, Yellow Bulb), and neo-chanteuse Mandy May fill out the album, each bringing their own flavour to its intense sonic diversity. Together, they create a fractured, heavy-hitting fusion that pushes the boundaries of rock’s familiar darkness.

Listen to Someone below (out now via Propitious Artifacts), or order here.

SOURED by High Marks

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The post Industrial Psych Project High Marks Debuts Video for Spectral and Hypnogogic Single “Someone” appeared first on Post-Punk.com.

Source: Post-Punk.com

Mit ihrer EP "To the Stars" knüpfen BEBORN BETON direkt an ihr neuntes Album "Darkness Falls Again" an. Das deutsche Synthie Pop Trio erweitert mit den drei neuen Tracks und vier Remixen der EP die musikalische Bandbreite des Albums und bleibt dessem Geist dabei sowohl lyrisch als auch musikalisch treu. Es gibt mehr als eine Art, BEBORN BETONs neuntes Album "Darkness Falls Again" zu hören: Es lässt sich einfach nur tanzen und als zeitgenössische Synthie-Pop-Hymnen genießen, die musikalisch fest in den goldenen 80ern verankert sind – und mit einer Prise leckerer 90er-Einflüsse serviert werden. Eingängige Melodien und ausgereiftes Songwriting verbinden sich zu einer klanglichen Spritztour. Doch BEBORN BETON legen ihren Finger auch auf den Puls unserer Zeit. Das Trio spricht sich lyrisch klar gegen Frauenfeindlichkeit, sexuelle Diskriminierung und Umweltzerstörung aus. BEBORN BETON wurden 1989 von Sänger Stefan Netschio, Keyboarder und Schlagzeuger Stefan Tillmann sowie Keyboarder Michael Wagner gegründet. Die drei Deutschen setzten sich erfolgreich zum Ziel, den Synth-Pop relevant zu halten und ihn um wichtige Inhalte zu bereichern. Nach den ersten beiden regulären Alben "Tybalt" (1993) und "Concrete Ground" (1994) trafen BEBORN BETON in ihrer neuen Label-Heimat auf namhafte Acts wie WOLFSHEIM und DE/VISION. Nachdem sich die Elektro-Musiker in Deutschland fest etabliert hatten, expandierten die Drei mit dem 1996 erschienenen Album "Nightfall" ins Ausland, wo sie ebenso wie mit den folgenden Scheiben "Truth" (1997) und "Fake" (1999) bei Kritikern und Fans auf große Gegenliebe stießen. Spätestens mit dem im Jahr 2000 erschienenen Werk "Rückkehr zum Eisplaneten" hatten sich BEBORN BETON in ihrer Szene fest als Headliner positioniert und in allen Hochburgen der elektronischen Musik rund um den Globus gespielt. Doch die anstrengenden Touren und die kreativ äußerst anspruchsvolle Veröffentlichung so vieler exzellenter Alben in kurzer Folge forderten ihren Tribut. Nachdem die Band "Tales from Another World" (2002) vorgelegt hatte, worauf sie unter anderem eine ausgedehnte Konzertreise quer durch die USA absolvierte, legten BEBORN BETON eine längere Pause ein. Erst 13 Jahre später kehrten BEBORN BETON zur großen Freude und Überraschung ihrer immer noch zahlreichen Anhängerschaft mit einem neuen Album auf Dependent Records zurück. "A Worthy Compensation" (2015) wurde von allen einschlägigen Magazinen wie Sonic Seducer und Orkus mit Lob überschüttet. Da BEBORN BETON nicht in einen unerbittlichen Produktionszyklus zurückfallen wollten, nahm sich das Trio genügend Zeit, um ein weiteres Meisterwerk zu komponieren. "Darkness Falls Again" hat all die köstlichen Zutaten, die Synth-Pop so großartig machen: Eingängige Songs, die die Beine zucken lassen. Eine Prise Melancholie. Eine Dosis Ironie. Aber auch eine Messerspitze Wut. BEBORN BETON haben mit ihrem letzten Album wieder Musik mit Aussagen und Verstand abgeliefert, was sich auf der EP "To the Stars" nahtlos fortsetzt. Nochmals willkommen zurück, BEBORN BETON!

Tracklist:
1. Ticket To The Moon
2. American Girls
3. Progeny
4. I Watch My Life On TV (Club Mix by Olaf Wollschläger)
5. My Monstrosity (EMMON Remix)
6. I Watch My Life On TV (Black Light Odyssey Remix)
7. My Monstrosity (Control Mix by Blac Kolor)

