KADAVRIK haben mit dem Video-Clip zu „Das Ende des Anthropozäns“ eine zweite Single ihres kommenden Albums „Erde 666“ veröffentlicht. Das neue Album der deutschen Melodic Death Metal-Band wurde von Willi Dammeier im Institut für Wohlklangforschung in Hannover aufgenommen und gemixt und von Chris Fielding gemastert. Release-Termin ist der 9. Januar 2026.

Zuvor hat die Band bereits ein Video zum Song  “Erde 666” geteilt:

Der Track ist gleichzeitig der Titelsong eines neuen Albums, das Ende 2025 veröffentlicht werden soll.  Mit der neuen Platte läutet die Melodic Death Metal-Band nach zehnjähriger Pause einen kleinen Kurswechsel ein:

„Während Titelsong “Erde 666” mit seinem verspielten Keyboards noch am ehesten an frühe Werke erinnert, mischen die 5 Überlänge-Tracks Doom-Sludge und Metal-Epik zur KadavriK-Rezeptur hinzu.“ (KADAVRIK über ihr neues Album „Erde 666“)

KADAVRIK Line-Up:
Niklas – Gitarre & Gesang
Christoph – Gitarre
Oliver – Bass
Hannes – Synth
Frank – Schlagzeug

KADAVRIK „Erde 666“ Tracklist
1. Erde 666 (Video bei YouTube)
2. Widerhall
3. Nihilist
4. Getrümmerfreund
5. Das Ende des Anthropozäns (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Mit „Beneath the Mountains“ wird am 7. Januar 2026 das neue Album der Stoner / Doom Metal-Band GIANT erscheinen. Es ist nach „Born Again Dead Again“ (2020) das zweite Album der Australier aus Melbourne und wurde von Amesh Perera (MAMMON’S THRONE) aufgenommen und gemixt und von Brad Boatright gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Tristan Barnes (GROWTH).

GIANT Line-Up:
PattO))) – Guitars, Vocals
Sean „1/2 Giant“ – Guitars, Vocals
Louis Reed – Bass
Geeks – Drums

GIANT „Beneath the Mountains“ Tracklist
1. Beneath The Mountains (Audio bei Bandcamp)
2. Echoes Eternal (Audio bei Bandcamp)
3. Lord Misery
4. Gods of Violence
5. The Fated Path

Source: Vampster

Die Metal / Punk-Band KARLOFF hat nach „A Pessimistic Soaring“ und „Crown Kvlt Fate“ mit „Regicide“ einen dritten Track ihres kommenden Albums „Revered by Death“ veröffentlicht. Es ist nach „The Appearing“ (2022) das zweite Album der Deutschen aus Oldenburg rund um Gitarrist und Sänger Tom Hoffmann (GRAVEYARD GHOUL).

„Revered by Death“ wird am 23. Januar 2026 via Dying Victims Productions erscheinen.

KARLOFF Line-Up:
Tom Horrified – Electric Rhythm & Lead Guitar, Vocals
H. T. Steinbrecher – Drums & Percussion
773 – Electric Bass Guitar

KARLOFF „Revered by Death“ Tracklist
1. A Pessimistic Soaring (Audio bei YouTube)
2. Die Wiederkehr der Dunkelei
3. When The Flames Devour You All
4. On Weathered Altar
5. Prince Of Parasites
6. Regicide (Audio bei YouTube)
7. Crown Kvlt Fate (Audio bei YouTube)
8. Elisabetha’s Revenge

Source: Vampster

Mit „Sketches of an Unseen Realm“ wird am 10. Januar 2026 das neue Album der Blackened Doom / Post-Metal-Band PARO erscheinen. Es ist das erste Album der US-Amerikaner aus Rochester, New York und wurde von Zane Knight und Doug White produziert.

PARO Line-Up:
Brian Behnke – vocals, keyboards
Chris Dalcin – drums, vocals
Jason Hartman – guitar, keyboards, vocals
Drew McGee – guitar, vocals
Miles Sirois – bass guitar

PARO „Sketches of an Unseen Realm“ Tracklist
1. The New Fire
2. All Returns to Earth
3. Waters of Life
4. Beneath the Unrelenting Sun (Audio bei Bandcamp)
5. Ascend (With Fire I Rise)
6. Present Moment Eternally
7. Anchored (Audio bei Bandcamp)
8. Vision in Black (Audio bei Bandcamp)

Source: Vampster

Die Death / Black Metal-Band MEMORIES OF A LOST SOUL hat nach „Immortal Rites“ mit „Into This Maze Of Torment“ einen weiteren Video-Clip ihres neuen Albums „Songs From The Restless Oblivion“ veröffentlicht.

Es ist das sechste Album der Italiener rund um Bandgründer Giuseppe „Buzz“ Nicolò. Release-Termin war der 13. Juni 2025 via My Kingdom Music. Davor ist mit dem Video-Clip zu „Prone To Revolting“ bereits die erste Vorab-Single erschienen.

MEMORIES OF A LOST SOUL Line-Up:
Noxifer (drums)
Buzz (guitar and vocals)
Dysphoria (keyboards)
Taz (bass)

MEMORIES OF A LOST SOUL „Songs From The Restless Oblivion“ Tracklist
1. The Dark Knight Descends
2. Immortal Rites (Video bei YouTube)
3. Darkness Within
4. Through These Mortal Eyes
5. Two Dividing Souls
6. Requiem Of Eternal Souls
7. The Clockwork Part2
8. Into This Maze Of Torment (Video bei YouTube)
9. Shattered Like The Sun
10. Prone To Revolting (Video bei YouTube)
11. Melancholy Of The Endless Night

Source: Vampster

Die Death Metal-Band BOUND TO PREVAIL hat nach „Tomb of the Graveless“ nun auch den Titeltrack ihres kommenden Albums „Enthroned in Torment“ veröffentlicht. Es ist das erste Album der Band aus Malta und wird am 7. Januar 2026 via Lethal Scissor Records erscheinen. Vorab gibt es zu „Consecrated Perdition“ auch ein Lyric-Video.

BOUND TO PREVAIL Line-Up:
Keith Fenech – guitars
Kevin Mifsud – bass
Alan Briffa – vocals
Jean Vella – guitars
Mark Farrugia Sant’Angelo – drums

BOUND TO PREVAIL „Enthroned in Torment“ Tracklist
01. The Nevergod
02. Into the Depths
03. Defier of Empires
04. Consecrated Perdition (Lyric-Video bei YouTube)
05. Atone in Blasphemy
06. Dawn of Emptiness
07. Tomb of the Graveless (Audio bei YouTube)
08. Enthroned in Torment (Audio bei YouTube)

Source: Vampster

Mit „Restoration“ wird am 9. Januar 2026 via Dusktone das neue Album der Progressive Death Metal-Band DENOMINATE erscheinen. Es ist nach „Those Who Beheld the End“ (2016) und „Isochron“ (2020) das dritte Album der Finnen aus Oulu. Vorab gibt es den Track „The Cistern“ zu hören.

DENOMINATE Line-Up:
Tuomas Pesälä – Bass
Joni Määttä – Drums
Eetu Pylkkänen – Guitars
Kimmo Raappana – Guitars
Ville Männikkö – Vocals

DENOMINATE „Restoration“ Tracklist
1. The Loathe Process
2. Husk
3. Of Passing
4. Liminal
5. The Cistern (Audio bei YouTube)
6. Restoration

Source: Vampster

Die Melodic Death Metal-Band VANIR hat mit „Wyrd“ ein neues Album angekündigt. Es ist das achte Album der Dänen und wurde bei Demigod Recordings gemixt und gemastert. Release-Termin ist der 3. April 2026 via Mighty Music.

Der visuelle Kern des Albums wird durch den Künstler David Troest zum Leben erweckt, dessen Cover den geflügelten Husaren zeigt, eine der furchterregendsten Kriegsmaschinen der Geschichte. Die Szene spielt in der legendären Schlacht von Wien im Jahr 1683, in der die polnische Kavallerie das Osmanische Reich zum Rückzug zwang und dessen Expansion nach Europa stoppte. Dieser Zusammenprall der Zivilisationen bildet etwa den Hintergrund für den Song „Never Surrender“, der aus der Perspektive derjenigen erzählt wird, die Wien vor der Invasion verteidigten.

VANIR Line-Up:
Martin Drageholm – vocals
Kirk Backarach – guitars
Lasse Heiberg – guitars
Mikael Christensen – bass
Jon Elmquist Schmidt – drums
Stefan Dujardin - keyboards

VANIR „Wyrd“ Tracklist
1. Against The Storm
2. Never Surrender
3. Braavalla
4. Boudica
5. Da Lammet Brød det 6. Segl
6. Helgrinidir
7. Mod & Ære
8. De Forbandede År
9. Nine

Source: Vampster

Die Symphonic Metal-Band METEORA hat mit „Shadows of Ignorance“ eine erste Single ihrer kommenden EP „Dissonance“ veröffentlicht. Die Scheibe schließt eine dreiteilige EP-Trilogie ab und wird am 23. Januar 2026 via H-Music erscheinen. Vor der Trilogie haben die Ungarn drei Alben veröffentlicht.

METEORA Line-Up:
Noémi Holló – Vocals
Máté Fülöp – Bass, Grunts
Dániel Baranya – Guitar
Dániel Schreiber – Guitar
Gábor Kása – Drums
Atilla Király – Keys, Vocals

METEORA „Dissonance“ Tracklist
01. Darkest Light
02. Shadows Of Ignorance (Video bei YouTube)
03. Dissonance – My Reality, Pt. IV
04. Witch Hunt – Tragedy Of Delusion, Pt. III

Source: Vampster

Mit „Limb Service“ wird am 9. Januar 2026 via Morbid and Miserable Records das neue Album der Blackened Death Metal-Band NIGHNACHT erscheinen. Es ist nach drei EPs das erste Album der US-Amerikaner rund um Sänger Don oft he Dead (NUNSLAUGHTER). Gemixt und gemastert wurde das Album von Noah Buchanan. Vorab gibt es den Track „Worms Wriggling“ zu hören.

NIGHNACHT Line-Up:
Bass – Acrid
Vocals – Don of the Dead
Guitar – Lord Paimon
Drums – Sire

NIGHNACHT „Limb Service“ Tracklist
1. Witches Brew
2. Limb Service
3. Torn Apart By Wild Dogs
4. Spirits
5. Descent Into Shadows
6. Taphophilia
7. Worms Wriggling (Audio bei Bandcamp)
8. Troll Bridge
9. Brawl Of Bone And Fury
10. Lovers Vomit

Source: Vampster

Die Gothic Metal-Band FOR MY PAIN ist zurück: über 20 Jahren nach dem Debütalbum „Fallen“ (2003) werden die Finnen ihr neues und zweites Album „Buried Blue“ veröffentlichen. Gemixt wurde das Album von Mikko Karmila (u.a. für AMORPHIS tätig), während das Cover-Artwork aus der Feder von Travis Smith (u.a. für KATATONIA) tätig. Release-Termin ist der 9. Januar 2026.

FOR MY PAIN Line-Up:
Juha Kylmänen – Vocals
Lauri Tuohimaa – Guitars
Olli-Pekka Törrö – Guitars
Altti Veteläinen – Bass
Marco Sneck – Keyboards
Ari-Matti Pohjola: Drums

FOR MY PAIN „Buried Blue“ Tracklist
1. Hungry For Desire
2.⁠ Windows Are Weeping (feat. Troy Donockley)
3. WitchBitch Elite
4. Child of the Fallen
5. Gone Tomorrow
6. Time Will Heal Our Wounds
7. Tether (feat. Riina Rinkinen)
8. Isle of Solitude
9. Recoil Into Darkness
10. Black Calla Lilies
11.⁠ ⁠Burnt-Out Sun

Source: Vampster

  An InterView with Chris Harms of Lord of the Lost   By Ilker Yücel (Ilker81x)

Germany’s dark rock darlings maintained a creative high in 2025, releasing two volumes of the OPVS NOIR album series [..]