Source: Prophecy

DERO GOI kehrt mit einem Paukenschlag zurück! Der ehemalige OOMPH!-Frontmann liefert mit "1984" ein bis zum Rand mit Synthie-Hits vollgepacktes Doppelalbum ab. Das Debüt seiner Solo-Karriere ist zugleich sowohl in musikalischer als auch lyrischer Hinsicht ein starkes Statement zu seiner künftigen Ausrichtung als Künstler. "1984" bietet eine faszinierende Verschmelzung von feinen Retro-Synth-Sounds, EBM und Synth-Wave mit zeitgenössischen elektronischen Elementen, die sogar mit einer Prise seines früheren Lebens als Rock- und Metal-Musiker gewürzt ist. DERO GOI, der schon immer als herausragender Songwriter gefeiert wurde, hat sein musikalisches Handwerk noch weiter verfeinert. Die Songs dieses umfangreichen Werks werden ihre Hörer zum Tanzen und Mitsingen bringen und sich als Ohrwürmer in den Köpfen festsetzen, wo sie noch jahrelang feiern. DERO GOI bleibt dabei seinem unbeugsamen Willen treu, als nonkonformistischer Künstler zu arbeiten. Sein Coming-out als wiedergeborener Christ, der jeder organisierten Religion nach wie vor kritisch gegenübersteht, und seine libertäre politische Einstellung haben ein breites Spektrum von Reaktionen hervorgerufen. Dazu gehören leider auch massive Hindernisse bei der Suche nach einem Label und einem Booking-Agenten. Zudem musste der Künstler erleben, dass bereits bestätigte Konzerte nur aufgrund seiner Meinung wieder abgesagt wurden. Das wirft die unbequeme Frage auf: Wie tolerant ist eigentlich eine Szene, die sich rühmt, für jede Gesellschaftsschicht und jeden Lebensstil offen zu sein, wenn diese Werte einer kritischen Probe unterzogen werden? Natürlich haben auch Worte Konsequenzen und jede Freiheit hat ihre Grenzen, aber was ist mit einem Künstler, der fest auf dem Boden der Verfassung seines Landes steht und keine Gesetze bricht? Beinhaltet Freiheit nicht auch das Recht auf Widerspruch gegen den Zeitgeist? Dass DERO GOI bei Themen eine andere Meinung vertritt, ist kein Verbrechen. Bevor der Musiker, der am 16. April 1970 als Stephan Musiol in Wolfsburg geboren wurde, im Jahr 1989 OOMPH! gründete, spielte er bereits im Alter von 15 Jahren in einer Band mit seinem Freund Thomas Döppner (alias OOMH!-Gitarrist und Mitbegründer Crap), als beide noch Gymnasiasten waren. Seine musikalischen Einflüsse zeigen einen offenen Geist für stilistische Vielfalt. DERO GOI zählt unter anderem D.A.F., NITZER EBB, FRONT 242, THE CURE, FAITH NO MORE, KILLING JOKE, EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN, AC/DC, DEPECHE MODE, EXTRABREIT, KRAFTWERK, THE BEATLES, ELVIS PRESLEY und ABBA zu seinen musikalischen Vorbildern. DERO GOI hat mit seinem neuen Werk einen Weg eingeschlagen, der elektronischer ist als die meisten seiner bisherigen Songs. "1984" ist das Zeugnis eines Künstlers, der sich einer breiten Palette diverser Einflüsse bedient, der aber zugleich auch seine weithin respektierte Fähigkeit, äußerst eingängige Melodien zu schreiben, noch weiterentwickelt hat. Was auch immer die Hörer von diesem massiven Beitrag zur elektronischen Szene halten werden, DERO GOI wird sich als Sänger und Künstler nie den Mund verbieten lassen. Liebt oder hasst "1984" – aber was auf diesem Album zu hören ist, wird immer zu 100% DERO GOI bleiben!

Tracklist CD:
01. The First Stone
02. Whistleblower
03. (What If God Was) One Of Us
04. Being Alive
05. Resurrected
06. Nah Nah Nah
07. The Great Reset
08. 322
09. Shitstorm
10. Clickbait
11. Saturday
12. A Long Way Out
13. It Is Finished
14. Game Boy
15. 1984
16. Under The Bridge

Tracklist Artbook und LP:
01. The First Stone
02. Whistleblower
03. Resurrected
04. Clickbait
05. Learning Deutsch
06. Being Alive
07. It Is Finished
08. The Great Reset
09. The Devil Is A Liar
10. 322
11. Shitstorm
12. 1984
13. (What If God Was) One Of Us
14. Saturday
15. Nah Nah Nah
16. Friendly Fascism
17. Under The Bridge
18. Trance
19. Unmasked
20. Archangels
21. Game Boy
22. JC
23. A Long Way Out

Source: Prophecy

Die üppige Box mit den Singleauskopplungen vom 2017er Album "Spirit" überzeugt nur bei der Highline Session. Ansonsten sind die Remixe eher was für den eingefleischten, betuchten Fan.

Source: MedienKonverter

Mit "The Machine in the Ghost" erreichen HAUJOBB den beeindruckenden Meilenstein des zehnten Studioalbums. Auch ihr neuestes Werk unterscheidet sich von all seinen Vorgängern. Das derzeit in Leipzig residierende Duo verweigert sich weiterhin standhaft jeder Wiederholung. "The Machine in the Ghost" unterscheidet sich bereits durch die Verwendung von Feldaufnahmen, um die Sounds für dieses Album zu erzeugen. Um die gewünschten Effekte zu erzielen, haben HAUJOBB bewusst auf eine Mischung aus Software und Hardware gesetzt – letzteres in Form von mit Alltagsgegenständen erzeugten Tönen. Diese symbolische Anspielung auf eine Zeit, in der es weniger Software und mehr analoges Drehen an den Reglern gab, ergänzt das Thema von "The Machine in the Ghost" um einen Hauch von Retro-Feeling – ohne jede nostalgische Verklärung. Das Album dreht sich um die spannungsgeladene Beziehung zwischen analog und digital, Geist und Materie. Als sich HAUJOBB im ostwestfälischen Bielefeld zunächst zu einem Trio formierten, kamen ihre Haupteinflüsse noch aus der Vancouver-Schule des Industrial – und speziell SKINNY PUPPY sowie FRONT LINE ASSEMBLY. Dies ist auf ihrem ersten Album "Homes & Gardens" (1993) noch hörbar, doch schon bald wurden HAUJOBB selbst als Aushängeschilder eines modernen elektronischen Industrial-Sounds angesehen. Auf den folgenden Alben "Freeze Frame Reality" (1995) und "Solutions for a Small Planet" (1996) entfernten sich die Deutschen zunehmend von den kanadischen Einflüssen, indem sie damit begannen, IDM (Intelligent Dance Music) mit Industrial und EBM zu verschmelzen. Damit katapultierten sich die Deutschen mitten in die internationale Szene und verschafften sich sogar in den USA einen Kultstatus. Auch nachdem HAUJOBB zum Duo mutiert waren, blieben sie einflussreich und insbesondere ihr 2011 in Eigenregie veröffentlichtes Album "New World March" gilt als weitere Großtat. Mit "The Machine in the Ghost" schlagen HAUJOBB ein neues spannendes Kapitel in ihrer bemerkenswerten Karriere auf. Unmittelbar zu Beginn der nächsten industriellen und kreativen Revolution, die der rasante Aufstieg der künstlichen Intelligenz auszulösen verspricht, legen HAUJOBB ihre metaphorischen musikalischen Finger erneut direkt an den Puls der Zeit.

Tracklist:
01. Uncanny Valley
02. Uselessness
03. In The Headlights
04. Under The Gun
05. Tommorrow
06. The Internation
07. Opposition
08. Singularity
09. Mass
10. While It Rains

Bonustracks (nur Artbook)
01. In The Headlights (Extended Remix)
02. In The Headlights (Qual Tech Support Mix)
03. Mass (Hammered)
04. Uselessness (Quiet)
05. Opposition (ACTORS Remix)
06. Uselessness (Absolute Body Control Remix)
07. The Internation (Chrome Corpse Remix)
08. Opposition (Storm Remix)
09. Singularity (Agent Side Grinder Remix)
10. Mass (Tribute)
11. Opposition (Thorofon Remix)
12. Uselessness (Loud)

Source: Prophecy

Es gibt mehr als eine Art, BEBORN BETONs neuntes Album "Darkness Falls Again" zu hören: Es lässt sich einfach nur tanzen und als zeitgenössische Synthie-Pop-Hymnen genießen, die musikalisch fest in den goldenen 80ern verankert sind – und mit einer Prise leckerer 90er-Einflüsse serviert werden. Eingängige Melodien und ausgereiftes Songwriting verbinden sich zu einer klanglichen Spritztour. Doch BEBORN BETON legen ihren Finger auch auf den Puls unserer Zeit. Das Trio spricht sich lyrisch klar gegen Frauenfeindlichkeit, sexuelle Diskriminierung und Umweltzerstörung aus. BEBORN BETON wurden 1989 von Sänger Stefan Netschio, Keyboarder und Schlagzeuger Stefan Tillmann sowie Keyboarder Michael Wagner gegründet. Die drei Deutschen setzten sich erfolgreich zum Ziel, den Synth-Pop relevant zu halten und ihn um wichtige Inhalte zu bereichern. Nach den ersten beiden regulären Alben "Tybalt" (1993) und "Concrete Ground" (1994) trafen BEBORN BETON in ihrer neuen Label-Heimat auf namhafte Acts wie WOLFSHEIM und DE/VISION. Nachdem sich die Elektro-Musiker in Deutschland fest etabliert hatten, expandierten die Drei mit dem 1996 erschienenen Album "Nightfall" ins Ausland, wo sie ebenso wie mit den folgenden Scheiben "Truth" (1997) und "Fake" (1999) bei Kritikern und Fans auf große Gegenliebe stießen. Spätestens mit dem im Jahr 2000 erschienenen Werk "Rückkehr zum Eisplaneten" hatten sich BEBORN BETON in ihrer Szene fest als Headliner positioniert und in allen Hochburgen der elektronischen Musik rund um den Globus gespielt. Doch die anstrengenden Touren und die kreativ äußerst anspruchsvolle Veröffentlichung so vieler exzellenter Alben in kurzer Folge forderten ihren Tribut. Nachdem die Band "Tales from Another World" (2002) vorgelegt hatte, worauf sie unter anderem eine ausgedehnte Konzertreise quer durch die USA absolvierte, legten BEBORN BETON eine längere Pause ein. Erst 13 Jahre später kehrten BEBORN BETON zur großen Freude und Überraschung ihrer immer noch zahlreichen Anhängerschaft mit einem neuen Album auf Dependent Records zurück. "A Worthy Compensation" (2015) wurde von allen einschlägigen Magazinen wie Sonic Seducer und Orkus mit Lob überschüttet. Da BEBORN BETON nicht in einen unerbittlichen Produktionszyklus zurückfallen wollten, nahm sich das Trio genügend Zeit, um ein weiteres Meisterwerk zu komponieren. "Darkness Falls Again" hat all die köstlichen Zutaten, die Synth-Pop so großartig machen: Eingängige Songs, die die Beine zucken lassen. Eine Prise Melancholie. Eine Dosis Ironie. Aber auch eine Messerspitze Wut. Und das Ganze wird mit jeder Menge an Verstand gekrönt. Willkommen zurück BEBORN BETON!