Source: RE:GEN Mag

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Source: RE:GEN Mag

Kann sich noch jemand an die Sampler „The Lamb Of The Invisible Light“, „Im Blutfeuer“, „The Pact“ oder „Mysteria Mithrae“ erinnern? Diese „Lichtscheiben“ waren damals Anfang bis Mitte der 90er Jahre ein wichtiger Indikator der gerade aufkommenden Neo Folk/Martial Industrial-Szene und ein Leitbild für die danach etwas inflationär folgenden Themen-Compilation, welche leider nicht mehr ganz die Strahlkraft wie die Eingangs erwähnten Kopplungen hatten. Die Szene ist ja inzwischen wieder aus dem Fokus der Öffentlichkeit entschwunden, aber immer noch da und mehr zusammen gerückt, wie stabil in ihren Festen. Die Gemeinschaft hält zusammen, Konzerte finden meist unter dem Radar im privaten Kreis statt und die Tonträger werden im Eigenverlag veröffentlicht. „Flammenlieder III“ ist einer davon, der in kleiner Auflage als CD privat über LEGER DES HEILS heraus gegeben und jetzt noch einmal auf Vinyl beim kleinen Only The Sun Knows-Label aus Dessau verlegt wurde. Die international kuratierte Zusammenstellung setzt sich aus DER ARBEITER (CHILE), STORMFÄGEL (Schweden), LARRNAKH (Ungarn), AIN SOPH (Italien) und LEGER DES HEILS zusammen. DER ARBEITER gibt dabei einen instrumentalen Ausblick auf sein kommendes Album „Fernweh“ bei Only The Sun Knows Records und STORMFÄGEL haben ihren Song „Rise Again“ noch einmal neu aufgenommen, der bis jetzt nur digital erhältlich war. LEGERS DES HEILS steuert dann einen neuen und für ihn typischen Titel, wie LARRNAKH ebenso einen langen dreigeteilten neuen Track bei. Zwar nicht exklusiv, aber erstmals auf Vinyl das Beste zum Schluss, denn die Live-Aufnahme von AIN SOPH war schon bei Klanggalerie auf der „An die Freude“-CD zu finden. Dort war es der Opener und auf „Flammenlieder III“ ist es der „Rausschmeißer“, welcher es wahrlich in sich hat. Martialisch erhaben, rituell und lo-fi schrammlig zugleich vereint „Datemi Pace“ alle typischen Merkmale der Römer, für die sie geliebt und gehasst werden. „Flammenlieder III“ ist endlich mal wieder eine liebevoll aufgemachte Neo Folk-Zusammenstellung in stimmiger Präsentation mit durchaus haptischen Reizen! 207 durchnummerierten Exemplare im hervorragend gepressten schweren weißen Vinyl gib es davon, denen auch noch ein hochwertig gestaltetes Booklet beiliegt. Es gab auch parallel eine auf 55 Stück limitierte Box-Edition, welche allerdings schon ausverkauft ist. Deshalb ist bei der „normalen“ LP ebenso Eile geboten und wenn, am besten beim Label direkt, wo noch einige Restexemplare erhältlich sind. (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin

Nachdem wir uns erst heute noch gefragt haben, ob man mit EBM inzwischen eher handeln oder sie im Tresor lagern sollte – Stichwort And One und...

Source: MedienKonverter

Es gibt Alben, die gelten als Meilensteine. Und es gibt Alben, die einfach gut funktionieren. Tanzomat von ‘And One’ gehört – das haben wir in unserer...

Source: MedienKonverter

Der Verfasser mag sich etwas weit aus dem Fenster lehnen mit seiner Annahme, aber die in Frankreich lebende, in Italien geborene Künstlerin, die unter dem Namen AILISE BLAKE arbeitet, ist vermutlich kein Partyanimal. Wie auch, wenn sie sich über Wochen und Monate völlig allein in eine Hütte zurückzieht, um ein traumgleiches Album wie „Soave“ zu schreiben und aufzunehmen. Diese Solitüde ist greifbar. Man meint AILISE BLAKE als durchsichtige Erscheinung durch einen Herbstwald schweben zu sehen, weil auch ihre Musik so unkonkret und ihre Stimme so transparent zu sein scheint.

AILISE BLAKE lässt die nebelige Feuchte kalter Herbstwälder spüren: „Soave“ ist ein sinnliches Album.
AILISE BLAKE hat diese Art des Songwritings gut im Griff. Es klingt beinahe ritualistisch, wie „Soave“ sich zwischen Neofolk, Dreampop und Shoegaze seine eigene Nische sucht. Diese Genres sind nicht zu weit voneinander entfernt, und so schafft es AILISE BLAKE, all das stimmig in etwas Eigenes zu gießen. „Soave“ hat eine alte Seele, es scheint direkt aus verrauchten Räumen von 1970er-Kultstätten zu entflogen zu sein. „Apollo (The Attraction Towards The Sun)“ ist wie ein Fiebertraum zwischen JONI MITCHELL und CURRENT 93 und trotz seiner traumartigen Entrücktheit eines der direktesten Lieder dieses Albums.

AILISE BLAKE hat sich hörbar Zeit genommen, diese Songs zu arrangieren, wie „Lustration“ verdeutlicht. Die Gitarren mögen das Lied einleiten, dazu kommen perlende Synthesizer, roh verzerrte Leadgitarren, Bass und rituelles Drumming. Daneben verweigert sich die Musikerin durch ihren, wie zwischen den Instrumenten schwebenden Gesang, einer simplen Eingängigkeit. Viel mehr ist „Soave“ ein Album, bei dem die Instrumente mehr Wiedererkennungswert haben, als der Gesang – gerade das verströmt eine Faszination, denn AILISE BLAKE lässt sich nur schwer greifen. Immerhin hat dies Methode, wie „Consecration“ und „Devotion“ zeigen.

Zwischen Akribie und improvisierten Momenten: AILISE BLAKE balanciert auf „Soave“ zwischen zwei Polen.
Dennoch schafft es die Musikerin, Spannungsbögen einzubauen. Hauchzart nur, aber immerhin. Diese Steigerungen sind mal deutlicher, mal subtiler – so richtig erschließen sie sich erst nach mehrmaligem Hören. Dennoch wären etwas mehr direkte Momente, wie in „Primordial“ schön gewesen, denn gerade hier zeigt AILISE BLAKE, dass sich atmosphärische Dichte und im Kopf festsetzende Songfragmente nicht ausschließen müssen. Gerade das mehr als 15-minütige Doppel „Exaltation (Part I)“ und „Annihilation (Part II)“ hat kaum Ankerpunkte, dafür mit der einen oder anderen Länge zu kämpfen. Immerhin: Gerade „Annihilation (Part II)“ verzaubert dennoch mit einem vollwertigen Soundbild, das durch Klavier und Streicher vervollständigt wurde. Dass „Risorgimento“ als Abschluss dann doch wieder etwas erdet und ein herzzerreißendes Finale bietet, lässt die knapp 50 Minuten versöhnlich enden.

„Soave“ ist ein absolut stimmungsabhängiges Album und funktioniert vor allem, oder vielleicht auch ausschließlich, in Zuständen, wenn sich die Gedanken im Nebel verlieren, und die Welt sowieso. Die Multiinstrumentalistin AILISE BLAKE fasziniert mit ihrer beschwörenden Stimme und hinterlässt bleibenden Eindruck. Das zweite Album der Solokünstlerin verströmt Hingabe und Liebe, ist einerseits akribisch ausgearbeitet, wirkt aber dennoch frei und ungebunden. Wer introvertierten Neofolk mag, sich in diesem Sound aber psychedelische Versatzstücke und eine nicht zu unterschätzende Komplexität wünscht, ist bei einem sinnlichen Album wie „Soave“ genau richtig.

Wertung: 6 von 8 Samhaintänze

VÖ: 7. November 2025

Spielzeit: 48:22

Line-Up:
AILISE BLAKE

Label: These Hands Melt

AILISE BLAKE „Soave“ Tracklist:
1. Apollo (The Attraction Towards The Sun) (Official Video bei Youtube) 
2. Lustration
3. Consecration (Official Video bei Youtube) 
4. Devotion
5. Primordial
6. Exaltation (Part I)
7. Annihilation (Part II)
8. Risorgimento

AILISE BLAKE „Soave“ Full Album Stream bei Youtube 

Mehr im Netz:
https://www.ailise-blake.com/
https://ailiseblake.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/ailise_blake/

Source: Vampster

Warum in die Ferne schweifen, wenn das Doomige liegt so nah: NAEVUS aus dem süddeutschen Bietigheim-Bissingen laden dich mit “Back Home” dorthin ein, wo du dich zu Hause und geborgen fühlen kannst.  Denn “Back Home”, zurück nach Hause, ist ein Ort voller Wärme und Geborgenheit. Aber er birgt auch die Gefahr, schmerzhafte Erinnerungen zu wecken, die tief in dir verborgen schienen, und denen du dich nun wieder stellen musst.

“Back Home” ist nach Sun Meditation (1998) und Heavy Burden (2016) das dritte Album der Baden-Württemberger und neun Jahre nach dem letzten Album auch eine Heimkehr ohne spürbaren Bruch. NAEVUS präsentieren das Album im selben Line-up wie die beiden Vorgänger und wirken dabei gereift und selbstbewusst.

NAEVUS „Back Home“ – Doom zwischen Wärme und Schmerz
„Back Home“ lebt von seinen massiven Gitarrenwänden, die dem Album seine Schwere geben und zugleich ein wohliges Gefühl vermitteln. Die Gitarren von Uwe Groebel und Oliver Großhans (ex-SACRED STEEL)  sind voller Wärme, aber auch voller Melancholie und Schwere. Dennoch schwingt immer auch eine Verletzlichkeit über diesem Album, die es zart und melancholisch wirken lässt. Dieses emotionale Spannungsfeld übersetzen NAEVUS konsequent in ihren Sound. Sei es durch die zweistimmigen Melodien oder klanglich breite, gezupfte Passagen. Oder durch den Gesang von Uwe Groebel, der Emotion und Melancholie ohne Pathos transportiert. Dazu gesellen sich kurze, aber songdienliche Soli, die so eine Verbindung und eine Atmosphäre zwischen Sehnsucht, Vergänglichkeit und der Stärke erschaffen, die der Musik innewohnt.

Die Songs von „Back Home“ sind voller Ideen und auf den Punkt
Die Songs sind im Midtempo angesiedelt, nur gelegentlich wird das Tempo leicht angezogen, und kommen durchweg auf den Punkt. Dennoch finden sich darin immer wieder kleine Ideen, die das Album spannend halten. Statt monotonem Wiederholen ein und desselben Riffs, finden sich auf “Back Home” eine schlaue Rhythmusarbeit an Bass und Schlagzeug, oft mehrstimmige Gitarrenarbeit und Gesangsstimmen. Mit einem Granätchen wie Matthias Straub (SACRED STEEL) am Drumkit braucht man sich als Band wohl auch keine Sorgen über den musikalischen Rückhalt zu machen – neben straightem, kraftvollem Drumming gibt es immer wieder feine Variationen, Auslassungen und Fills zu entdecken, denen alleine es Spaß macht, zuzuhören.

Abgerundet wird „Back Home“ durch das stimmige Cover-Artwork von Roland Scriver (40 WATT SUN, SERPENT VENOM) und der wuchtigen aber dennoch feinen Produktion von Benjamin Hölle, die dem Album seine Schwere und dennoch Luftigkeit verleiht.