Tracklist:
01. My Monstrosity
02. Dancer In The Dark
03. Last Chance
04. Trockenfallen Lassen
05. I Watch My Life On TV
06. Electricity
07. Burning Gasoline
08. I Hope You're Not Easily Scared

Bonus tracks (artbook only):
09. Religion
10. The Day Before Everything Breaks Apart
11. Dancer In The Dark (The New Division Remix)
12. Last Chance (Man Without Country Remix)
13. Dancer In The Dark (Club Mix by Olaf Wollschläger)
14. Electricity (Unify Separate Remix)
15. My Monstrosity (Sydney Valette Remix)
16. Dancer In The Dark (Piston Damp Remix)

Source: Prophecy

XIX. AMPHI FESTIVAL 2025

19 & 20 July 2025

Tanzbrunnen Koln, De 

 

A date we all dark people are longing for each year! Near the end of July, Cologne and Tanzbrunnen venues by Rhein river will once again be painted black and host a fabulous goth and alternative music celebration and gathering.

An awesome and killer line-up this year too! Organizers never seize to amaze us with the bands announced each year and the surprises they prepare for us.

The planning for our Amphi Festival 2025 is already in full swing and we are delighted to give you a further insight into our line-up. You can look forward to a great program with the following acts already confirmed:

LORD OF THE LOST
CAMOUFLAGE
ANNE CLARK
OOMPH!
DIE KRUPPS
SUICIDE COMMANDO
SHE PAST AWAY
[:SITD:]
STAHLMANN
NACHTBLUT
EISFABRIK
ERDLING
KLANGSTABIL
ROME
ASHBURY HEIGHTS
[X]-RX
TRAITRS
MAERZFELD
QUAL
HELL BOULEVARD
THE NOSFERATU
WISBORG
DUCTAPE
REIN
ABU NEIN
SANZ
BLOODY DEAD AND SEXY
ALIEN VAMPIRES
DUNKELSUCHT
UNIFY SEPARATE
GULVØSS

More bands are being planned and will be announced soon.

Make sure you get your tickets in time and be there when we experience another great festival together in 2025.

◊ Original Festival Line-Up HERE

Source: ElectroWelt.com

Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy

KIRLIAN CAMERA sind ein kreativer Wirbelwind der musikalischen Innovation. Die mitreißende Kraft ihrer Inspiration manifestiert sich sowohl destruktiv, wenn es um das Einreißen von Grenzen in Bezug auf Genre, Stil und Konventionen geht, als auch konstruktiv, wie beim Errichten einer neuen Klangarchitektur auf den Ruinen der alten. Auch das jüngste Meisterwerk der Italiener, "Radio Signals for the Dying", folgt dieser Tradition und erklimmt dabei einen weiteren künstlerischen Höhepunkt. Oberflächlich betrachtet wandeln KIRLIAN CAMERA erneut auf dem dunklen musikalischen Pfad, den sie auf ihrem letzten Doppelalbum "Cold Pills (Scarlet Gate of Toxic Daybreak)" (2021) eingeschlagen haben. Dass die italienischen Elektro-Provokateure direkt mit dem Nachfolger noch ein prächtiges Doppelwerk folgen lassen können, spricht Bände über ihre ungeheure kreative Energie. Dabei bringt "Radio Signals for the Dying" keineswegs eine bloße Wiederholung des glorreichen Vorgängers. Stattdessen verändern KIRLIAN CAMERA ihren Sound auf subtile Weise durch raffinierte Details, reizvolle Tricks, großartige Effekte, unerwartete Wendungen und musikalische Ausflüge sowie spannende Variationen bestehender Themen. Seit über vier Jahrzehnten erschaffen KIRLIAN CAMERA ein Reich vielschichtiger Klangkonstruktionen, okkulter Transzendenz und subversiver Inhalte, die schon immer zum Kern ihrer Kunst gehörten. In der Vergangenheit hat die im besten Sinne schamlose, zuweilen geradezu unverschämte Lust der Italiener an der Provokation der Welt einen ehrlichen Spiegel vorgehalten und damit wiederholt Kontroversen ausgelöst. Die Italiener haben nie damit aufgehört, nach neuen Antworten zu suchen und ihre Hörer auf eine abenteuerlichen musikalischen Reise zu okkulte Dimensionen und magischen Orte von gefährlicher Schönheit und freudiger Dunkelheit mitzunehmen. KIRLIAN CAMERA sind Elektro-Schamanen, Rockmystiker, Klangrevolutionäre und Hohepriester der freien Künste, die als musikalischer Phönix im kreativen Feuer von "Radio Signals for the Dying" erneut wiedergeboren werden.

Tracklist:
Disc 1
1. Il Tempo Profondo
2. Stella Ominis
3. Winter (In memory of Adrian Borland)
4. Götter, Geht Weg!
5. Monarch Architecture
6. Wrong
7. Madre Nera
8. Luminous Shade (incl. Julian Assange's speech excerpts)

Disc 2
1. The Great Unknown
2. C. R. U. D (Corpse Recovery Unit D)
3. Deleted MSG
4. Genocide Litanies
5. Il Tempo profondo (Radio Signal version)
6. Esilio
7. We Have To Amputate
8. Homicide Aristocracy

Bonus CD (nur Artbook)
1. Il Mio Odio E' Per Voi
2. Odyssey Europa (Italian version)
3. Stella Ominis (Italian version)
4. Esilio (Sant'Elena version)
5. Il Mattino Di Cristallo (Crystal Morn)
6. Povera Patria
7. FiumeRosso
8. L'Ottavo Presidente (The 8th President)

Source: Prophecy

Die schöne Chrysantheme in ihrer Form mit schlichter, weißer Blütenfarbe wird auch Friedhofsblume genannt. Aufgrund ihrer Langlebigkeit wird sie gerne zur Dekoration von Gräbern verwendet. Für BLACK NAIL CABARET ebnet die Blüte der Chrysantheme den Weg für unser eigenes Porträt am Sterbebett. Der Sensenmann kommt zu uns allen. Die Aussicht auf das Ende verwandelt uns in angsterfüllte Gefäße. Wir könnten diese besser mit so vielen anderen Dingen füllen, aber die Furcht vor dem Tod durchdringt alles. Der Titel des sechsten Albums des ungarischen Pop Noire Duos, "Chrysanthemum", symbolisiert ein Aufbegehren gegen die Angst, aber auch Akzeptanz. BLACK NAIL CABARET bleiben durchaus auch ihrem Hang zur sexuell expliziten Provokation treu, doch die unterbewusste Angst vor dem Tod mit ihrer großen emotionalen Kraft, zieht sich metaphorisch als roter Faden durch "Chrysanthemum". Die Erotik der Ungarn bildet statt billiger Klischees ihre gelebte BDSM-Realität künstlerisch ab, die von hohen ästhetischen Ansprüchen geleitet wird. Musikalisch haben BLACK NAIL CABARET ihr herausragendes Songwriting auf "Chrysanthemum" weiter perfektioniert. Es gelingt dem Duo scheinbar mühelos, dunkle elektronische Klänge mit Elementen des Pop Noire zu vereinigen. Ihre Kompositionen stehen auf eigenen Beinen und benötigen keine elektronischen Spielereien, wodurch sich BLACK NAIL CABARET wohltuend abheben. Spätestens mit ihrem selbst veröffentlichten vierten Langspieler "Pseudopop" (2018) verschmolzen die Ungarn erfolgreich Kunst, Pop, dunkle Harmonien und kraftvolle Elektronik miteinander. Mit dem folgenden fünften Album "Gods Verging on Sanity" (2020) setzten BLACK NAIL CABARET ihren Siegeszug auch international fort. Der exzellente Ruf des Duos verbreitete sich rasch auch durch Mundpropaganda, und das trotz aller Einschränkungen durch die globale Pandemie. Endlich stehen die Sterne günstig, dass BLACK NAIL CABARET die Welt mit diesem dunklen Soundtrack über die Schönheit des Lebens erobern, was diese strahlend weiße Blume von scheinbarer Unschuld letztlich auch symbolisiert, deren Duft aber auch die ewige Macht des Todes verbreitet: "Chrysanthemum".

Tracklist:
01. My Home Is Empty
02. Autogenic
03. Totem and Taboo
04. Never Enough
05. Neurons
06. 1mg
07. Darkness Is A Friend
08. Godspeed
09. Roadtrip
10. Teach Me How To Techno
11. The Faceless Boy

Bonustracks (nur Artbook):
01.Remains of A StarGone Supernova
02.The Killing
03.Weeding
04.Autogenic (Die Arkitekt Remix)