NAEVUS liefern mit „Back Home“ Doom mit Substanz und Groove. Einzelne Anspieltipps zu nennen fällt schwer. Jeder Song hat seinen Platz, und das Album klingt wie aus einem Guss.
Also gönn dir am Besten einen längeren Besuch “Back Home” – auch wenn es manchmal vielleicht Erinnerungen weckt, die dir weh tun werden. Aber: du bist dabei nicht allein.

Spielzeit: 45 Minuten

VÖ: 19. September 2025

Label: Dying Victims Productions

 

NAEVUS Line-up:
Uwe Groebel – Vocals, Guitars
Sven Heimerdinger – Bass, Vocals
Oliver Grosshans – Guitars
Mathias Straub – Drums

 

NAEVUS „Back Home“ Tracklist
1. Intro
2. Back Home (Audio bei YouTube)
3. The Dead Don’t Sleep (Lyric-Video bei YouTube)
4. My Fire
5. Under A Different Sky
6. Ghost
7. Angels Never Come
8. Master Of Shiver (Clip bei YouTube)
9. Free The Ravens Fly

Source: Vampster

Die goldene Ära: Wo liegt sie denn im Fall von PARADISE LOST? Bei rund 37 Jahren Bandgeschichte dürfte unter der Anhängerschaft eine einheitliche Antwort schwerfallen. Anfang der 90er? Eine Handvoll Jahre später? In den späten 2000ern oder gar erst in der letzten Dekade? Was die Angelegenheit so knifflig macht, ist auch der unablässige Drang der Band, neues Terrain zu erkunden; von Doom über Gothic bis zu elektronischen Experimenten.

Was also, wenn es tatsächlich eine Art Konsensantwort gäbe? Ein „Best of“ sozusagen, das sich allerdings nicht am eigenen Archiv bedient. „Ascension“ käme einem solchen Gedankenexperiment wohl am nächsten, denn auf ihrem 17. Studiowerk vereinen PARADISE LOST tatsächlich all jene Tugenden, die sie zu verschiedenen Punkten ihrer Karriere auszeichneten.

PARADISE LOST-Sänger Nick Holmes zeigt sich auf „Ascension“ variabel und ausdrucksstark
So zieht uns die klagende Lead-Gitarre von „Serpent On The Cross“ unmittelbar in den Bann, während der Song für Bandverhältnisse alsbald überraschend viel Zug nach vorne entwickelt, ausladendes Solo inklusive. Die Growls tauscht Sänger Nick Holmes anschließend gegen tief-warmen Klargesang, als „Tyrants Serenade“ die Gothic-Anleihen im TYPE O NEGATIVE-Stil ins Zentrum rückt.

Seine stimmliche Variabilität unterstreicht der Frontmann zudem im siebenminütigen Doom-Death-Epos „Salvation“, das gleichermaßen atmosphärisch vielschichtig wie vereinnahmend ist und durch einen klitzekleinen Gastbeitrag Alan Averills (PRIMORDIAL) gekrönt wird. Ausdrucksstark zeigt sich Holmes zudem in „Savage Days“, wo PARADISE LOST kurzzeitig mit ihrer „One Second“-Phase (1997) liebäugeln, bevor das anschließende „Sirens“ im Fahrwasser von „Faith Divides Us“ (2009) ein gutes Jahrzehnt nach vorne springt.

PARADISE LOST vereinen auf „Ascension“ alle Facetten ihres bisherigen Schaffens
Zu kurz kommt dabei kein Kapitel der eigenen Bandgeschichte, da man mit „Silence Like The Grave“ sogar einen Gruß Richtung „Icon“ (1993) aussendet. Das Faszinierende an dieser Werkschau, wenn man so will, ist jedoch der Kontext, in welchem sie geschieht. Denn PARADISE LOST verkommen auf „Ascension“ keinesfalls zur bloßen Selbstkopie. Die Referenzen sind deutlich auszumachen und trotzdem gelingt es Hauptsongwriter Greg Mackintosh, daraus etwas Eigenes zu formen.

Das schleppende „Lay A Wreath Upon The World” beispielsweise profitiert enorm vom sphärischen Damengesang im Hintergrund und natürlich der transparenten Produktion, die kein Detail verschluckt. Die Stücke können auf diese Weise atmen und dennoch erdrückend wirken, wenn es das Songwriting verlangt.

Auf „Ascension“ trifft eine deutliche künstlerische Vision auf einen umfangreichen Erfahrungsschatz
Es ist ein weiterer Beleg dafür, dass hier eine deutliche künstlerische Vision auf einen umfangreichen Erfahrungsschatz trifft. „Ascension“ vereint alle Stärken und Eigenheiten der Gothic / Doom Metal-Vorreiter in zehn packende Songs und weitet diese Philosophie sogar auf die beiden optionale Bonustracks aus. Es wirkt fast so, als seien sich PARADISE LOST vor allem einer Sache sicher: Die goldene Ära ist jetzt.

Veröffentlichungstermin: 19.09.2025

Spielzeit: 51:02 / 60:01 (inkl. Bonus-Tracks)

Album-Line-Up
Nick Holmes – Vocals
Greg Mackintosh – Gitarre
Aaron Aedy – Gitarre
Steve Edmondson – Bass
Guido Zima Montanarini – Drums

Produziert von Greg Mackintosh und Lawrence Mackrory (Mix)

Label: Nuclear Blast

Homepage: https://paradiselost.co.uk/
Facebook: https://www.facebook.com/paradiselostofficial/
Instagram: https://www.instagram.com/officialparadiselost/
Bandcamp: https://paradiselostofficial.bandcamp.com/

PARADISE LOST “Ascension” Tracklist

Serpent On The Cross (Visualizer bei YouTube)
Tyrants Serenade (Video bei YouTube)
Salvation (Video bei YouTube)
Silence Like The Grave (Video & Stream)
Lay A Wreath Upon The World (Video bei YouTube)
Diluvium
Savage Days
Sirens
Deceivers
The Precipice
————————-
This Stark Town (Bonus-Track)
A Life Unknown (Bonus-Track)

Source: Vampster

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Ich gebe es offen zu: Dieser Review lag bei mir länger auf dem berühmten inneren Stapel „mache ich später“. Nicht aus Desinteresse, sondern weil sich mein Verhältnis...

Source: MedienKonverter

With the video for the single “Remain”, Kissin’ Black bring a warming summer feeling into the cold season. The calm, emotional song lives from the soulful piano sounds and the characteristic, strong voice of Giu Mastrogiacomo. It is part of the album “Veleno”, which was released in 2023. For mastermind Giu, “Remain” is “a bit […]

Source: Orkus

Weihnachten ist also vorbei, es ist wieder Montag, der Baum nadelt so vor sich hin und irgendwo zwischen Plätzchenrest, Kalenderleere und latentem Silvesterstress stehen plötzlich zwei Tage...

Source: MedienKonverter

Falling You was founded in 1995 in San Francisco by composer and producer John Michael Zorko. His new album “Metanoia” deals with transformation. In other words, how events beyond our control cause us to redefine ourselves. John explains: “‘Metanoia’ in Greek means ‘change of mind’ or ‘change of heart’ – a transformation that comes from […]

Source: Orkus

Das ist einmal ein Einstand: OPPRESSION aus Frankreich drücken ihrem Debütalbum „No Safe Place“ recht eindrücklich und unverkennbar den Black Metal-Stempel auf. Auch wenn den Kompositionen kein Preis für Innovation zu verleihen ist, so wirkt die Musik ehrlich, bleibt kompromisslos („Attrition“) auf Genre-Schiene und geht richtig gut ins Ohr. Das liegt zum einen daran, dass es die Band aus Bordeaux versteht, Tempo, Melodie und Aggression derart gut auszubalancieren, dass die einzelnen Tracks einfach „flutschen“ („Psalm for the Fallen“, „The Call of the Night“). Dazu packen OPPRESSION dann und wann klassische Black Metal-Trademarks aus, wie das kurze „Uh“, um einen neuen Songabschnitt einzuleiten, oder binden gar Symphonic Black Metal-Elemente mit ein, um auch etwas Bombast zur Geltung kommen zu lassen. Das alles ist ein Indiz dafür, dass „No Safe Place“ – entgegen seinem Titel – eine sichere Bank ist, wenn es darum geht, einfach nur einen gut umgesetzten Querschnitt durch die Nuancen von Black Metal hören zu wollen. In diesem Zusammenhang stört es dann auch gar nicht mal so, dass dem Album aufgrund der fehlenden Ecken und Kanten eine gewisse Uneigenständigkeit nachzusagen ist. Aber solange das Album als Ganzes „flutscht“ und nicht langweilt, passt das. Ein starker Einstand.

Veröffentlichungstermin: 12.12.2025

Spielzeit: 41:17 Min.

Line-Up:
G.S.V – vocals and lyrics
Tom L – guitar and composition
Predark – guitar
Desert – bass
John A – drums

Label: Folter Records

Mehr im Netz: https://www.facebook.com/oppressionblackmetal/

OPPRESSION „No Safe Place“ Tracklist
01 – No Safe Place (1:51)
02 – Attrition (4:25) (Lyric-Video bei YouTube)
03 – Homeland’s Fury (5:32)
04 – Psalm for the Fallen (4:38)
05 – Maria Rosenthal (6:42)
06 – Journey Beyond Consciousness (2:49)
07 – End Humanism (5:31)
08 – The Call of the Night (6:05) (Audio bei Bandcamp)
09 – Nice Death Matters (3:44)

Source: Vampster

British photographer Jamie Mahon shows just how sexy villains – especially female ones – can be in his new photo book “Villians”. His best fetish works from the early days to the present are compiled here. – Many of them have never been published before and are sure to send a shiver down your spine, […]

Source: Orkus

Mit „Times of Legend“ wird am 9. Januar 2026 via Silver Lining Music das neue Album der Heavy Metal-Band VENGER erscheinen. Es ist das erste Album der neuen Band rund um die Gitarristen Doug Scarratt (SAXON) und James Fogarty (OLD FOREST, EWIGKEIT).

VENGER Line-Up:
Doug Scarratt – guitars, lead guitars
James Fogarty – guitars, synths, bass, backing vocals
Franz Bauer – vocals
Sven Rothe – drums

VENGER „Times of Legend“ Tracklist
01 From Worlds Unknown (Video bei YouTube)
02 Pharaoh’s Curse
03 Navigate the Labyrinth (Video bei YouTube)
04 Crystal Gazer
05 The Legend Still Remains
06 Séance
07 Throw the Switch
08 Impaler of Souls
09 Tower of Babel

Source: Vampster

Die Symphonic Power Metal-Band DIVINE MARTYR hat mit „Resistance“ eine neue Single mitsamt Video-Clip veröffentlicht. Der neue Song der US-Amerikaner aus Indianapolis wurde von Jackson Ward aufgenommen und von Andy Menario gemixt. Davor hat die Band neben einer Reihe von Singles mit „Trials“ (2017) eine EP und mit „Tribulations“ (2022) eine Compilation veröffentlicht.

DIVINE MARTYR Line-Up:
Kassandra Chandler (vocals)
Mark McKowen (drums, orchestration)
Jason Hyde (guitar)
Woody Hughes (bass)

DIVINE MARTYR „Resistance“ (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Death Metal-Band ECTOVOID hat nach „Collapsing Spiritual Nebula“ und „Irradiated Self“ nun auch den Titeltrack ihres kommenden Albums „In Unreality’s Coffin“ veröffentlicht. Es ist nach „Fractured in the Timeless Abyss“ (2012) und „Dark Abstraction“ (2015) das dritte Album der US-Amerikaner aus Alabama.

„In Unreality’s Coffin“ wurde von Alex Parra bei Second Sight Sound aufgenommen und gemixt und von Dan Lowndes gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Paulo Girardi. Release-Termin ist der 9. Januar 2026 via Everlasting Spew Records.