Source: Prophecy

Das neue BLACK NAIL CABARET Album "Woodland Memoirs" unterscheidet sich deutlich von allen bisherigen Veröffentlichungen des ungarischen Avantgarde Synth Pop Duos. Für ihr einmaliges Experiment zum Wesen von elektronischer und analoger Musik haben BLACK NAIL CABARET befreundete Musiker hinzugezogen: den Gitarristen Tamás Számvéber, den Saxophonisten Márton Barják, ein ehemaliges Mitglied der ungarischen Ska-Band CsizmáSKAndúr, und Péter Laskay am Schlagzeug. Unter dem Namen BLACK NAIL CABARET AND FRIENDS veröffentlichen die Ungarn ein atemberaubendes Album, das zwar in vielerlei Hinsicht ein Teil ihres musikalischen Kosmos ist, sich aber gleichzeitig als ein spannendes Nebenprojekt von ihren regulären Werken abhebt. BLACK NAIL CABARET haben insgesamt elf Tracks von jeder ihrer früheren Veröffentlichungen ausgewählt und in BLACK NAIL CABARET AND FRIENDS Songs umgewandelt. Die Transformation gelang durch das Hinzufügen von Gitarre, Schlagzeug und Saxophon in einem fließenden Aufnahmeprozess, der halb live erfolgte und dadurch viel Raum für Improvisationen ließ. Um den organischen Charakter ihrer eigenen "Coverversionen" zu unterstreichen, fügten BLACK NAIL CABARET wunderschöne Aufnahmen aus dem Agostyán Arboretum in Ungarn hinzu. Als BLACK NAIL CABARET im Jahr 2020 mit ihrem zweiten Album "Gods Verging on Sanity" in der internationalen Szene auftauchten, erlangte das Duo trotz aller Einschränkungen durch die globale Pandemie vor allem durch Mundpropaganda einen hervorragenden Ruf. Zu diesem Zeitpunkt hatten BLACK NAIL CABARET bereits mit ihrem selbst veröffentlichten Debütalbum "Pseudopop" (2018), das Kunst, Pop, dunkle Harmonien und kraftvolle Elektronik erfolgreich miteinander verschmolz, einen starken Eindruck in der elektronischen Musikszene ihrer ungarischen Heimat hinterlassen. BLACK NAIL CABARET zeichnen sich von Anfang an durch einen Hang zur sexuell expliziten Provokation aus. Während die Ungarn peinliche, billige Klischees erfolgreich vermeiden, schildern sie kunstvoll ihre gelebte BDSM-Realität, die von hohen ästhetischen Ansprüchen getragen wird. Mit "Woodland Memoirs" teilen BLACK NAIL CABARET AND FRIENDS ein einzigartiges musikalisches Experiment mit der Welt, das auf wunderbare Weise diverse Genre- und Stilgrenzen überschreitet und ihre Musik innerhalb und außerhalb der Welt des elektronischen Sounds für neue Ohren öffnet.

Tracklist:
01. Diamond Dogs
02. Sister Sister
03. Comfort Zone
04. Dora
05. My Casual God
06. No Gold
07. Veronica
08. Steril
09. Rhythm X
10. Satisfaction
11. Bête Noire

Source: Prophecy

GIRLS UNDER GLASS kehren mit einem Knaller zurück! "Backdraft", das neue Studioalbum der Deutschen ist eine kreative Explosion, in der all die Sounds der früheren Werke frisch vereint in einem hellen Licht neu erstrahlen. Das Album wechselt mühelos von eingängigem Gothic Rock über elektronischen Dark Wave bis zu melodischem Post-Punk. Obwohl diese Töne an die 80er und frühen 90er Jahre erinnern, haben sich GIRLS UNDER GLASS keineswegs auf ihren kreativen Lorbeeren ausgeruht, sondern ihre Musik mit einer wieder aufgeladenen Batterien und hörbar erneuerter Leidenschaft in das neue Jahrtausend geholt. Trotz aller Klassik gehen GIRLS UNDER GLASS auch neue Wege, wie in ihren Texten, die im Jahr 2023 weniger persönlich gehalten sind und sich verstärkt mit den dystopischen Themen unserer Zeit beschäftigen. Ein willkommener Schritt zurück ist dagegen die Rückkehr von Sänger Thomas "Tom" Lücke, der nicht nur wieder auf der Bühne zu sehen ist, wo er sich mit dem aktuellen Frontmann Volker Zacharias abwechselt, sondern Tom hat auch die Tracks der EP eingesungen, die dieses Album begleitet. GIRLS UNDER GLASS gründeten sich im Jahr 1986 in Hamburg und stiegen schnell zu einer Speerspitze der deutschen Gothic Rock und Dark Wave Szene auf. In den Jahren 1994 bis 2006 erweiterte die Band ihren musikalischen Horizont und experimentierte mit den Sounds von Rock, Crossover und sogar Heavy Metal. Mit ihrer beeindruckenden Diskographie und einer großen, treuen Fangemeinde wirkte es wie ein Schock, als die Band ihre Aktivitäten im neuen Jahrtausend stark einschränkte. Glücklicherweise hat das lange Warten nun endlich ein Ende: GIRLS UNDER GLASS melden sich mit einem ebenso feurigen wie leidenschaftlichen Album zurück. Mit "Backdraft" kehrt die Band dorthin zurück, wo sie hingehört: an die Spitze!

Source: Prophecy

MILDREDA sind vom Teufel besessen! Das zweite physische Album der belgischen Elektro-Shootingstars mit dem vielsagenden Titel "Blue-Devilled" entpuppt sich als Konzeptalbum. Die Idee der "Hölle" zieht sich als roter Faden durch das Album, wobei der studierte Philosoph und Bandkopf Jan Dewulf jedoch nicht das religiöse Inferno meint. Er folgt inhaltlich vielmehr dem französischen Existentialisten Jean-Paul Sartre, dessen Hölle sich in den Augen anderer Menschen widerspiegelt. Musikalisch erweist sich "Blue-Devilled'' im Vergleich zum direkten Vorgänger "I Was Never Really There" als abwechslungsreicher. Die neuen Tracks bestechen mit mehr Melodien und Klangfarben. Dabei sind die düsteren kanadischen EBM-Einflüsse durchaus noch präsent, ebenso wie eine gute Prise des belgischen Stils. Doch der neue, erweiterte und offenere Sound zeigt das wahre Gesicht von MILDREDA. Im Jahr 1995 veröffentlichte der 16-jährige Jan Dewulf im Eigenverlag sein erstes Tape "II Castrato" unter dem MILDREDA-Banner. Dem rohen Erstling folgte im Jahr 1996 eine weitere Kassette mit dem Titel "De Laffe Denker" – die in Elektrokreisen vielfach kopiert wurde und weite Verbreitung fand. MILDREDA gewannen eine vielköpfige Anhängerschaft und einen ausgezeichneten Ruf in der belgischen Szene – und weit darüber hinaus. Es folgten Live-Auftritte mit so bekannten Acts wie PLASTIC NOISE EXPERIENCE, TERMINAL CHOICE, COVENANT, VNV NATION und vielen anderen. Trotz des schnellen Durchbruchs machte sich Unzufriedenheit mit dem Musikgeschäft bei Dewulf breit, der MILDREDA daraufhin auf Eis legte. In den folgenden Jahren absolvierte er ein Philosophiestudium und startete ein neues Projekt unter dem Namen DISKONNEKTED, das sich mehr auf Dance-Einflüsse fokussierte. Dennoch wuchsen MILDREDA auch während ihrer Abwesenheit durch Mundpropaganda weiter. Im Jahr 2016 kehrte Dewulf mit der digitalen Veröffentlichung "Coward Philosophy" zu seiner Liebe, den dunklen elektronischen Klängen, zurück. Das erste physisches Album "I Was Never Really There" katapultierte MILDREDA im Jahr 2021 zurück ins Rampenlicht der Electro-Szene. "Blue-Devilled" markiert, sowohl musikalisch als auch lyrisch, einen weiteren Meilenstein in der Karriere von MILDREDA. Die Belgier sind zurück und liefern den Beweis, dass selbst in einer philosophischen Hölle der Teufel immer noch die besten Songs schreibt!

Tracklist:
01. Awakening
02. Karma Oyster
03. Friendly Fire
04. Damaged Goods
05. Huis Clos
06. Prophecies
07. Lobotomy
08. Miss Destruction
09. A Shift in Perspective
10. Mirror View
11. Devil's Gaze
12. A Dog from Hell

Bonus CD:
01. Connecting the Dots
02. Frozen in Time
03. Houdini Blues
04. Oceans of Regret
05. Before I got Wise

Source: Prophecy

NEROGRIS' Debütalbum "I Am the Shadow - I Am the Light" feiert die Gegensätze: Unerbittlich pumpen treibende Beats, während dunkle musikalische Texturen den leeren Raum füllen. Eingängige Melodie weben die starken Klangfäden, welche diesen elektronischen Kosmos zusammenhalten. Das außergewöhnliche Newcomer-Duo gedeiht vor allem durch Gegensätze und Kontraste. Die klanglichen Wechsel von laut zu leise, hell zu dunkel und melodiöse Töne zu dissonantem Lärm laden ein zu Vergleichen mit klassischer Elektronik unter anderem wie X MARKS THE PEDWALK, PARACONT und NUMB. Sogar einen augenzwinkernden Hauch von JAN HAMMER findet sich. All diese Elemente sowie auch zeitgenössische Zutaten ergeben zusammen ein höchst dynamisches Album. "I Am the Shadow - I Am the Light" verbindet auf elegante Weise analoge Wärme und ausgereiften Sound mit dunkler digitaler Präzision. NEROGRIS entstanden aus einem Instrumentalprojekt des Keyboarders und Elektromusikers Kain, der gerade Old-School-Fans bereits durch seine Arbeit mit der Dark Wave, EBM, Industrial und Splatter-House Band LES BERRTAS bekannt ist. Als Tinoc vom heißen sächsischen EBM-Insider-Tipp AMNISTIA um einen kleinen Gesangsbeitrag für das Projekt gebeten wurde, lieferte der Sänger spontan und in Rekordzeit Stimmeinsätze und Texte für alle Tracks ab. Dies überzeugte Kai auf der Stelle so sehr, dass er sein Projekt kurzerhand in ein Duo umwandelte und ein komplettes Album produzierte. So waren NEROGRIS geboren und bereit, den Planeten Electro zu erobern. Mit "I Am the Shadow - I Am the Light" liefern NEROGRIS ein beeindruckendes Debütalbum ab, das Freunden dunkler elektronischer Klänge jeder Generation neues Futter liefert. Alle Regler auf 10!