ECTOVOID Line-Up:
C.B. – Rhythm Guitar/Vocals
R.S. – Bass
S.S. – Lead Guitar/Vocals
C.M. – Drums

ECTOVOID „In Unreality’s Coffin“ Tracklist
1. Dissonance Corporeum
2. Collapsing Spiritual Nebula (Audio bei YouTube)
3. Intrusive Illusions (Echoes From A Distant Plane)
4. Formless Seeking Form
5. Irradiated Self (Audio bei YouTube)
6. In Unreality’s Coffin (Audio bei YouTube)
7. Erroneous Birth
8. It Is Without Shape…
9. In Anguished Levitation

Source: Vampster

Mit „Mental“ wird am 23. Januar 2026 das neue Album der Modern Metal-Band MORPHIDE erscheinen. Es ist nach „Anhedonia“ (2022) das zweite Album der aus Lettland stammenden Band, die sich inzwischen in Kopenhagen niedergelassen hat. Gemixt und gemastert wurde das Album von George Lever.

MORPHIDE Line-Up:
Jelizaveta „Eissa“ Zovnercuka: Vocals
Kristians „Chris“ Konovalovs: Guitar / Bass / Drums

MORPHIDE „Mental“ Tracklist
01. Reborn
02. Of Healing Part 1 – Denial (Video bei YouTube)
03. Of Healing Part 2 – Anger (Video bei YouTube)
04. Of Healing Part 3 – Bargaining
05. Of Healing Part 4 – Depression (Video bei YouTube)
06. Of Healing Part 5 – Acceptance (Follow Me)
07. Epicaricacy
08. Save A Lie (Lyric-Video bei YouTube)
09. Take Me Back To The Other Side

Source: Vampster

Die Melodic Death / Doom Metal-Band ENSHINE hat nach „Shimmering“ mit „Heartbliss“ eine zweite Single ihres kommenden Albums „Elevation“ als Lyric-Video veröffentlicht. Es ist nach „Origin“ (2013) und „Singularity“ (2015) das dritte Album des internationalen Projekts, das maßgeblich von Jari Lindholm (EXGENESIS, Ex-SLUMBER) und Sebastien Pierre (FRACTAL GATES) betreiben wird. Release-Termin ist der 3. Januar 2026.

ENSHINE Line-Up:
Jari Lindholm – Guitars, keys, backing vocals
Sébastien Pierre – Vocals, keys

Session-Musiker
Giannis Koskinas – Bass guitar
Marcelo Aires – Drums

ENSHINE „Elevation“ Tracklist
1. Shimmering (Lyric-Video bei YouTube)
2. Heartbliss (Lyric-Video bei YouTube)
3. Where the Sunrise is Felt
4. Distant Glow
5. The Moment
6. The Purity of Emptiness
7. Soar to Fall
8. Reignite

Source: Vampster

Since its launch in 2022, Dresden’s Cold-Hearted Festival has rapidly evolved into a cornerstone of the European darkwave scene, selling out year after year and steadily expanding its reach. Returning in 2026, the festival once again solidifies its reputation as one of Europe’s premier gatherings for darkwave, coldwave, and post-punk devotees. This year, Cold Hearted Festival takes place on November 13th at Hamburg’s Markthalle, followed by November 14th at Dresden’s Alter Schlachthof.

Collectively, the bands on the bill span the full spectrum of darkwave, post-punk, and coldwave, from stark minimalism and synth-driven severity to guitar-led gothic urgency. Each act brings a distinct voice to the lineup, reinforcing Cold-Hearted Festival’s commitment to showcasing the breadth and vitality of the contemporary dark underground. It’s not just one of the coolest festivals in Europe…it’s ice-cold.

Leading the 2026 edition is Cold Cave, whose emotionally charged synth-pop and post-punk lineage has left a lasting mark on the modern darkwave canon. They’re joined by an international lineup including Kaelan Mikla, Gvllow, Ash Code, Qual, Haunt Me, Night In Athens, Darkways, Vioflesh, Skelesys, and Huir – a bill that reflects both the genre’s legacy and its restless forward momentum.

Cold Cave

Founded by Wesley Eisold, Cold Cave occupy a tense, singular space where synth-pop, post-punk, and darkwave converge under pressure rather than nostalgia. Stark electronics serve as emotional architecture, framing lyrics that oscillate between confession and confrontation. Drawing from industrial minimalism and romantic new wave in equal measure, their songs feel both inward-facing and immense. Renowned for live performances that favour release over spectacle, Cold Cave remain a vital, unflinching presence within the modern dark underground.

Passion Depression by Cold Cave

Kaelan Mikla

Icelandic trio Kaelan Mikla channel coldwave severity into something ritualistic and charged, where glacial synth lines, insistent bass, and incantatory vocals converge. Their songs move with a sense of repetition as invocation, drawing power from restraint rather than excess. Sung primarily in Icelandic, the music carries a stark, elemental weight: rooted in place yet unbound by it, earning the band a devoted following far beyond their homeland.

Stjörnuljós by Kælan Mikla

Gvllow

Hailing from California, Gvllow operate at the intersection of darkwave, EBM, and industrial, favoring impact over adornment. Distorted basslines drive the songs forward with blunt force, while commanding vocals cut through with confrontational intent. The result is music built for physical response: tense, unrelenting, and direct, translating with equal potency from record to stage.

Waste Away by GVLLOW

Ash Code

Italian trio Ash Code approach modern darkwave with a measured poise, fusing sleek, club-driven rhythms with a cool undercurrent of melancholy. Their tracks move with controlled momentum, where emotional restraint sharpens rather than dulls the impact. It’s music built for the dancefloor but shadowed by introspection, securing Ash Code a place among the most quietly compelling voices in the contemporary darkwave scene.

Synthome by Ash Code

Qual

The solo project of William Maybelline (Lebanon Hanover), Qual strips electronic music down to its most severe impulses. Drawing from EBM, industrial, and minimal synth, the project favours abrasion over comfort, repetition over release. The result is an uncompromising, confrontational body of work brought to life through performances that feel less like shows than sustained exercises in intensity.

Love Zone by Qual

Haunt Me

Haunt Me distill shadowed synth-pop and post-punk into tightly coiled, emotionally charged forms. Minimalist electronics and hushed vocals work in service of mood rather than excess, circling themes of isolation and unease. The songs unfold slowly, inwardly, steeped in nocturnal introspection, capturing the low-grade anxiety and quiet tension that sit at the core of contemporary darkwave.

Watch You Bleed by Haunt Me

Night In Athens

UK-based Night In Athens fuses classic post-punk tension with glinting synth textures, shaping songs that feel simultaneously cinematic and inward-facing. Atmosphere does the heavy lifting here: lines stretch, pulse, and recede, pulling the listener into a space of late-night reflection and low-level restlessness. It’s music that unfolds in half-light, sustained by mood and momentum.

WITHR (feat. Skelesys) by Night in Athens

Darkways

Spanish act Darkways works within coldwave and post-punk traditions while refining them through a contemporary electronic lens. Melody is never allowed to soften the blow; severity is held in careful balance with propulsion. The result is music that remains dark yet resolutely danceable, its melancholic pull sharpened by precision, rather than excess.

Eternidad by Darkways

Building on a track record of sold-out editions and a lineup that spans the breadth of darkwave and post-punk, Cold-Hearted Festival 2026 asserts itself as a key convergence point for the scene—drawing devotees from across Europe and well beyond.

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Source: Post-Punk.com

2025 felt like a century—yet it slipped away in a heartbeat. And when I try to retrace it month by month, it doesn’t play back like a neat timeline so much as a trail of vignettes, an oasis of music experiences amongst the desolation of each surreal news cycle. If you compare year-end lists across different sites, the overlap is thinner than usual—and I don’t think that’s a sign of fragmentation so much as abundance. There were simply too many releases worth defending, too many albums that demanded a second pass, then a third, then the kind of listening where you stop “reviewing” and start living inside them. In so many ways, it still feels like we’re in a golden age for the music we champion here.

Amidst all of that, I did have one certainty: my album of the year came from a place I never expected. If you had asked me five years ago whether AFI would land at the very top of my list—let alone that we’d be featuring them here—I would’ve said no without hesitation. Yes, there were tells: the post-punk pull of 2021’s Bodies, the darker contouring going back to 2013’s Burial. But Silver Bleeds the Black Sun isn’t a flirtation with the lineage—it’s a full-bodied commitment. It sounds like a band who spent their lives alone in the same darkened room as Bauhaus, Killing Joke, The Cure, and The Sisters of Mercy, absorbing the grammar, the tension, the romance, the bite—and then writing something with a spirit that shares the same greenroom with its Goth forebears.

Maybe I shouldn’t have been surprised. I’ve stood next to Davey Havok at more than a few shows over the years—watching stalwarts like The Mission and The Chameleons, and then catching newer artists too, the same kind of names he’s been calling out lately in interviews. That context makes Silver Bleeds the Black Sun hit even harder: it feels like a record made by lifelong fans—who understand exactly where this music came from and who still have the nerve to make it feel dark, dangerous, and danceable.

I had another moment like that halfway across the world. I was in a record store in Tokyo when Suede’s Antidepressants stopped me in my tracks—one of those “rewind it, play it again” encounters where the room briefly disappears. Suede have been on a consistently strong run since 2013’s Bloodsports (with 2016’s Night Thoughts still towering for me), and Antidepressants felt like that rare thing: a band with nothing to prove still finding new angles to sound urgent.

Besides the many phenomenal releases on my list—including Bootblacks, Lebanon Hanover, Lathe of Heaven, and Silver Tears—I also want to take a moment to spotlight a few newer artists I’d strongly recommend, projects that feel genuinely forward-moving rather than content to circle familiar ground. Tiffadelic immediately stood out to me for their soulful vocals—often ghostly in tone—layered over icy synth sounds that feel unearthed rather than assembled, echoing coldwave and darkwave currents from France and Germany in the ’80s through the 2000s. It’s as goth as it gets, but without affectation: the real thing, rooted in atmosphere and emotional gravity. Moon 17—who were first introduced to me by Spike Hellis—create old-school industrial music that is complex and operates in a space that actively defies standard EBM tropes. Their music carries the same sense of experimentation and risk that defined the Wax Trax era, but without the camo-and-crew-cut baggage that calcified the genre through the ’90s and 2000s. Some tracks unfold with strikingly beautiful vocals, others erupt into screams, and the tension between those extremes is exactly what makes the project so compelling. And finally, a mea culpa: we missed the mark this year by overlooking The Sick Man of Europe. Their self-titled album—particularly the track and single “Obsolete”—lands with sharp, nervy precision that recalls peak Colin Newman–era Wire: taut, intelligent, and mesmerizing.

There were plenty of other releases I wanted to squeeze in, and a few that deserve their flowers even if they didn’t make it into my top list. The Chameleons’ Arctic Moon earns an honourable mention, as well as Pink Turns Blue’s Black Swan, and Corpus Delicti’s Liminal, also stayed in heavy rotation for me, each in their own way reminding me why this strain of music keeps surviving every trend cycle. And Jim E. Brown’s I Urinated on a Butterfly was one of the year’s strangest pleasures— hilarious, satirical, self-effacing, and impossible to forget once it gets its hooks in. I also want to nod to Frank’s picks—especially The Horrors and Martin Dupont, and a few more that were just shy of being in my top 25,

My favorite EP this year was, by far, the bold early ’90s dance-pop diversion, the Trouble EP Automelodi by Nuovo Testamento, followed by Automelodi’s Chanson-synth masterpiece, the  Cavallo EP. And the Australian duo Sacred Hearts released my favorite single of the year with “Possession”.But as far as synth-pop goes, Madeline Goldstein and Ronnie Stone released, hands down, two of the best tracks of the year, with “My Own Design” and “BOUND 2 the RHYTHM”.

Honorable mentions on the singles front: Death Bells had two great ones, including “Shiver.” And the new tracks featured on Ductape’s Echo Drama Deluxe were fantastic, as well as the latest singles released in advance of their next album, Faded Flowers. And while David Byrne’s Who Is This Sky? Wasn’t my favourite of his solo work, but “T-Shirt”—with long-time collaborator Brian Eno—hit with all the kind of sly, minimalist synth brilliance that could hope for.

One last housekeeping note: there’s no Andi Harriman list this year, as she’s been buried in authoring a book that’s due out soon. We’ll be shouting about it properly when the time comes. For now, here’s my list—one attempt to pin down a year full of great music that flourished while society collapsed.

Alex’s List:
1. AFI – Silver Bleeds the Black Sun

Silver Bleeds the Black Sun… by AFI

2. Suede – Antidepressants

3. Lathe of Heaven – Aurora

Aurora by Lathe of Heaven

4. Silver Tears – Silver Tears

Silver Tears by SILVER TEARS

5. Bootblacks – Paradise

Paradise by Bootblacks

6. Lebanon Hanover – Asylum Lullabies

Asylum Lullabies by Lebanon Hanover

7. Odonis Odonis – Odonis Odonis

Odonis Odonis by Odonis Odonis

8. Ash Code – Synthome

Synthome by Ash Code

9. Korine – A Flame In The Dark

A Flame In The Dark by Korine

10. Ritual Howls – Ruin

Ruin by Ritual Howls

11. Soft Vein – Through Blinds

THROUGH BLINDS by SOFT VEIN

12. Rosa Anschütz – Sabbatical

Sabbatical by Rosa Anschütz

13. Home Front – Watch It Die

Watch It Die by HOME FRONT

14. Mareux – Nonstop Romance

15. Ultra Sunn – The Beast In You

The Beast In You by ULTRA SUNN

16. Safe Mind – Cutting the Stone

Cutting the Stone by Safe Mind

17. The Discussion – All the Pretty Flowers

All the Pretty Flowers by THE DISCUSSION

18. Moon 17 – TX_1320

TX_1320 by Moon 17

19. Nyx Division – Midnight Lights

Midnight Lights by Nyx Division

20. Body Maintenance – Far From Here

Far From Here LP by Body Maintenance

21. Tiffadelic – Retrosynthesis Vol. I

Retrosynthesis Vol. I by Tiffadelic

22. Pixel Grip – Percepticide: The Death of Reality

Percepticide: The Death of Reality by Pixel Grip

23. The Sick Man of Europe – The Sick Man of Europe

The Sick Man Of Europe by The Sick Man Of Europe

24. Automatic – Is It Now?

Is It Now? by Automatic

25. Sextile – yes, please

yes, please. by Sextile

EPs

1. Nuovo Testamento – Trouble EP

Trouble by NUOVO TESTAMENTO

2. Automelodi – Cavallo EP

Cavallo EP by Automelodi

3. Claudia Kane & Metallic Lover – A New Way To Hurt EP

A NEW WAY TO HURT EP by METALLIC LOVER, Claudia Kane

4. The Names – Procrastination EP

Procrastination EP by THE NAMES

5. Closed Mouth – You Don’t Need a God EP

You Don’t Need A God by closed mouth

Singles

1. Sacred Hearts – Possession

Possession by Sacred Hearts

2. Madeline Goldstein – My Own Design

My Own Design by Madeline Goldstein

3. Ronnie Stone – B0UND 2 THE RHYTHM

B0UND 2 THE RHYTHM by Ronnie Stone

4. Traitrs – Burn In Heaven

5. House of Harm – Away Above

Away Above by House of Harm

Frank’s List:
What a year… Before we even begin to address the myriad of excellent albums and singles released this year, I just wanted to call out that it was also a tremendous year for vinyl reissues – I spent quite a bit of time with freshly minted pressings of Requiem in White’s early catalogue, Anilore’s shimmering remix of debut record Still Awake, Q Lazzarus’ collection of long-lost demos and studio tracks, Lycia’s classic Estrella, The Sundays underrated sophomore LP, Vazz’s ethereal masterpiece Your Lungs and Your Tongues, Rick Cuevas from Zru Vogue’s special solo LP, Silent Scream’s cassette-only demos, Shudder to Think’s perfect Pony Express Record, The God Machine’s two pummeling albums, forever favorite Mira’s debut LP, Orbital’s seminal Brown Album, and of course, the massive Machina boxset from The Smashing Pumpkins. The past is alive and well! 

Otherwise, when looking at my list this year, it’s as clear as ever that I was all over the map. Year after year when I piece together these lists, I find that while there’s a few threads of connective tissue between the music I enjoy, an overarching theme, if one is even needed, is always difficult to identify. To me, loving a hodgepodge of music is what helps me feel more alive, and this year was all about embracing the different shadow sides and finding joy and beauty wherever I can. For lack of a better term, shoegaze remains supreme for me, as does a recent crop of revival sounds that tap into those early nineties alternative bands that I grew up with, but with the songs and hooks to counter the nostalgia. Of course, there are shades of caustic black metal, dark bedroom electronics, otherworldly drama and beauty, and barn-burning dance floor passion throughout this list, with perhaps a few surprises here and there.

To speak to my top three albums (lest we be here all day), Just Mustard’s third record was a lock for me even before it was officially released, as the Irish quintet has fully captured my heart and my ears and can do no wrong in my book. I must have clocked three listens to the album in one day, which is rare for me, and the album certainly hasn’t lost is luster over nearly a dozen more. Also unsurprising for me was Suede’s Antidepressants. As a lifelong devotee of this plucky band, they just seem to keep getting better and better, and just like their prior their latest record capitalizes perfectly on the band’s unsung post-punk roots, complete with a haunting Francis Bacon-inspired album cover to seal the deal. Be sure to seek out the extra tracks from the album sessions, one which delightfully channels Killing Joke and Bauhaus. Lastly, Martin Dupont’s first LP in 38 years was a welcome surprise – as one of the champions of the French coldwave movement, their latest LP is a real stunner, a brilliant combination of deep orchestral passages and the minimal cold sounds that they are best known for.

On the EP front, special shoutouts to Automelodi and Lowsunday for releasing two absolutely flawless extended plays this year as well. Both projects are forever at the peak of their powers. Meanwhile, modern (and impressively prolific) French band Closed Mouth were also a delight to discover this year – I’m still absorbing the sheer magnitude of material that this project has released in just a short time period, but everything I’ve heard has been gold. Speaking of shimmering gold, while Jeffery Runnings from flawless and underrated post-punk band For Against sadly passed away this year, he left a bittersweet parting gift with Piqued, a mostly instrumental record that calls to mind the delicate tonality of The Durutti Column and Not Drowning, Waving. Lead single “Batman Forever” is in a word, heartbreaking – a track to be used sparingly, but one that will stand the test of time in an already formidable body of work.

Otherwise, hopefully there’s something for everyone to enjoy on this list, and of course, much love to even those I couldn’t mention. See y’all in 2026!

LPs:

1. Just Mustard – WE WERE JUST HERE

WE WERE JUST HERE by Just Mustard

2. Suede – Antidepressants

3. Martin Dupont – You Smile When it Hurts

4. Deftones – Private Music

5. Winter – Adult Romantix

Adult Romantix by Winter
6. Nuclear Daisies – First Taste of Heaven

First Taste of Heaven by Nuclear Daisies

7. Public Memory – Public Sword

Public Sword by Public Memory

8. Wardruna – Birna

9. Bootblacks – Paradise

Paradise by Bootblacks

10. Lathe of Heaven – Aurora

Aurora by Lathe of Heaven

11. November Növelet – Electrical

Electrical by November Növelet

12. Rocket – R Is For Rocket

R is for Rocket by Rocket

13. Ritual Howls – Ruin

Ruin by Ritual Howls
14. Odonis Odonis – Odonis Odonis

Odonis Odonis by Odonis Odonis

15. Christopher Larkin – Hollow Knight: Silksong

Hollow Knight: Silksong (Original Soundtrack) by Christopher Larkin

16. Pulp – More.

More by Pulp

17. They Are Gutting a Body of Water – LOTTO

LOTTO by they are gutting a body of water

18. Lamp of Murmuur – The Dreaming Prince in Ecstasy

The Dreaming Prince in Ecstasy by Lamp Of Murmuur

19. Zanias – Cataclysm

Cataclysm by Zanias

20. Esses – Pain At the Altar of Jest

Pain at the Altar of Jest by ESSES

21. Desinteresse – Onschuld

Onschuld by Desinteresse

22. High. – Come Back Down

Come Back Down by High.

23. Bug Teeth – Ammonite

Micrographia by Bug Teeth

24. Miki Berenyi Trio – Tripla

Tripla by Miki Berenyi Trio

25. The Horrors – Night Life

EPs

1. Automelodi – Cavallo

Cavallo EP by Automelodi

2. Lowsunday – White

low sunday ghost machine white ep by lowsunday

3. Closed Mouth – You Don’t Need a God

You Don’t Need A God by closed mouth

4. Alison’s Halo – Skywide

Skywide by Alison’s Halo

5. Splizz – Splizz

Splizz by Splizz

Singles

1. Jeffrey Runnings – “Batman Forever”

Piqued by Jeffrey Runnings

2. Ortrotasce – “Mine Sorrow”

Mine Sorrow by Ortrotasce

3. Coatie Pop – “Surrender Your Heart”

Surrender Your Heart by Coatie Pop

4. Mouth Ulcers – “A Perfect End”

A Perfect End by Mouth Ulcers

5. HEALTH – “VIBE COP”
CONFLICT DLC by HEALTH

Listen to our Best of 2025 Playlist on Spotify! And be sure to purchase physical copies of the albums you like on this year’s list!

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Source: Post-Punk.com

Livebericht Teil 1
vom DE MORTEM ET DIABOLUM XI
05.+06.12.2025 in Berlin, Orwohaus
(Bericht und Photos by Domenico)

 

EINLEITUNG
Hallo zusammen,
mir sind Transparenz und Ehrlichkeit gegenüber meinen Lesern immer sehr wichtig gewesen. Deshalb nehme ich mir zunächst die Freiheit, eine ernstgemeinte Frage in den Raum zu werfen:
Was erwartet ihr von diesem Artikel? Die Antwort auf diese Frage ist mittlerweile deutlich weniger selbstverständlich als noch vor zehn Jahren.

Aus diesem Grund halte ich es für notwendig, diese Einleitung zu schreiben, um eine klare Ansage zu tätigen:
Wenn ihr jetzt erwartet, dass ich mich darüber beschwere, dass jeder dritte Zuschauer ein Shirt einer „problematischen“ Band getragen hat oder dass ich nach „Awareness“ schreie, weil ein 58-jähriger Penner eine 21-jährige Ukrainerin mit Corpsepaint begrapscht hat, oder dass ich mich wie ein Reggaeton-Sänger aufführen werde, weil eine D-Größe tragende 43-Jährige mir einen geblasen hat, während ich bei TSJUNDER in der ersten Reihe stand – dann könnt ihr gleich aufhören zu lesen und Reddit aufmachen. Dort werdet ihr Inhalte finden, die eher zu euren Interessen passen.

In diesem Artikel wird es nämlich um etwas ganz anderes gehen: um all das Schöne, was die Black Metal Szene zu bieten hat. Das DE MORTEM ET DIABOLUM 2025 war nämlich ein grandioses Festival und verdient einen mehr als erfreulichen Bericht.

 

ULTIMA NECAT

Die Dresdner Black Metal Band ULTIMA NECAT eröffnet das Festival. Der für die Aufteilung zuständige Mitarbeiter hat im Lateinunterricht wohl nicht aufgepasst. Der Bandname bedeutet nämlich so viel wie „Letzte Tötung“. Auf der Bühne steht die Jungfrau Maria zwischen brennenden Kerzen, und allen wird sofort klar, was gleich geschehen wird. In wenigen Sekunden werden wir vom blasphemischen Klang des Old School Black Metals überrumpelt, und die Zeit vergeht wie im Flug. Eine erste Show, über die nicht viel zu sagen ist, die das Publikum allerdings jubeln ließ.

 

NYRRST

Der zweite Slot des ersten Festivaltags ging an die isländische Band NYRRST. Dieses Mal ging es in eine eher melodischere Richtung, obwohl die Augenblicke zum Headbangen nicht gefehlt haben. NYRRST verkörpert quasi das isländische Leben auf ihre eigene Art und Weise: mit einer Musik, die von melancholischen Melodien bis zum hasserfüllten Geballer wechselt. Genau das führte dazu, dass man sich wie auf einer Tour durch Island fühlte, während man sowohl die Kälte des Landes als auch die Hitze der Vulkane ertragen musste und sich nur noch dachte, wie schön das alles ist. Die isländische Szene mag weniger berühmt sein als die der anderen skandinavischen Länder, aber sie ist vollgepackt mit phänomenalen Bands, die definitiv mehr Unterstützung verdient hätten. NYRRST war das beste Beispiel dafür. Diese facettenreiche Show ist eines der Highlights der diesjährigen Edition und wird niemals in Vergessenheit geraten.

 

VORGA

Weltraum-basierte Texte und Shirt-Designs, Laserspiele auf der Bühne und Old School Attitüde – die Karlsruher Band VORGA weiß ganz offensichtlich, wie man das Herz eines Physikers zum Schlagen bringt. Das war schließlich auch zu erwarten, da sie aus derselben Stadt kommen wie eines der wichtigsten Dokumente der Geschichte der Kernphysik: die Karlsruher Nuklidkarte, sowie von einem der größten Teilchenbeschleuniger der Welt, der einfach Katrin genannt wird und eine absurde Transportgeschichte hinter sich hat. „Ähm… Domenico… Das hier sollte ein Bericht über ein Black Metal Festival werden und keine Doktorarbeit… Könntest du dich jetzt bitte auf die Auftritte konzentrieren und das Physikgedöns sein lassen?“ Ja, okay… Dann kommen wir nun zum Punkt: Der Sound von VORGA ist sehr hypnotisch. Man fühlt sich einfach gezwungen, die Show äußerst genau zu beobachten, was durch die oben genannten Laserspiele nicht gerade erleichtert wird. Mit dieser ungewöhnlichen Mischung halten sie die Kraft des Black Metals am Leben und sind immer wieder eine sehenswerte Band, die genauso wie NYRRST nie die Aufmerksamkeit bekommen hat, die sie verdient hätte.

 

OMEGAETERNUM

Was für eine Überraschung! Der französische Newcomer tritt knapp ein Jahr nach seinem Debüt auf dem Mortem et Diabolum auf und liefert eine gewaltige Show, womit die wenigsten gerechnet hätten. Das Album präsentiert einen Sound, der an die Landsmänner DEATHSPELL OMEGA erinnert, mit entsprechend sehr langen Songs, die sich in 40 Minuten kaum unterbringen lassen. Und trotzdem schafften es die Franzosen, uns alle mitzunehmen und zu begeistern – dank einer Bühnenpräsenz, die bei Newcomern selten zu finden ist. Die Länge der Songs wurde zu keinem Zeitpunkt zum Problem, und die Spannung blieb stets hoch – was bei derartigen Auftritten alles andere als selbstverständlich ist. Es bleibt nur die Frage, was OMEGAETERNUM mit mehr Spielzeit erreicht hätte.

 

ARSGOATIA

Nachdem wir über längere Spielzeiten, Physik, fragwürdige Urlaubstipps und den Wachsfetisch der Jungfrau Maria gesprochen haben, ist es Zeit, über das zu reden, was die Black Metal Szene zu dem gemacht hat, was sie ist: Blut, Gewalt, Vulgarität und Satan! Die Österreicher ARSGOATIA schreien „Fickt euch ins Knie!“ ins Gesicht der Leute, die auf Atmosphäre und Melancholie hoffen, und verursachen wortwörtlich ein Blutbad. Von der ersten bis zur letzten Sekunde wird man von der primitiven Gewalt des reinsten Black Metals überrumpelt und bekommt keine Sekunde Luft. Abschließend wurde ein satanisches Ritual durchgeführt, bei dem jede Menge Schweineblut ins Publikum geworfen wurde – ich wurde mehrmals getroffen. Das wird meinen pakistanischen Zimmergenossen mit Sicherheit gefreut haben!

 

SUNKEN

Nach diesem Blutbad wechselten wir erneut die Richtung und begrüßten die Dänen. Sie spielten eine einstündige Show, die zum Träumen einlud. Die Atmosphäre war absolut magisch, fesselnd und faszinierend. Trotzdem vergaß man keinen Moment, auf welchem Festival man sich gerade befand: Trotz der melodischen und atmosphärischen Ausrichtung war die Black Metal Essenz stets präsent. Der übermäßige Einsatz der Nebelmaschine schadete dem Auftritt keineswegs. SUNKEN hat auf jeden Fall die Herzen der Zuschauer berührt. Ich durfte sogar sehen, wie eine oder einer eine Träne zu Boden fallen ließ, und kann mir gut vorstellen, woran das lag. Das war ein Auftritt, der den Black Metal wie ein Gedicht darbot: atmosphärisch, introspektiv, teilweise sogar romantisch. Es ist unfassbar, was diese Musik mit ihren Fans bewirken kann.

 

ELLENDE

Alles, was bisher über Melancholie, Atmosphäre und Romantik gesagt wurde, treibt ELLENDE auf die Spitze. Schon in der ersten Sekunde des Auftritts wird die Seele vom Körper getrennt, und den Emotionen werden keine Grenzen gesetzt. Die österreichische Atmospheric Black Metal Band berührt nicht nur die Herzen der Zuschauer, sondern zerkratzt sie auch und hinterlässt Narben, die niemals heilen werden. Niemand, wirklich niemand, wurde von dieser Ode an menschliche Verletzlichkeit verschont. Die Tränen, die bei SUNKEN geflossen sind, hatten sich nun verdreifacht – ein Beweis dafür, dass sich hinter den ganzen Nieten- und Christenfeindlichen Shirts auch Herzen verbergen. Herzen, die so schwer zu berühren sind, dass nur die besten Künstler es schaffen, was hier geschehen ist. Man könnte sagen, ich müsste zum Dichter werden, um diesen Auftritt zu beschreiben. So sei es! Die Luft wird immer dicker, die von den giftigen Riffs verursachten seelischen Wunden sind noch immer offen und werden von den krächzenden Vocals ohne Gnade vergrößert und infiziert. Obwohl das alles zum Leiden führen sollte, bewirkte es genau das Gegenteil: absolute Ekstase, verursacht durch diese emotional gelandene Spielweise des Black Metals.

 

AUSTERE

Nachdem wir jede Menge Bösewichte mit Corpsepaint, Nieten und Schweineblut beobachten durften, erscheinen diese vier australischen Milchbuben auf der Bühne. Keine Sorge! Das sind keine Future Palace Fans, die sich irgendwie verlaufen haben, sondern der heutige Headliner: die depressive Black Metal Ikone AUSTERE. Ähnlich wie die beiden zuvor auftretenden Bands setzen sie stark auf Emotionen und Atmosphäre und nehmen sich die Freiheit, den Boden des ORWO-Hauses mit weiteren Tränen zu befeuchten. Dieses Mal konnte man deutlich erkennen, dass die Spielzeit länger war als sonst – was dem Auftritt jedoch keineswegs schadete. AUSTERE ist ein Headliner, der uns auf eine gewisse Weise über uns selbst nachdenken ließ: über unsere Stärken, Schwächen, Ängste, Unsicherheiten und alles, was damit verbunden ist. Depressiv und atmosphärisch zugleich, fügte dieser Auftritt uns Schmerzen zu, die uns leiden und gleichzeitig freuen ließen. So ungewöhnlich das alles klingen mag: AUSTERE bewies sich als würdiger Headliner und hinterließ weitere Spuren in unseren Seelen, die nicht so schnell verschwinden werden.

 

ABDUCTION

Es ist 1:00 Uhr, acht Bands haben bereits gespielt, und das Publikum hat sich halbiert. Der eine wird wohl betrunken auf dem Dach des Food-Trucks tanzen, der andere in der Straßenbahn eingeschlafen sein, wieder ein anderer nach Rasierklingen suchen, um sich die Unterarme zu zerschneiden – und so weiter.
Das sind eigentlich die perfekten Bedingungen für einen letzten Auftritt, bevor man ins Bett geht.

Nach viel Atmosphäre, Emotionen und Selbstreflexion kommen die Engländer ABDUCTION auf die Bühne, um uns ein wenig Nackenschmerzen zu bereiten.
Die verbleibenden Zuschauer scheren sich nicht um die Müdigkeit und lassen alle zusammen ein letztes Mal die Sau raus, als würde MARDUK auf der Bühne stehen.
Der Sound von ABDUCTION ähnelt dem der schwedischen Legenden, und ihr Auftritt würdigt die Inspirationsquelle. Fast eine weitere Stunde rohe Gewalt: Riffs, die so klingen, als wären sie vor 30 Jahren geschrieben worden, starke Blastbeats und Vocals, die mit Kraft und Hass ins Publikum geschrien werden – alles, was man braucht, um Black Metal-Fans glücklich zu machen.

 

Nach diesem weiteren grandiosen Auftritt ist erstmal Feierabend: Zeit, ins Hotel zu gehen und auszuschlafen, um am nächsten Tag wieder die Sau rauslassen zu können.

Ein Bericht über den zweiten Festivaltag folgt im zweiten Teil dieses Artikels, der in den nächsten Tagen veröffentlicht wird.

Stay tuned & stay Metal! Bis bald!
Domenico

Source: Amboss-Mag.de

Wir schreiben das Jahr 1980, es „tobte“ weltweit der Kalte Krieg und auf der englischen Insel herrschte Resignation, wie die bleiernen Thatcher-Jahre gerade erst begonnen hatten. In Sheffield entstand dabei eine Szene aus befreundeten Bands, die sich einerseits in düster-schroffe elektronische Gefilden bewegten (CLOCK DVA, CABARET VOLTAIRE, HULA, THE BOX, IN THE NURSERY), aber es auch in hohen Chartpositionen (THE HUMAN LEAGUE, HEAVEN 17, ABC) schafften. CLOCK DVA gaben damals den fiebrig-nervösen Pulsschlag vor und hatten schon ein paar Tapes veröffentlicht, bis „White Souls In Black Suits“ als offizielles Debüt-Album deklariert wurde. Dieses erschien nämlich bei Industrial Records von THROBBING GRISTLE als Kassette und erreichte somit ein größeres Publikum über Sheffield hinaus. Das Material dafür wurde komplett in einer 15 Stunden-Improvisations-Session aufgenommen und nicht nachbearbeitet. Der Album-Titel nimmt den unruhig-aufpeitschenden Genre-Mix aus Free Jazz, Post Punk, Funk und Industrial schon mal sehr gut vornweg und die klaustrophobischen Atmosphäre der verrauschten Aufnahme tut ihr übriges, „White Souls In Black Suits“ zu einem Klassiker dieser politischen Paranoia-Ära zu machen. CLOCK DVA schliffen diesen Sound dann im Anschluss mit den Alben „Thirst“ und „Avantage“ in melodisch-eingängigere Bahnen, ohne jedoch ihre strenge Dringlichkeit und unterschwellige Aggressivität dabei zu verlieren. Nach einer Pause startete CLOCK DVA Ende der 80er als Projekt von Kopf Adi Newton in kompletter elektronischer Ausrichtung neu und gaben abermals wieder die Richtung für viele andere vor. Doch zurück zu „White Souls In Black Suits“, welches 1982 erstmals auf Vinyl bei Italian Records veröffentlicht wurde und 1990 war es wiederum das italienische Label Contempo, dass das Album noch einmal parallel als LP und CD verfügbar machte. Inzwischen sind aber auch diese Ausgaben gesucht und begehrt, weshalb Mute Records jetzt endlich Abhilfe schafft und diesmal das Ganze remastert und um 4 Bonus-Tracks ergänzt. Diese stammen aus der gleichen Session und wurden damals jedoch auf verschiedenen Compilations veröffentlicht. Eine gute Gelegenheit also, jetzt seine CLOCK DVA-Sammlung zu vervollständigen oder ein wichtiges musikalisches Zeitdokument der Sheffield-Szene neu zu entdecken. (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin

  Sevren Ni-Arb and Estefania ride high on the waves of their thirteenth studio album as X Marks the Pedwalk with the release of “Midnight Island” as its latest music video. Produced by regular collaborator Patty Sway, the video features an abstract and surreal blend of imagery [..]

Source: RE:GEN Mag

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Source: RE:GEN Mag

  Earlier this year, Mephisto Odyssey had announced “CRASH: Reborn” as a new rendition of a 2001 collaboration with the late Wayne Static; now, as 2026 will mark the 25th anniversary of the original version of “Crash,” this new version will at last be unveiled to audiences as a New Year’s Eve special. The song in its first iteration was co-written by Static with Mephisto Odyssey’s Mikael Johnston and Orpheos Dejournette [..]

Source: RE:GEN Mag

November 14 to 15, 2025 at Weissenhäuser Strand Winter sea with black as home Plage Noire is not a summer festival camouflaged in autumn colors – it was conceived from the beginning as a festival with winter romance and cold air that sounds warm. For years, this gathering at Weissenhäuser Strand has been a permanent […]

Source: Orkus

Tom Shear is one of those artists who needs no introduction. Since his first album,...

Source: Side Line

Am Ende des Jahres gibt es diesen einen magischen Moment: Der Weihnachtsbraten ist verdaut, der Glühwein wirkt nach – und irgendwo auf dem Schreibtisch liegt noch dieser...

Source: MedienKonverter

A cold shimmer runs through Lilii Mar’s latest release, like Shinjuku neon on December snow—guitars cutting an angular swath, and vocals drifting in with a baroque sense of drama, swelling like a thundercloud. “White Glow” is the second single from the Tokyo-based artist Lilii Mar a.k.a. masa, the founding member and composer of Sex Virgin Killer, now pushing their solo work deeper into depths of gothic rock, post-punk, darkwave, cold wave, and neo-psychedelia.

masa’s story stretches back well before this single: The band Sex Virgin Killer first took shape in Tokyo in 2006, built around masa’s vocals and guitar. In recent years, that world has been re-energized—new releases, new momentum—and the project’s DIY ethos sharpened further through the artist’s own imprint, lilii sound loom. That same spirit runs through Lilii Mar’s solo work: small-run physical editions that feel hand-tended, with a sound that’s grown colder, cleaner, and more nocturnal.

The title track moves on icy minor-chord shapes and angular guitar lines brushed with haunting reverb, tracing a dark melody up and down the spine of classic gothic rock. masa’s vocal delivery glides above it—rich, dramatic, and occasionally widening into something ghostly and bellowing—giving the song a devotional intensity without losing its pulse. On “Angel (Heaven Version)”—a more effects-laden reworking of Lilii Mar’s debut single, and originally featured on The Ancient Wall (Compilation Supporting Gaza) by Psychic Eye—a dancey dream-pop jangle and snare-forward beat carry a sighing surge of guitar drone, while distant vocals land like a sermon delivered through winds of a tempest. The EP closes with “White Glow (More Wave Version)”, alongside a Bandcamp-exclusive bonus (track 4).

White Glow will also arrive as a limited-edition cassette of 50 copies on December 25, 2025 via lilii sound loom (lilii-014). The cassette edition features three tracks across two sides.

Listen to White Glow below and order the cassette here.

White Glow by Lilii Mar

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Source: Post-Punk.com

Anja Huwe has announced a long-awaited return to North America in March 2026—bringing a live set that draws from her solo work while reaching back into the fierce lineage of Xmal Deutschland, one of the most enigmatic and influential names to emerge from Germany’s early-’80s post-punk movement

For longtime devotees, the news lands with extra weight: Xmal Deutschland did not tour North America often. Their stateside appearances in the mid-1980s were brief but mythic—most famously their 1984 stop at New York’s Danceteria, followed by a final West Coast run in December of 1985 (San Francisco’s Mabuhay Gardens and Los Angeles’ The Palace). Decades later, Huwe’s 2026 dates finally reopen that transatlantic thread.

Among the bands to have graced 4AD’s revered orbit, few burned with the same unplaceable intensity as Xmal Deutschland. Formed in Hamburg in 1981 by a group of self-taught upstarts, they arrived with a voracious, unyielding drive—an aesthetic of flamboyant hair and kohl-rimmed eyes that mirrored the dual nature of their sound: relentless energy tempered by a strange finesse. Though they emerged from the broader Neue Deutsche Welle moment—sharing a lineage with DAF and Einstürzende Neubauten—they resisted easy classification, sidestepping “goth” or “gothic rock” in favor of a sharper, more accurate term: post-punk.

Their ascent crystallized in 1982 with the release of the “Incubus Succubus” single, and that same year a pivotal London performance opening for the Cocteau Twins pulled them into an eager avant-garde audience. Soon after, their relocation to London and subsequent embrace by 4AD set the fuse. The first two albums—1983’s Fetisch and 1984’s Tocsin—arrived like twin impact events, reshaping the contours of the international post-punk scene with a cold clarity that still cuts through today.

The band’s formative line-up—Caro May, Rita Simonsen, Manuela Rickers, Fiona Sangster, and Anja Huwe—embodied punk’s audacious break from traditional mores: they ventured into music without the trappings of prior experience, simply because the moment demanded it. A twist of fate during the recording of the early single “Schwarze Welt” pushed Huwe—initially the bass player—into the role of lead vocalist. “The only condition from my side [was that] I will never perform onstage,” she later recalled. “Two months later, they made me without ever telling me up front. I had no choice.”

From there, Xmal Deutschland’s arc spanned four albums—two with 4AD, followed by 1987’s Viva, which expanded their reach and achieved further international success, and 1989’s Devils, released after a key line-up shift. While the band’s image was often framed by media fascination—an “all-female” ensemble later playfully amended with the arrival of Wolfgang Ellerbrock, jokingly dubbed the “token male”—Huwe has always emphasized the deeper force at work: a self-contained circle of friends, fiercely committed to their own unconventional way of being. “We were like paradise birds,” she once said. “We were enough for ourselves.”

Following Xmal Deutschland’s distinguished run and split in the early 1990s, Huwe shifted her creative focus toward visual art and painting, stepping away from the musical stage even as the legend refused to fade. “Since the split… I have been haunted by the ‘Legend of Xmal Deutschland’ and never-ending requests from all over the world, all of which I always turned down,” she admitted—until recent years finally made her refusals yield to return.

Photo by Nastya Platinova
And a flurry of archival restoration and renewed activity has anchored that return. Sacred Bones helped bring essential material back into circulation with Early Singles (1981–1982), expanded with bonus tracks, while 4AD commemorated the band’s defining era with Gift: The 4AD Years—an Abbey Road–remastered collection spanning Fetisch, Tocsin, and related EP material. With a limited vinyl reissue of Devils now back in the conversation and more still on the horizon, Anja Huwe and Xmal Deutschland’s story continues with a new generation of fans.

Codes, Huwe’s first solo album released via Sacred Bones, arrived as the other half of that restoration: a modern work shaped by her long friendship with Mona Mur and sharpened by the return of Manuela Rickers’ guitar presence on the album. Built over months of meticulous collaboration, the record carries the same steely emotional directness that defined Xmal Deutschland—now refracted through a deliberate architecture of poetry, pressure, and survival.

At the center stands Huwe—an artist of distinction whose voice remains as direct and commanding as it was in the early days, whether cutting through the razor angles of the Xmal catalogue or moving through the more deliberate modern framework of her solo LP. The 2026 dates offer a rare chance to experience that continuum live, on this side of the Atlantic, with decades of context finally in place.

North American Tour Dates (2026)

March 18, 2026 — New York, NY — Le Poisson Rouge — Tickets
March 19, 2026 — Montréal, QC — Théâtre Fairmount — Tickets
March 21, 2026 — Chicago, IL — Epiphany Center for the Arts — Tickets
March 22, 2026 — San Francisco, CA — Great American Music Hall — Tickets
March 25, 2026 — Los Angeles, CA — 1720 — Tickets
March 28, 2026 — Mexico City, MX — Mesones72 — Tickets
March 29, 2026 — San José, Costa Rica — Amon Solar — Tickets

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Source: Post-Punk.com

Electro-industrial artist Staytus steps into charged territory with her new single The God, The Artist, & The Creator. The track circles worship, desire, and authorship, treating creation as a physical and spiritual act; belief pressed against skin, faith spoken through want. Her voice glides with purpose, cool one moment, confrontational the next, guiding the song’s slow-burn intensity.

Produced by Grammy-winning, multi-platinum producer Mikal Blue at Revolver Recording Studio in Thousand Oaks, California, the track pairs tensile electronics with a sense of exposed resolve. Jeff Friedl’s percussion pushes forward with measured force, anchoring the song’s heat and motion. Guitar textures from Patrick “Embryo” Tapu arrive warped and abrasive, their waveshaper edges cutting the air, while Anthony Laurie of Thredge adds dimensional accents that widen the frame without overcrowding it. There’s a lineage running through the track that recalls Lydia Lunch’s scorched authority, Liz Phair’s unguarded candor, and Courtney Love’s volatile poise; voices that claimed autonomy through exposure rather than polish. Staytus channels that same raw authorship, placing desire on the altar without apology or disguise.

“This song is about creation in every sense – the divine, the artistic, and the physical,” says Staytus. “It’s about surrendering to something greater than yourself, whether that’s love, lust, inspiration, or faith. I wanted it to feel like a prayer whispered in the dark and a confession of desire at the same time.”

Lyrically, the song dwells in volatile intimacy, healing alongside hunger, secrecy beside exposure. Sex becomes ritual. Affection turns feral. Power passes back and forth in a charged exchange where devotion risks erasure, yet insists on presence. The chorus hits with blunt insistence, transforming obsession into declaration.

The accompanying visualizer reinforces this duality, with Staytus performing while shifting between Madonna-whore archetypes: the bad girl, the good girl, the creator, suggesting a fluid divinity where identity multiplies and authority is self-assigned.

“I’ve always been fascinated by the idea of creators and creation—the god behind the art, the art behind the god,” adds Staytus. “This track is my way of exploring that relationship, where belief, desire, and obsession coexist.”

Watch the video for “The God, The Artist, & The Creator” below:

With collaborators that include Sean Beavan and Matt McJunkins, Staytus continues to carve a space where industrial weight meets emotional exposure…music that treats desire as doctrine and creation as confession.

Listen to God, The Artist, & The Creator below.

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Source: Post-Punk.com

The silence is empty, where love used to be

Now you never check up if I’m drowning at sea

Or if I have an attack, or my vision goes black

Cuz you don’t care anymore

Fidelity is a vow made in motion, a promise that only survives through attention. When loyalty decays, it rarely shatters all at once; it thins, frays, forgets to ask simple questions. Neglect is the hollowed-out shell of love, echoing with the memories of devotion. From that absence, fury grows. Anger becomes the body’s last proof that devotion existed, that something vital was withdrawn without consent.

Emotion, in the new video for Marie Ann Hedonia and Casey Desmond‘s Fuck Your Feelings (Salt In The Wound), is treated as something spatial; an energy that inhabits rooms after the people vanish. Heartbreak is not dramatized but left behind, settling into empty sanctuaries and overgrown spaces where vows once had weight. The setting does much of the speaking: an abandoned church as a monument to fidelity neglected, beauty persisting where care has receded.

The track treats loyalty as an active practice rather than a sentimental idea. Marie’s Eurorack-driven production coils with industrial tension: precise, unyielding, while Casey’s vocal cuts cleanly through it, expressive and exposed, confrontational without posturing. An arpeggio climbs and snaps into a steel-edged rhythm, all chrome and compression. This is synth-pop stripped of nostalgia, built for rupture. Hedonia sets a sleek, controlled frame; Desmond tears into it, her melodies slicing through the gloss with deliberate force, leaving the surface scored. Anger rises from the refusal to pretend devotion never existed, while grief hardens into something sharper and more insistent.

Visually, the film resists easy catharsis. The performances unfold like private rituals rather than spectacles, surrounded by decay that feels lived-in rather than curated. Burning florals and vacant interiors echo the song’s core contradiction: destruction occurring alongside creation. This is more of a reckoning than a redemption arc; context deepens the work without softening it.

Watch below:

Created during a period of profound transformation: new life, new records, unstable ground, the collaboration between the two artists becomes an assertion of movement forward without erasure. It is about what remains when loyalty thins, when love empties the room, and when anger becomes the last honest language left standing.

“Fuck Your Feelings (Salt in the Wound)” is featured on the Solar Eclipse EP.

Listen below, and order here.

Solar Eclipse by Marie Ann Hedonia

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Source: Post-Punk.com

Mexico’s Ernie.fr steps forward with Nocturne Stereo, a debut that lands like a late-night radio broadcast that grabs you by the hand as the veil between the hour and dreaming blue. Five tracks form its chill-inducing spine, each one steeped in the fog of bilingual devotion: English and Spanish entwined with the ease of two lovers whispering secrets across a flickering streetlamp. The record draws its voltage from the roots of Mexico’s escena oscura, but its pulse stretches across continents: the skeletal tension of late-’70s post-punk, Europe’s coldwave ache, and the granite minimalism once prized in the Soviet underground.

Ernie.fr moves with an instinctive sense of atmosphere: guitars curve like smoke drifting through abandoned corridors; synth tones shimmer like distant signals on a dying radio band. The production walks a narrow, soulful tightrope, neither too polished nor too coarse, leaving every phrase suspended between devotion and decay. There’s a sense of ritual; a feeling of songs carved from dim clubs, border towns, and the atmosphere of Mexico City after midnight.

Vestido Negro opens the door with a slow, romantic tremor, its guitar lines circling like a secret vow. Smoke & Mirrors pushes deeper, its cadence steady and cool, carrying a whispered unease. Lose You to the Night swells with melancholic yearning, its reverb-drenched edges drifting like steam from a cracked sidewalk grate. City of Angels drifts between continents, its bilingual phrasing forming a bridge between distance and desire. Purple Haze closes the suite with a strangely serene glide, as if tracing the final silhouette of a half-remembered love.

Influences echo throughout the album: Joy Division’s tensile restraint, Siouxsie’s theatrical poise, Public Image Ltd’s fevered minimalism, The Cure’s bright-edged gloom, alongside the modern pulse of Mareux, French Police, Lebanon Hanover, Twin Tribes, and Molchat Doma. Nocturne Stereo thrives less in homage and more in its own quiet voltage, however – a record steeped in gothic romanticism, speaking fluently across borders, hearts, and histories.

Listen to Nocturne Stereo below:

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Source: Post-Punk.com

Won’t succumb to hate
Nothing to embrace
My life’s nothing but a maze
Reaching for that place
On a small, blue world suspended in a vast and indifferent cosmos—what Carl Sagan once described as a pale blue dot—the ice walls retreat like forgotten memories, and the air carries the exhaust of our ambition. We drill into ancient stone as if the planet were inert, not alive with consequence. Tornadoes arise where balance once lived, signatures of a system pushed past its limits. This is both an environmental failure and a moral one: politics severed from responsibility, progress confused with extraction. We are children of the Earth, yet act as careless stewards, mistaking dominance for wisdom. The tragedy is not inevitable; it is chosen, repeated, and accelerating toward silence.

With this environmental warning in mind, Crying Vessel returns with Bringing Down The Nation 2.0, a song steeped in aftermath rather than uprising. It feels like a communiqué sent after the fires, once slogans have collapsed into ash and the future has narrowed to consequence. Political in pulse and planetary in scale, the track studies humanity’s fixation on its own unraveling, delivered with alarming gravitas.

The original version of the song is sung by Slade Templeton, but this version—softer and more synth-based—offers a haunting female perspective from the band’s enigmatic new guitarist, Larry. The music moves with controlled force. Percussion lands like measured blows, patient yet punishing, while low-end currents pull everything toward a common weight. Guitars and synths circle one another, metallic and mournful, pressing forward without excess. Slade Templeton’s voice arrives steady, worn, resolute; less a call to arms than a record of survival, carrying conviction without sermon.

Taken from Sepulchers – The Maiden, released via Cold Transmission Music, the accompanying self-directed video sharpens the intent. Collapsing ice walls, drilling rigs, choking skies, and spiraling storms unfold as evidence rather than illustration. Seen from afar, these gestures of ruin would be barely perceptible—tiny scars on a pale blue dot—but here they are rendered unavoidable. Industry advances. Nature recoils. The tension is political and emotional at once, a portrait of stewardship abandoned in favor of extraction. There is no villain singled out, only a shared failure rendered at planetary scale.

Watch the video for “Bringing Down The Nation 2.0” below:

Since 2011, Crying Vessel have occupied a vital position within goth and post-punk’s contemporary current, folding historical aesthetics into present-day urgency. With a catalogue now spanning seven albums, including the dual release Sepulchers – The Maiden and Sepulchers – The Servant, their evolution has been intentionally built through persistence rather than reinvention.

Sepulchers – The Maiden pushes Crying Vessel deeper into their own gravity, where the music grows heavier, slower, and more inward-facing without turning ornamental. Melodies carry weight rather than comfort, arrangements press close, and emotion is conveyed through restraint instead of release. It feels like an excavation—careful, deliberate—drawing out the band’s gothic and post-punk lineage until only the most essential elements remain, stark and unprotected.

Bringing Down The Nation 2.0 stands as a stark document of collapse observed up close. It listens to the planet, registers the damage, and answers with clarity. From a distance—on that pale blue dot adrift in silence—every justification shrinks, every consequence sharpens. Awareness still matters, even as the ground continues to give way. As Carl Sagan reminded us, for all our ambition and division, this pale blue dot remains—at least for now—the only home we have.

Listen to Bringing Down The Nation 2.0 below and order the single here.

Bringing Down The Nation 2.0 by Crying Vessel

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Source: Post-Punk.com

Remember me for who I am right here,

Relinquish me from all my chains of fear.

Scene: a sealed interior. Light without mercy. Space trimmed down to function and fear. Breath counts itself. Thought repeats. The body becomes a site of negotiation, every movement a quiet argument about who gets to stay in charge.

“My Own Design” is the latest release from Madeline Goldstein’s forthcoming full-length album, anticipated in the first quarter of the new year, and it reads like a thesis statement. Song and video work together as a study in self-authorship under pressure: the effort to stay whole while facing panic as a double that knows your moves. What remains is focus, friction, and the uneasy clarity of watching two versions of yourself fight for the same space.

Madeline Goldstein holds the center with her calibrated voice: discipline carrying something volatile just beneath the surface. The music leans into classic synth-pop form: clean lines, firm tempos – bringing to mind Goldfrapp, The Human League, Berlin, and Eurythmics, where elegance doubles as containment. The appeal sits in control, and the cost of keeping it.

The video sharpens that tension. Conceived by Goldstein, choreographed by Alissa Pegram, and directed by lonelyrodeostar, it unfolds as a three-way collaboration that treats movement as argument. Two versions of the self circle and collide: anxiety pushing for takeover, logic bracing to keep the structure intact. The choreography shifts gears between these states in tight, measured sequences breaking into something more frantic; each change in posture or pace marking a shift in authority.

There’s a distinctly Lynchian sense of dislocation at work, thrown in with a bit of eerie Maya Deren surrealism. Spotlights carve out pools of exposure inside what feels like a seedy hotel room; an ’80s television hums nearby, bending time into something unstable. Light becomes a character, interrogating bodies, freezing gestures, then letting them slip loose again. The result plays like a rehearsal caught between eras, past and present bleeding together under fluorescent glare. The repetition is intentional. Beats return with purpose. Gestures reset, then strain against their limits.

Watch the video for “My Own Design” below:

“This track is a manic rebellion against my struggle with anxiety and panic,” says Goldstein. “It speaks to a time in which I felt completely and utterly out of control, unrecognizable to myself. Musically I wanted to represent the feelings of obsession, repetition and claustrophobia I was up against on a daily basis. Like many other songs on the record, it focuses in on my relationship to the physical world, (my last EP being my relationship with the inner or ‘other’ world). Measuring up my shortcomings, flaws, and fixations while also protesting them in the most ambitious ways.”

The production, handled by Matia Simovich at Infinite Power Studios in Los Angeles and mastered by Josh Bonati, keeps edges sharp and surfaces clear, a sound built for exposure rather than escape.

Goldstein’s full-length record arrives in early 2026 via Artoffact Records. Listen to My Own Design below, out now via Artoffact Records, and order the single here.

My Own Design by Madeline Goldstein

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Render your mind, our bodies entwine, as demons bloom, from the inside. 
Bustié’s Cruel Intentions is a bona fide piece of subterranean pop excavation: metallic bass synths and orchestra hits grind and glint while bongo-pad percussion taps out a pulse that feels borrowed from fuzzy memories – perhaps handing off an illicit bootleg mixtape on the school bus, or an older sibling slipping you the good stuff that might piss off your Mom and Dad. The track moves with the certainty of something rehearsed in private and revealed sparingly, in a collision of minimal wave, dark disco, and ritualistic synthpop.

Angelika Padilla’s smooth vocal, commanding yet unguarded, threads through the machinery, its lineage tracing a line between Anne Clark’s spoken-word severity, ZE Records languid chanteuses, and Soma Holiday’s cool detachment. Minimal wave, dark disco, and synthpop fold inward on themselves, less a fusion than a set of overlapping disciplines. This is club music with rules, desire articulated as risk.

The video insists on control: movement exists within limits: repeated gestures, calibrated shifts of weight, arms slicing the air with purpose rather than flourish. Padilla, performing as Pogo Pope, anchors the frame through composure, her presence defined by restraint. Nothing is wasted. Every action feels counted…and intimidating.

Shot and edited by Oslo Maeve at Brooklyn’s Vicious Kind Studio, the visuals favour dark interiors and compressed spaces, environments that heighten bodily awareness. Tru Wright, Andre Molina, Esmé Figueroa, and Eros Hedonista appear, often reclined or held in place. A raised arm reads as a signal; a sustained pose becomes confrontation. The performers seem governed by an unseen code, echoing the track’s fixation on desire bound tightly to consequence. In this eerie world, intimacy is negotiated, provisional, and edged with caution.

Watch the video for “Cruel Intentions” below:

Bustié locks coldwave severity against freestyle gloss, letting heartbreak and resistance occupy the same floor. Comparisons are easy: Beta Evers, Animal Bodies, Hard Corps – but ultimately beside the point. This is its own proposition: ‘Anarcho Body Music,’ a queer-forward genre designed for motion, confrontation, and reclamation.

Listen to Cruel Intentions below and order the single here.

Cruel Intentions by Bustié

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Source: Post-Punk.com