Tracklist:
01. inicio
02. shadowlight
03. reality & fiction
04. silent anguish
05. pájaro
06. down
07. cuervo nada más
08. deepest fear
09. alone
10. sombra de palomas
11. mundo oscuro

Bonustracks (nur Artbook)
12. silbato
13. breathe
14. faith
15. fiebre oscura
16. deepest fear (video edit)

Source: Prophecy

Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy

2ND FACE-Vordenker Vincent Uhlig hat mit seinem Zweitwerk "utOpium" die durch das umjubelte Debütalbum "Nemesis" geschürten hohen Erwartungen weit übertroffen. Der ausgebildete deutsche Klangmagier hat ein vielschichtiges Meisterwerk geschaffen, das nicht nur audiophilen Hörern puren Ohrenschmaus bietet, wie jeder Kopfhörer-Test bestätigt, sondern es begeistert auch mit exzellentem Songwriting und lyrischem Tiefgang. Der Sound von "utOpium" ist höchst transparent und detailliert, gleichzeitig aber auch aggressiv und kraftvoll, was perfekt zum Industrial-Genre passt, in dem 2ND FACE agieren und dessen Horizont sie erweitern. Uhlig hat fünf Jahre Blut, Schweiß und Tränen in dieses Monstrum von einem Album investiert. Sein Werk zeugt von einem tiefen Respekt vor der Industrial-Szene. Die Dunkelheit der belgischen Schule hat im Sound von 2ND FACE ebenso hörbare Spuren hinterlassen wie Anklänge an SKINNY PUPPY und sogar eine Prise der Avantgarde-Pioniere TOOL. Trotz aller Bezugnahme auf die Industrial-Tradition geht Uhlig aber auch hörbar eigene Wege, was sich beispielsweise in der Verwendung eines von seinem Vater – dem Krautrock-Pionier Wolf-Rüdiger Uhlig (MURPHY BLEND, HANUMAN) –geerbten EMS Synthi AKS und PPG-300 Modular System manifestiert. Textlich taucht "utOpium" in die Abgründe des menschlichen Geists ein und begibt sich dabei auf eine philosophische Reise zur Selbsterkenntnis. Obendrein halten 2ND FACE der Gesellschaft auf subtile Weise einen Spiegel vor, die angesichts von Klimawandel, Seuche und Krieg kollektiv auf Selbsthypnose durch (Soziale) Medien setzt. 2ND FACE wurden im Jahr 2014 von Vincent Uhlig in der rheinland-pfälzischen Landeshauptstadt Mainz ins Leben gerufen. Das im Jahr 2017 erschienene Debütalbum "Nemesis" wurde weithin als "Newcomer des Jahres" aufgenommen und erhielt nicht nur viel Kritikerlob, sondern verkaufte sich auch hervorragend. Mit der EP "Nihilum" (2018) bestätigten 2ND FACE ihr Ausnahmetalent und ihren Status als schnell aufsteigende neuer Stern am Industrial-Himmel. Mit "utOpium" gelingt 2ND FACE ein qualitativer Quantensprung und der Sound dieses Albums setzt sicherlich auf Jahre hinaus Maßstäbe im Industrial-Genre. Setzt eure Kopfhörer auf oder dreht die Lautsprecher hoch und lasst "utOpium" krachen!

Tracklist:
utOpium
01. Momentum
02. formula Extinction
03. Vox Irae
04. Mydriasis
05. life(l)over
06. Underneath the Silence
07. aether
08. 1 of the Others
09. Public Enemy
10. faith

Bonus tracks (artbook only:
dystOpium
01. egoSpectre
02. Sainted Ground Fading (2k18 Demo)
03. Black Dust (2k18 Demo)
04. Sublunar (2k19 Demo)
05. Terminus (2k20 Demo)
06. 1 of the Others (Director's Cut)

Source: Prophecy

Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy

Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy

Zahlreichen Fans zufolge gilt Kirlian Cameras Album "Coroner's Sun" aus dem Jahr 2006 als das beste Werk der Band. Der einzigartige Stil dieses italienischen Duos bleibt unübertroffen, unverwechselbar und innovativ. Die rhythmischen Muster, die Kompositionen und die künstlerischen Effekte, die in jedem Song zur Geltung kommen, werden perfekt umgesetzt. Die Exzellenz von "Coroner's Sun" beruht nicht nur auf dem außerordentlichen Gesangstalent von Elena Alice Fossi, sondern auch auf der bemerkenswerten musikalischen Herangesehensweise, der anspruchsvolles Songwriting nahtlos mit Elementen aus Elektro, Techno und eindringlichen Pop-Hymnen verbindet, allesamt durchdrungen von einer apokalyptischen Aura.

Source: Prophecy

Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy

Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy