Die Atmospheric Black Metal-Band DRAWN INTO DESCENT hat mit „Onrust“ ein neues Album angekündigt. Es ist nach „Drawn into Descent“ (2015) und „The Endless Endeavour“ (2019) das dritte Album der Belgier aus Mechelen. Produziert wurde das Album, welches am 27. Februar 2026 via Immortal Frost Productions erscheinen wird, von Chiaran Verheyden (u.a. für PSYCHONAUT tätig). Das Cover-Artwork stammt von Bahrull Marta.

DRAWN INTO DESCENT Line-Up:
G. – Bass
V. – Drums, Lyrics
J. – Guitars (lead)
B. – Vocals, Guitars (rhythm)

DRAWN INTO DESCENT „Onrust“ Tracklist
01. Teloorgang
02. Drenkeling
03. Onrust
04. Ogen

Source: Vampster

Die Groove Death Metal-Band NOVOMUNDO hat nach dem Video zu „Deathless“ mit dem Lyric-Video zu „Vodun“ eine dritte Single ihres kommenden Albums „The Cursed Cult“ veröffentlicht. Es ist nach zwei EPs das erste Album der Italiener aus Rom und beschäftigt sich mit der Voodoo-Kultur, ihren Symbolen und Bedeutungen.

„The Cursed Cult“ wurde von Federico „Fed“ Telesca im West Homesick Recording Studio in Sheffield gemixt und gemastert und wird am 1. März 2026 erscheinen. Vorab gibt es mit „The Coven“ einen Video-Clip.

NOVOMUNDO Line-Up:
Valerio Cristiani – Vocals
Carlo Ridolfi – Guitar
Fabio Ciccone – Guitar
Fausto Idini – Drums

NOVOMUNDO „The Cursed Cult“ Tracklist
01 Son of Mawu
02 Deathless (Video bei YouTube)
03 Erzulie
04 Bokor
05 The Coven (Video bei YouTube)
06 Mojo
07 Vodun (Lyric-Video bei YouTube)
08 OSFTG
09 Le Marriage de Brigitte
10 Warlord
11 God’s Violence
12 Maitresse La-Sirene
13 Papa Legba
14 Orishas

Source: Vampster

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Source: RE:GEN Mag

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Source: RE:GEN Mag

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Source: Side Line

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Source: MedienKonverter

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Source: Side Line

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Source: Side Line

Leider hatte ich den Indie Rock Künstler BETTEROV in Bremen on Tour verpaßt, aber seine erste Veröffentlichung „Olympia“, die vor 3 Jahren erschienen ist, hatte ich mir beim Plattendealer meines Vertrauens sofort besorgt. Der zweite Streich nun ist noch etwas gereifter und der deutschsprachige Postpunk oder auch Alternativpop mit Tiefgang und mit ein wenig NDW Einschlag ist wieder genauso schön und berührend gelungen wie das Debüt. Das neue Album „Große Kunst“ ( hier ist der Plattentitel sogar mal genau passend ) vereint wieder große Hymnen, orchestrale Rocknummern, straighte Gitarrenrock-Nummern, die mit familiären Themen versetzt sind. Die 17 Tracks erzählen wieder Geschichten aus dem Umfeld von BETTEROV, die ihn als Künstler und Mensch geprägt haben. Es geht um Zweifel, Ängste und um Sehnsüchte, sowie um das zerbrechlich Schöne in Alltag des Künstlers! BETTEROV setzt thematisch an der Umsetzung und Verarbeitung seiner Jugendthemen an und teilt diese seinen zahlreichen Fans in den poetischen Songtexten mit, so gesehen breitet er sie sogar direkt vor ihnen aus. Der junge (geb. 1994)  Künstler Manuel Bittorf, an der Gitarre aus Bad Salzungen in Thüringen war durch seinen Vater schon früh großer Fan vom „BOSS“ BRUCE SPRINGSTEEN und später auch von NIRVANA, was ihn dazu inspirierte die Gitarre in die Hand zu nehmen. Aber auch dem Klavier ( guckt Euch bitte die verzaubernden, intimen Konzerte „Solo am Klavier“ an, die BETTEROV nur an den Tasten gibt ) und der Violine ist er zugeneigt und dazu kommt noch Gesangsunterricht und ab 2015 ging es in die Großstadt Berlin, um noch näher am Rock und Popgeschehen und der Szene zu sein. Er war außerdem noch in der Theaterlandschaft unterwegs, daher wohl teils auch seine opulenten und ausladenden Produktionen. Es folgten Auftritte als Vorband bei den KAISER CHIEFS und als Act beim Reeperbahn-Festival 2020 in Hamburg, sowie der Popkulturpreis 2022  und ich finde einige Songs haben eine gewisse Ähnlichkeit mit DRANGSAL, der ebenfalls etwas düsterer und schwerer klingt und auch schon einige grandiose Post Punk/ Wave-Tracks entworfen hatte. Mit seiner ersten Platte 2022 übrigens stieg BETTEROV bis auf Platz 5 der Album-Charts vor und in den nächsten Jahren wurden durch den Erfolg von „OLYMPIA“ die Shows und Festivals immer größer, zudem hatte ich ihn auf dem WOLF BIERMANN Tribut Sampler „Lieder für Jetzt“, entdeckt. Hierfür wurden nur junge, aufstrebende Newcomer gecastet. Die neuen emotionalen und atmosphärischen Songs sind wieder grandios komponiert und schlagen fast in die gleich Kerbe wie auf dem Debüt, ein Album das einem wie ein Rausch vorkommt und wo sogar in den wieder rein persönlichen Texten, diesmal z.B. die DDR Thematik des Vaters mit umgesetzt wurde, die kleinen feinen Geschichten vom Singer-Songwriter machen den Hörer teils etwas melancholisch und nachdenklich. Gönnt Euch auch das gleichnamige Video samt Track zum Albumtitel „Große Kunst“, auch audiovisuell kann sich BETTEROV hervorragend in Szene setzen. Inhaliert die Platte am Besten am Stück und besucht seine bald stattfindenden Konzerte, die quer durch Deutschland stattfinden.

(S.Erichsen)

Source: BLACK Onlinemagazin

French cold industrial/sadwave duo Years Of Shame will release their debut album “Primary” on 6...

Source: Side Line

Livebericht vom SUMMER BREEZE OPEN AIR vom 13.-16.08.2025 in Dinkelsbühl
(Bericht und Fotos von Kira)

Das SUMMER BREEZE OPEN AIR 2025 war ein beeindruckender Mix aus musikalischer Vielfalt, organisatorischer Leistung und Festivalfeeling pur. Mit über 45.000 begeisterten Fans, 200.000 Besuchern an 5 Festivaltagen, einem Mega-Line-Up und einem kreativen Rahmenprogramm wie Metal Yoga oder Pop-Up-Stores in der Altstadt wurde Dinkelsbühl zum Metal-Epizentrum (siehe oben auch das offizielle Aftermovie).

Überhaupt Dinkelsbühl. wie hübsch diese Stadt ist! Und man kann sogar dort im Fluss schwimmen! Die ganze Stadt war perfekt auf ihre Gäste vorbereitet und es gab nur freundliche Begegnungen. Kein Wunder also, dass zum Zeitpunkt dieses Nachberichtes die 2026er Ausgabe bereits „ausverkauft“ meldet. Bereits am 01. Dezember sind sämtliche Festivaltickets inklusive Camping und Zugang an allen Veranstaltungstagen vergriffen.

Herausragend sind auch die vielen Erstauftritte, die Organisation mit Anreiseslots und die Kultur der Sauberkeit. Auch der Sound auf allen Bühne war fast nahezu hervorragend und die Grabenschlampen sind einfach ein Highlight für sich. Diese Security Crew sorgt seit Jahrzehnten für ein sicheres, relaxtes Miteinander, jeder Crowdsurfer wird sanft aufgefangen, Wasser wird verteilt, immer ist auch ein nettes Gespräch möglich. Seit 2003 besuche ich das Festival (mit 4 Jahren Pause) und als ich jetzt zurück gekehrt bin, war ich überrascht wieviele bekannte Gesichter wieder in den Teams aufgetaucht sind.

Und abseits vom Graben haben 420 Helfer der Malteser großartige Hilfe angeboten, die bei den sengenden Temperaturen auch nötig waren. Kritik gibt es trotzdem. Die Preise auf dem Infield für Essen und Trinken waren völlig überzogen. Wir hatten China Nudeln in der kleinen Pappbox für 14_, ein Nackensteak am Spieß für 12 EUR, Currywurst mit Pommes in der Pommesschale für 9_, Cola 5,20_ und ein Wassereis für 3,50 EUR. Und geschmacklich waren auch keine großen Highlights dabei. Das müsste doch besser gehen, oder?!

Nun aber mal zur Mucke!

Die musikalischen Höhepunkte waren BLIND GUARDIAN, am Freitagabend auf der Main Stage. Sie brachten die Menge richtig zum Beben. Sie spielten ihre Klassiker wie „Nightfall“, „Mirror Mirror“ und „Valhalla“. Ein absoluter Höhepunkt war das Lied „The Bard’s Song – In the Forest“, bei dem das Publikum so laut mitsang, dass Hansi Kürsch fast nicht mehr zu hören war. Die Bühne stand in Flammen-die Pyrotechniker holten wirklich alles raus. Es war definitiv ein unvergesslicher Auftritt!

Die Death-Metal-Legenden von OBITUARY aus Florida lieferten einen brutalen Auftritt ab, der die Fans in Ekstase versetzte.

Persönliches Highlight waren HELLRIPPER – Speed Metal mit schottischem Charme. Die schottischen Speed-Metal-Veteranen Hellripper lieferte eine energiegeladene Show ab, die sehr viele Fans begeisterte. Mit Songs wie „All Hail the Goat“, „Hell’s Rock ’n‘ Roll“ und „The Nuckelavee“ brachten sie die Menge zum Beben.

EVIL INVADERS, die belgischen Thrash-Metal-Helden, standen dann am Freitag, auf der Wera Stage. Ihre absolut geile Show mit Feuer, Nebel, einer Lichtkomposition in allen Farben zog zahlreiche Fans an. Mit ihrem schnellen und aggressiven Sound heizten sie das Publikum ordentlich ein. Geil übertriebener Oldschool Speedmetal und fantastische Musiker lassen diesen Auftritt im Gedächtnis-die Band auf einer größeren Bühne wären ein absoluter Burner! Klassiker wie „Raising Hell“ und „Sledgehammer Justice“ müsst ihr euch in eure Playlists ziehen. Wobei es einfach eine Live Band ist.

Beide Bands trugen maßgeblich zur Vielfalt und Intensität des Line-ups beim Summer Breeze 2025 bei und hinterließen bleibende Eindrücke bei den Festivalbesuchern. STATIC X haben ebenfalls einen bleibenden Eindruck hinterlassen-visuell intensiv, mit starker Atmosphäre und markanten Effekten.

MACHINE HEAD haben einen energiegeladenen, technisch versierten und emotional mitreißenden Auftritt abgeliefert. Das vollständige Konzert ist sogar professionell gefilmt verfügbar in der Arte Mediathek – perfekt, um es nachzuerleben. Dort findet ihr jede Menge Konzerte vom Summerbreeze, falls die Sehnsucht zu groß wird oder die Erinnerung etwas schwummrig ist.

Bleibende Eindrücke haben auch die Fans bei mir hinterlassen: Mit Klobürsten und weißen Reinigungsanzügen bei GUTALAX wurde gemosht, während bei den WILD ROSES wild die Aufblashammer und Minecraft Schwerter geschwungen worden. Als MR. HURLEY UND DIE PULVERAFFEN auf die Bühne kamen, schauten sie in ein Meer von Piraten. Und die Nachwuchsmetaler hatten riesigen Spaß mit HEAVYSAURUS. Schön dass es so einen Familientag auf dem Festival gibt.
Kein Wunder, dass diese Ausgabe als außergewöhnlich in Erinnerung bleiben wird und schon mit Vorfreude auf das Jubiläumsfestival 2026 blicken lässt.

Die Fotostrecke zu den Erinnerungen:

Source: Amboss-Mag.de

In 2001, a few copies of The Misfits ‘ “12 Hits from Hell – The MSP Sessions” went on sale. Did you already know these facts about the album that was never officially released? ★ The “12 Hits from Hell” were recorded in the summer of 1980 at Master Sound Productions Studios. ★ At the […]

Source: Orkus

December 13, 2025, Hamburg, MarkthalleSupport: Auger A permanent fixture in the shadows Diary of Dreams have been more than just a band for over three decades – they are a fixture of the black scene. What began in the early nineties as Adrian Hates’ personal project has grown into a cosmos of sound that effortlessly […]

Source: Orkus

Absolute Body Control - Shattered Illusion & Remixes

Source: MedienKonverter

Die Thrash / Speed / Death Metal-Band BELTFED WEAPON hat mit „Digital Genesis“ eine weitere Single veröffentlicht. Der Song sei ein dystopisches Science-Fiction-Konzeptwerk, das den Aufstieg, den Niedergang und die letztendliche Assimilation der Menschheit durch eine fortschrittliche hybride Macht thematisiert.

Im Vorjahr hat die Band mit „Rise From Eternal Darkness“ eine neue Single mitsamt Lyric-Video veröffentlicht. Produziert wurde der Song von Juan Urtega. Vor einigen Monaten ist mit „Tortured Within“ eine weitere Single mitsamt Lyric-Video erschienen.

„In ‚Tortured Within‘ geht es um eine Person, die mit einem inneren Krieg kämpft, z. B. mit der Sucht, und die darum kämpft, sich zu befreien und eine positive Richtung zu finden. Die Zusammenarbeit mit Stu und Mike war eine großartige Erfahrung. Beide sind absolute Profis, und wie immer haben Kragen und Bryan auf jeder Ebene überzeugt“, sagt Frank Hetzel.

Die Songs folgen auf die 2023er-EP „Darkened Demise“. Für die Tracks tat sich Bandgründer Frank Hetzel mit Stu Block (INTO ETERNITY, ex-ICED EARTH), Mike Lepond (SYMPHONY X), Kragen Lum (HEATHEN) und Bryan Newbury (INTO ETERNITY) zusammen.

BELTFED WEAPON „Tortured Within“ (Lyric-Video bei YouTube)

BELTFED WEAPON „Rise From Eternal Darkness“ (Lyric-Video bei YouTube)

BELTFED WEAPON „Digital Genesis“ (Audio bei Bandcamp)

Source: Vampster

Die Death / Thrash Metal-Band OVERTOUN hat einen Labeldeal bei Time To Kill Records unterschrieben. Der Deal sieht unter anderem den Release des neuen Albums „Death Drive Anthropology“ vor, welches von Martín Furia (DESTRUCTION, BARK) produziert wurde.

„Death Drive Anthropology“ ist nach „Centuries of Lies“ (2018) und „This Darkness Feels Alive“ (2021) das dritte Album der Chilenen. Release-Termin ist der 13. Februar 2026. Mit dem Video-Clip zu „Yūrei“ gibt es nun die zweite Vorab-Single.

„Inspiriert von japanischer Folklore bezieht sich der Titel auf die Yūrei, Geister, die zwischen den Welten gefangen sind, ein Spiegelbild des ewigen Kampfes der Menschheit mit dem Schatten des Todes. Dieser Song verkörpert auch unsere immer tiefer werdende Verbindung zu Japan, eine Verbindung, die während unserer Tournee 2025 noch stärker geworden ist“, erklärt die Band.

Als ersten Track gibt es zum Titeltrack einen Video-Clip.

OVERTOUN Line-Up:
Yoav Ruiz-Feingold – Vocals
Matias Bahamondes – Guitar
Matias Salas – Bass
Agustin Lobo – Drums

OVERTOUN „Death Drive Anthropology“ Tracklist
01. What Unites All (feat. Max Phelps)
02. The Final Beat
​03. Memento Mori (feat. Enrico H. Di Lorenzo)
04. Dur Khrod
05. Jade, Gold, Obsidian
06. Yūrei (Video bei YouTube)
07. Weeping
08. Wind And Water (feat. Shantanu Vyas)
09. The Waves Suite: Siren
10. The Waves Suite: Ocean
​11. The Waves Suite: Caleuche
​12. Death Drive Anthropology (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Industrial / Gothic / Horror-Band HORROR SCENE hat mit „Yeah You“ eine neue Single mitsamt Lyric-Video veröffentlicht. Es ist ein weiterer Stand-Alone-Single Release der US-Amerikaner aus Pennsylvania seit ihrer Umbenennung. Zuvor hat die Band als SUICIDE PUPPETS zwei Alben und zwei EPs veröffentlicht.

HORROR SCENE „Yeah You“ (Lyric-Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Speed / Thrash Metal-Band VENTHIAX hat nach „Infernal Demise“ nun auch den Titeltrack ihres kommenden Albums „Rites of Ra“ veröffentlicht. Es ist nach „Venthiax“ (2023) die zweite EP der Schweden aus der Region von Huskvarna / Jönköping und wird am 27. Februar 2026 via Dying Victims Productions erscheinen.

VENTHIAX Line-Up:
Wendy Juneström – Bass
Emil Borg – Drums, Vocals
Viggo Heinonen – Guitars

VENTHIAX „Rites of Ra“ Tracklist
1. Warfare
2. Rites of Ra (Audio bei YouTube)
3. Infernal Demise (Audio bei YouTube)
4. Speed Metal Mayhem
5. Dawn of Terror
6. The Omen’s Arrival

Source: Vampster

It has already been four years since The Black Veils delivered the excellent album Carnage...

Source: Side Line

I flee onto the streets, birds chirp in ease, as my heart beats.

The door flings open, words unspoken, I breathe:

This alley is mine. 

From the Netherlands arrives Bragolin, a project that treats motion as a principle rather than a flourish. Edwin van der Velde builds songs the way a physicist sketches trajectories: attention fixed on force, velocity, and the invisible pressures that bend a path. Post-punk tension and dark-wave control coexist in their sound with an almost scientific patience, each element set in relation to the next. The result feels alert, forward-leaning, and acutely aware of the space it occupies, as if every second has been measured before it is released.

I Run and Hide unfolds inside that framework: the track moves at a quickened pace, breath tight, steps close together, carrying the listener through streets and out into open land where familiarity erodes under stress. Ordinary locations lose their neutrality. Silence thickens. Time contracts. Each attempt at refuge collapses, and repetition becomes a law rather than a choice. The structure loops back on itself, mirroring the psychology of flight, where progress exists but resolution remains out of reach.

Every sound you hear in this track, amazingly, comes from layered Clavinets. The absence of guitars clears the field, leaving a wiry, insistent texture that presses forward with clipped resolve. There’s a lineage here that points toward the emotional restraint of Pink Turns Blue and the poised minimalism of early Human League, distilled into something lean and focused. The speed never turns reckless; it stays disciplined, calibrated, and exact, reinforcing the sense of pursuit rather than overpowering it.

Lyrically, the song inhabits a cycle of escape that never widens into freedom. Running becomes routine; hiding becomes habit, fear stops being a spike and settles into rhythm. The repetition is structural, mirroring how panic reorganizes thought. The listener is pulled into that loop, asked to inhabit its logic rather than observe it from a distance.

The accompanying video, directed by Maria Gaedcke, extends this logic into the visual realm. A woman exits a house at dusk dressed in a white nightgown, immediately exposed against the deepening light. Her movement through empty streets feels urgent yet disoriented, the image fractured by lagging frames and soft focus. As the setting shifts to a cornfield, the environment grows more abstract, less anchored to place. The camera hovers between watcher and follower, collapsing the distance between observer and threat. The effect recalls classic horror pursuits, where the terror lies less in what is seen than in what is implied, and where motion itself becomes the primary language.

This sense of shared perspective is crucial. The viewer is never granted a position of safety. Instead, the framing insists on proximity, aligning perception with acceleration, breath, and imbalance. The chase is continuous, unresolved, and stripped of spectacle, allowing unease to accumulate through duration rather than surprise.

Watch the video for “I Run and Hide” below:

Bragolin’s path to this moment has been deliberate. Since their 2018 debut I Saw Nothing Good So I Left, the project has grown into a recognised presence within gothic circles across the globe. That history matters here, because I Run and Hide feels informed by distance traveled and ground covered, by nights spent refining restraint rather than excess.

Now, the track opens the door to Bragolin’s third full-length, I Don’t Like What It Does To Me, a release planned in stages across 2026. The album’s slow reveal mirrors the music’s own attention to pacing and consequence. This chapter will culminate in a release show at De Helling in Utrecht on April 2, a fitting setting for a project that understands space, pressure, and the quiet gravity that keeps bodies and ideas in motion.

Listen to I Run and Hide below and order the album here.

I Don’t Like What It Does To Me by Bragolin

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The post Lost in the Cornfields — Dutch Post-Punk Act Bragolin Returns With Video for “I Run and Hide” appeared first on Post-Punk.com.

Source: Post-Punk.com

Mit einem prall gefüllten Album debütieren GREEN EYES OF DARKNESS, als dass die Rumänen aus Bukarest 78 Minuten an Musik auf 13 Tracks verteilen. Durchaus viel für ein einziges Album und es liegt daher die Vermutung nahe, dass die Band mit „Fire Waves“ den Hörer zu einem Schaulaufen einlädt, um ihm ihre ganze Bandbreite ihres musikalischen und kompositorischen Könnens zu präsentieren.

GREEN EYES OF DARKNESS setzen auf eine Gothic / Doom Metal Basis
Und ein Können ist GREEN EYES OF DARKNESS keineswegs abzuschreiben, insbesondere in Sachen Komposition bewegt sich die Band auf routinierten Pfaden. Dies kommt nicht von ungefähr, als dass Songwriter, Gitarrist und Sänger Dragoș Grigorescu schon seit vielen Jahren Teil der rumänischen Metal-Szene ist. Mit seiner neuen Band bespielt er abermals das Genre des Gothic / Doom Metals und mischt zusätzlich noch Symphonic- und Progressive-Elemente hinzu. Das mutet bisweilen etwas zu viel an: gerade bei den überlangen Tracks wie „Dream Vision“ vermisst man den Flow und andere Songs verlieren sich in zu vielen Themen und in einer gewissen Langatmigkeit („And Dark Was the Sight of the Thinking Man“).

„Fire Waves“ bleibt im Vergleich zur langen Spielzeit einiges an fesselnden Momenten schuldig
Besser auf den Punkt gebrachte Songs wie der Opener „Doomsday“ gefallen da schon eher. Vor allem in der Kombination mit der filigranen Clean-Stimme von Dragos Grigorescu, der bisweilen auch etwas growlt und leider zu oft und lange einen erzählerischen, halb gesprochenen Gesang einsetzt wie im ermüdenden „Die Before the Rise“. Die weiblichen Vocal-Passagen von Georgiana Bogdana Stoian sind dagegen nur punktuell eingesetzt und erweitern kaum merklich das Gesangsspektrum im Ganzen.

„Fire Waves“ bleibt somit im Vergleich zur sehr langen Spielzeit einiges an fesselnden Momenten schuldig. Das Album plätschert teilweise belanglos und teilweise nicht nachvollziehbar dahin, während echte Earcatcher nur rar gesät sind.

Veröffentlichungstermin: 22.12.2025

Spielzeit: 78:05 Min.

Line-Up:
Dragos Grigorescu – guitars, vocals, lyrics, musical arrangements, orchestrations
Catalin „Flama“ Scanteie – bass, music video director, artwork
Georgiana Bogdana Stoian – vocals

Label: Loud Rage Music

Mehr im Netz: https://www.facebook.com/profile.php?id=61575094911795

GREEN EYES OF DARKNESS „Fire Waves“ Tracklist
1. Doomsday (Video bei YouTube)
2. Fire Waves
3. Dream Vision
4. Die Before the Rise
5. Twilight
6. Come With Me Into the Light
7. The Overthrow
8. Crackdown
9. And Dark Was the Sight of the Thinking Man
10. Shelter of the Most High
11. Ethereal
12. To Whom the Past Belongs
13. Polyphonic Construction & Fugue in A Minor

Source: Vampster

Die Thrash Metal-Band DAILY INSANITY hat mit „Back To The Front“ eine neue Single veröffentlicht. Es ist der erste neue Release der Deutschen seit knapp vier Jahren. Eingesungen wurde der Track von Yakir Shochat (Ex-HAMMERCULT).

DAILY INSANITY „Back To The Front“ (Audio bei YouTube)

Source: Vampster

Die Death Metal-Band HARROWED hat mit „Blood Covenant“ eine zweite Single ihres kommenden Albums „The Eternal Hunger“ veröffentlicht. Es ist nach einem Demo und einer Split das erste Album der Schweden rund um Sänger und Drummer Adam Lindmark (Ex-MORBUS CHRON).

„The Eternal Hunger“ wurde von Robert Pehrsson produziert und mit einem Cover-Artwork von Robin Banks ausgestattet. Release-Termin ist der 27. Februar 2026 via Dying Victims Productions. Vorab gibt es auch einen Visualizer zu „The Cold Of A Thousand Snows„.

HARROWED Line-Up
Tobias Alpadie – Guitars, Bass
Adam Lindmark – Vocals, Drums

HARROWED „The Eternal Hunger“ Tracklist
1. Bayonet
2. The Cold Of A Thousand Snows (Visualizer bei YouTube)
3. Ultra-Terrene Phantasmagoria
4. The Haunter
5. Blood Covenant (Audio bei YouTube)
6. The Reins
7. Formaldehyde Dreaming
8. The Eternal Hunger

Source: Vampster

In the first part, we spoke to Mystigma about the title track of their new album “Gloomtown Radio”. We also explored the band’s beginnings, talked about formative melancholy and what it’s like to be in the spotlight. Now let’s take a stand. Show attitudeOrkus: I also like the play on words with “Sündikat”. How did […]

Source: Orkus

Die Death Metal-Band CADAVRUL hat mit „Necrotic Savagery“ ein neues Album angekündigt. Es ist nach „Enter the Morgue“ (2013) das zweite Album der Rumänen und wird am 23. Januar 2026 via Loud Rage Music und Axa Valaha Productions erscheinen. Das Cover-Artwork stammt aus der Feder von Costin Chioreanu. Zuletzt ist ein Video zu „Devoured“ erschienen.

CADAVRUL Line-Up:
Valentin „Karcalac“ Mincu (vocals)
Corneliu „The Dacian“ Belu (guitars, vocals – live)
Patrick Andrei Preda (drums)
Sorin „Tormentor“ Vlad (bass, vocals – live)

CADAVRUL „Necrotic Savagery“ Tracklist
1. Intro
2. Attack of the Cursed
3. Marș funebru (Video bei YouTube)
4. Circle Pit (B.Y.H.)
5. Devoured (Video bei YouTube)
6. Cannibal Satiation
7. Torch the Bodies
8. Necrotic Savagery
9. Dismember All Humans
10. Fuck Fashion (Bonus Track)

Source: Vampster

Die Melodic Doom Metal-Band ORCHID THRONE hat nach dem Opener „Dreamworld“ und dem Lyric-Video zu „Moonlight Revelry“ mit dem Video-Clip zu „Ephemerality“ eine dritte Single ihres kommenden Albums „Buried in Black“ veröffentlicht. Es ist der erste Release des Solo-Projekts von Nicholas Bonsanto (EMPRESS, LÖR) und wird am 9. Januar 2026 erscheinen.

ORCHID THRONE „Buried in Black“ Tracklist
1. Dreamworld (Audio bei Bandcamp)
2. Ephemerality (Video bei YouTube)
3. What Defines us
4. Moonlight Revelry (Lyric-Video bei YouTube)
5. Guilt
6. Breath of Autumn
7. With Promise

Source: Vampster

Die Industrial Black Metal-Band DUSK hat mit „Bunker“ ein neues Album angekündigt. Es ist das sechste Album der Band aus Costa Rica und wird am 20. Februar 2026 erscheinen.

DUSK Line-Up:
Dusk — production, composition, programming synthesizers and effects
Shaman — vocals
Implacable — guitar
Pàlak — bass

DUSK „Bunker“ Tracklist
1. Bunker I
2. Bunker II
3. Bunker II
4. Bunker IV
5. Bunker V
6. Bunker VI
7. Dunkelheit (RMX)

Source: Vampster

Die Atmospheric Pagan Metal-Band VERMILIA hat nun auch den Titeltrack ihres aktuellen Albums „Karsikko“ als Video-Clip veröffentlicht.

Zuvor hat die Band nach „Kansojen Kaipuu“ mit „Veresi“ einen zusätzlichen Video-Clip veröffentlicht. Der Song sei eine Reflexion über Abstammung, Leben und die Unvermeidlichkeit des Todes und zeichne ein Bild der menschlichen Existenz als Teil eines größeren Kreislaufs – eines Kreislaufs, der Blutlinien, Natur und den Lauf der Zeit miteinander verbindet.

Zuvor ist mit dem Lyric-Video zu „Vakat“ die erste Single des Albums erschienen. Der Song ist von alten Traditionen inspiriert.

„Früher feierten die Dörfer ‚Ukko’s Vakkas‘. Das Lied ist ein heidnischer Lobgesang und eine Bitte an Ukko, den Gott des Donners, Regen zu bringen und eine gute Ernte für die Menschen zu sichern“, sagt die Solo-Künstlerin Julia Mattila.

„Karsikko“ ist nach „Kätkyt“ (2018) und „Ruska“ (2022) das dritte Album der Finnin und ist am 14. Februar 2025 erschienen.

VERMILIA „Karsikko“ Tracklist
Karsikko (Video bei YouTube)
Vakat (Lyric-Video bei YouTube)
Kivutar
Suruhymni
Koti
Veresi (Video bei YouTube)
Talven jälkeen
Kansojen Kaipuu (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Thrash Metal-Band CRUEL FORCE hat mit „Haneda“ ein neues Album angekündigt. Es ist das vierte Album der Deutschen und wurde gemeinsam mit Marco Brinkmann aufgenommen. Release-Termin ist der 27. März 2026 via Shadow Kingdom Records.

CRUEL FORCE Line-Up:
GG Alex – Drums
Slaughter – Guitars
Carnivore – Vocals
Spider – Bass

CRUEL FORCE „Haneda“ Tracklist
1. The Cross
2. Whips A Swinging
3. Savage Gods
4. Sword Of Iron
5. Crystal Skull
6. Warlords
7. Black Talon
8. Titan’s Awakening
9. Haneda

Source: Vampster

Die Melodic Death Metal-Band FROM ASHES REBORN hat mit „In Truth Divided“ einen zweiten Track ihres kommenden Albums „Chasing Utopia“ veröffentlicht.

„’In Truth Divided’ erzählt vom Zerfall gemeinsamer Wirklichkeit – wenn Überzeugungen zu Mauern werden und Wahrheit zur Waffe“, erklärt die Band. „Der Song zeigt, wie leicht Menschen sich in Gewissheit flüchten und dabei das Verstehen verlieren.“

Es ist nach „Existence Exiled“ (2018) das zweite Album der Deutschen und wird am 6. März 2026 erscheinen. Vorab gibt es auch ein Lyric-Video zum Titeltrack.

„’Chasing Utopia’ ist ein Aufbegehren gegen den Verfall – ein Song über den Versuch, Sinn zu finden, wenn alles um einen zerbricht. Der Song erzählt von einer Welt, die an sich selbst scheitert, von Täuschung, Macht und dem Wunsch, trotzdem nicht aufzugeben“, sagt die Band.

FROM ASHES REBORN Line-Up:
Ronny – Vocals
Dirk – Lead & solo guitar
Sebastian – Rhythm guitar & backing vocals
Tobias – Bass
Thomas – Drums

FROM ASHES REBORN „Chasing Utopia“ Tracklist
1. Colossal March
2. Soulless Legions
3. In Truth Divided (Audio bei YouTube)
4. Summoning The Shadows
5. Chasing Utopia (Lyric-Video bei YouTube)
6. Through Darkest Fires
7. Wraiths Of Memories
8. One With My Demons
9. Interlude
10. Venomous Crown
11. Too Blind To Speak
12. Beyond Infinity
13. Echo Chambers
14. Chasing Utopia

Source: Vampster

Do you already know our new “Dark Metal Duets” playlist on Spotify? It contains unforgettable duets from the scene such as Nightwish, Lacuna Coil, Within Temptation, Epica, Theatre of Tragedy, Moonspell, Paradise Lost and many more. Have a listen:

Source: Orkus

It’s been an incredible 34 years since Tori Amos released the second single from her debut album “Little Earthquakes” on January 6, 1992. Did you already know these facts? ★ “Silent All These Years” was created during a time of self-reflection. ★ Originally, she is said to have written the song in memory of her […]

Source: Orkus

  Josh Loughrey is celebrating the tenth anniversary of his gothic electro project Doors in the Labyrinth with today’s release of Catalyst, an appropriately titled collection of demo tracks dating back to 2015. The 13 tracks on the album present the earliest forms of material that ultimately led to the project’s first EP release in 2016 [..]

Source: RE:GEN Mag

  Having effectively disbanded Cobrakill in the latter half of 2024, guitarist Randy White turned his stylistic attentions from hard rock and glam metal toward the darker, more keyboard-laced sounds of industrialized nü-metal with his new band Atomic Assassins. Featuring vocalist/keyboardist Damon Ryder, bassist Morbid, and Sinister Nevermore on drums [..]

Source: RE:GEN Mag

  From everyone on the ReGen Magazine staff to all of our readers and Patrons, we hope that your 2026 is off to an excellent start. Yes, there is a tremendous amount of turmoil and strife in the world, but hopefully, through our musical and artistic community, we’ll find ways to attain solace and means to counteract it. [..]

Source: RE:GEN Mag

DISTASTE
„Agoniepositur“
(Death/Grind/Crust)

Wertung: Empfehlung!

VÖ: 24.10.2025

Label: F.D.A. Records

Webseite: Instagram / Facebook / Bandcamp

Gastbeitrag von „Rudi von Hotel666.de„:

Die Österreicher DISTASTE sind mir mit ihrem letzten Longplayer „Der Ertraeger und das Fleisch“ sehr gut in Erinnerung geblieben und so freut es mich, zwei Jahre später ihren nächsten, wieder über F.D.A.-Records veröffentlichten, Longplayer namens „Agoniepositur“ besprechen zu können. „Der Ertraeger und das Fleisch“ war ja ein sehr beeindruckender Abriss, musikalisch wie auch textlich, und so war ich natürlich sehr gespannt, ob Yannick (Drums), Lukas (Gitarre/Gesang), Armin (Gitarre/Gesang) und Murz (Bass) uns wieder so einen heftigen Abriss entgegenkotzen würden…

… und ich kann nach dem ersten Hören auch gleich sagen, dass die 14 Songs, runtergebolzt in knapp 27 Minuten, absolut nicht enttäuschen und dem letzten Longplayer in nichts nachstehen. Ich habe sogar das Gefühl, dass es dieses Mal sogar noch heftiger und angepisster zur Sache geht. Die Gründe dafür werden ja leider nicht weniger. Wer die Band noch nicht kennt, wird sich bei der Songmenge in entsprechender Spielzeit und meiner bisherigen Wortwahl sicherlich denken können, dass uns hier kein ProgRock erwartet. DISTASTE zelebrieren natürlich weiterhin ein garstig-geiles Giftgemisch aus Death/Grind, welcher nicht nur stumpf daher ballert und einige Finessen aufzeigt, Old School Death Metal, und packendem Crust und Black Metal, beides teils melodisch garniert. Das stellen sie auch sofort zu Beginn der Scheibe unter Beweis und lassen uns mit aufgeklappten und staunenden Mündern zurück. Und das geht auf „Agoniepositur“ auch bis zum letzten Moment so weiter! Es ist wirklich unfassbar, was die Band hier für eine heftige, brutale und dem Wahnsinn nahe Intensität entfesselt. Wie in einem Ekstase zimmert euch die Band ihre Songs so dermaßen in die Fresse, dass euch beim Hören Angst und Bange wird, was ihr aber mit Freude in Kauf nehmt. Ihre Musik ist einfach zu gut und zu packend, denn es geht hier nicht nur mit der groben Kelle zur Sache. Diese wird auch gerne geschwungen, aber im Großen und Ganzen ist dieses Geschredder, ähnlich wie z.B. bei NASUM, technisch nicht ohne, verliert sich dabei aber nie im Gefrickel, was hier auch ein störendes Element wäre. Und so zelebrieren DISTASTE ihren Hass, ihre Wut und ihren Zorn zwar derbe, aber weiterhin mit Köpfchen, welches sich an der Brutalität und der heftigen Energie der Songs berauscht. Ich finde es echt absolut beeindruckend, mit welcher Präzision und Spielfreude sich die Band hier abwechslungsreich und mitreißend durch das Album zimmert. Das Songwriterduo Lukas und Armin hat sich also wieder ordentlich am Quell der Kreativität gelabt, um uns als Ergebnis Songs zu präsentieren, die euch wie ein gewittriges Unwetter elektrisieren werden. Beim Hören ruhig sitzen zu bleiben, ist hier absolut Fehlanzeige. Aber daran sind natürlich nicht nur die beiden beteiligt, denn auch Yannick und Murz holen alles aus ihrem spielerischen Können heraus, um „Agoniepositur“ zu dem zu machen, was es ist, nämlich ein herrliches Klanginferno. Das die Band aber nicht nur Vollgas geben kann, zeigt sie abschließend mit dem Titelsong, der eine echt fiese doomige Slugde-Nummer geworden ist und uns im langsamen Tempo mit einer abgefuckten Stimmung an der Hand aus dem Album hinaus begleitet, um uns anschließend in schwarze Untiefen hinab zu stoßen. Herrlich, wie das ganze Album an sich. Wirklich tolle und sehr intensiv wirkende Musik…

… die durch den Gesang nicht minder heftig wirkt. Im Gegensatz zum letzten Album teilen sich dieses Mal nur Armin und Lukas den Part, das Ergebnis ist aber immer noch genauso derbe und durchschüttelnd. Dieses Schreien, Gekeife, Gebrüll und Geröhre ist ein alles verschlingender Abgrund aus Hass, Wut, Abscheu und Ekel, dessen derbe Heftigkeit und gnadenlose Wucht stimmengewordener Zorn ist und sich uns wie ein alles zertrümmernder, pechschwarzer Strom aus ihren Mündern entgegenkotzt! Emotional heftig, direkt und schroff sind auch wieder die deutschen Texte ausgefallen, welche aber gleichzeitig auch eine sehr poetische Schönheit in ihrer Wortwahl ausstrahlen und uns wie ein Schlag in die Fresse kritische Gedanken und Gefühle über menschliche Abgründe und daraus resultierende gesellschaftliche Fehlentwicklungen, wie dem wieder stark aufkeimenden Faschismus, kundtun. Es scheint mir fast so, als hätten sich die Texte in ihren Stimmenbändern manifestiert und sind fleischgeworden, auf dass sie auch wirklich passend intoniert werden, was Armin und Lukas auch absolut gelungen ist.

Im DeepDeepPressure Studio widmete sich Lukas abermals der Aufnahme, dem Mix und dem Mastering und das Ergebnis lässt wirklich aufhorchen. Attestierte ich dem letzten Album einen sehr gelungenen und passenden Sound, stellt die Produktion von „Agoniepositur“ das nochmal in den Schatten, denn das, was mir da aus den Boxen entgegen tönt, ist wirklich sehr geil geworden. Ein sehr präziser, differenzierter und auf den Punkt gebrachter, feuriger Sound, der zwar zeitgemäß klingt, aber sich in keiner sterilen und seelenlosen Plastikproduktion verliert, die dem Album seiner Kraft und Ausstrahlung berauben würde. Mir gefällt auch der natürliche Klang der Instrumente, vor allem der Drums sehr, welche in Kombination mit den geil kratzig-schreddernden Gitarren und dem voll Basssound ordentlich Druck aufbauen. Mit den sich dazu gesellenden und gut zu hörenden Gesängen ergibt sich eine sehr gelungene und mitreißende Aufnahme, welche die Heftigkeit und das furiose Spiel der Instrumente top in sich vereint und die Hingabe der Musiker zu ihrem Sound und den daraus resultierenden facettenreichen Songs gekonnt in akustische Szene setzt. Da macht das Anhören doch auch gleich noch mehr Spaß als so schon, wenn der Sound so gut passt.

Für das Artwork wurde wieder Armin von Todt und Deibel Ink beauftragt, welcher mich schon auf dem letzten Album sehr mit seiner Kunst beeindrucken konnte. Und dies ist auch dieses Mal wieder der Fall. Was als erstes vielleicht wie ein Photo eines Gasnebels im All erscheint, wird, wenn ihr das Cover dreht, zu einem als rohes Fleisch manifestierten, verstörenden Alptraum einer menschlichen Gestalt, welcher Unbehagen und vielleicht auch Ekel auslöst, aber dieses Album soll ja kein Wohlgefühl auslösen, sondern euch körperlich und emotional durchschütteln – und das macht beim sehr gelungenen Cover, welches eindrucksvoll gemalt wurde, nicht halt. Vielleicht ist es auch ein Blick in den Spiegel, welcher unsere Seelen deformiert durch das Leben und die zugehörigen Erfahrungen zeigt und uns oft zu emotionalen Krüppeln werden lässt. Und wenn ich mir so manche verachtende und empathielose Kommentare in den sozialen Medien so voller Ekel anschaue, ist es nicht abwegig zu vermuten, dass genau so eine wie auf dem Cover zu sehende Gestalt diese furchtbaren Sätze in die Tasten gehauen hat. Aber wo Hässlichkeit regiert, findet sich in der Tiefe der Abscheulichkeit oftmals auch noch ein Funken Schönheit verschüttet wieder. So auch hier, denn ich meine in diesem Gräuel ein schlafendes und beruhigendes Frauengesicht zu erblicken, welches von für mich leider nicht genau erkennbaren Gegenständen umrankt wird. Ein kleiner Lichtblick oder ein Funken Hoffnung inmitten dieses menschlichen Abgrundes? Wer weiß. Im völligen Kontrast zum auf pechschwarzen Untergrund gebannten bösen Traum des Covers steht das in einem strahlenden Weiß, welches schon kurz als Umrahmung auf dem Cover auftaucht, gehaltene restliche Booklet, welches durch sein aufgeräumtes und sehr spartanisches Layout fast schon beruhigend wirkt, wären da nicht die Texte, die sich hier gut leserlich präsentieren. Höchstwahrscheinlich ist diese Disharmonie sogar beabsichtigt. Wundern würde es mich nicht. Auf alle Fälle wird „Agoniepositur“ auch optisch sehr gut präsentiert und wenn ihr euch in dem Artwork so richtig verlieren wollt, gibt es die Scheibe auch als LP und das Bild kommt in Groß bestimmt noch um einiges intensiver rüber. Den Rundling an sich gibt es jeweils hundertmal in Schwarz, Weiß oder Rot. Dazu gibt es natürlich auch ein Inlay mit allen Texten.

Auf ihrem neuen Album „Agoniepositur“ servieren uns DISTASTE einen wirklich brachialen Death-/Grind/-Crust-Cocktail, der uns nicht nur muSICKalisch, sondern auch lyrisch aufs heftigste und voller Wut, Zorn, Verachtung und Abscheu Gift und Galle ins Gesicht rotzt. Macht euch beim Hören auf eine intensive, mitreißende und berauschende Reise gefasst.

Songs:
1. Furunkelmann 01:37
2. Apex Oppressor 01:44
3. Last 02:32
4. Rosstaeuscherei 01:16
5. Kaligula 2.0 01:36
6. Endzweck Geschroepf 01:50
7. Hand guck in die Luft 02:10
8. Nestbeschmutzer 02:16
9. Der Thronraeuber 01:14
10. Gottes Geschenk an die Menschheit 02:11
11. Das Rudeltier 01:18
12. Alpinist 01:57
13. Wind von Asphalt 00:56
14. Agoniepositur 04:27

Spielzeit: 27:04

Source: Amboss-Mag.de

VOYNA
„Monsters“
(Melancholic Wave)

Wertung: Sehr gut

VÖ: 28.11.2025

Label: Aenaos Records

Webseite: Facebook / Bandcamp

VOYNA ist das Nebenprojekt von Peer Lebrecht, dem Frontmann und kreativen Kopf hinter der Berliner Post-Punk-/Darkwave-Band GOLDEN APES. Es ist nach „The Cinvat Bridge“ und der EP „…and the Heresies“ die dritte VÖ.

Der Opener „Calcium Well“ scheint mehrmals Anlauf zu nehmen, um sanftmütig in eine elegische Melodie zu gleiten, die dann perfekt vor dem Hörer ausgebreitet wird und Peer von leeren Nächten und Tagen erzählen lässt. Etwas klarer inszeniert ist das leicht hypnotische, etwas reduzierte „Wrong Face“, welches zuweilen mit cureskem Charme der Desintegration Phase kokettiert, dennoch ganz deutlich Peers Handschrift trägt (Das gilt natürlich auch für die visuelle Umsetzung).

Es folgt „Waters“, welches plötzlich auch mal etwas druckvoller die Melancholie untermalt. „All your ways“ hat durch sein von Sprachsamples beeinflusstes Intro einen leicht experimentellen Charakter. Auch „Milk“ weist aufgrund der Verschmelzung von Schlagwerk und Harmonie kleine Experimente auf, welche sich im Songverlauf mit gefühlvollen Passagen paaren. Der Titelsong scheint trotz aller kindlichen Erinnerungen an die Monster unterm Bett einen eher positiven Klang zu haben, sind doch diese Monster vertraut, gerecht und freundlich… oder sitzt man hier einem Trugschluss auf? Das ruhige, balladeske „Days of Light“ verführt den Hörer, entfernt jegliche Alltagssorgen und dient dem Dahingleiten in Tragträumereien. Zum Finale gibt es „White“, dessen galante Einleitung verführerisch und gleichzeitig sehr fragil erscheint. Geschickt gleitet man dann in verklärte Harmoniebögen.

Fazit. Man könnte jetzt meinen, VOYNA verkürzt nur das Warten auf das in Bälde erscheinende neue Werk der GOLDEN APES. Diese Herangehensweise würde allen Beteiligten nicht gerecht und dazu ist dieses wunderschöne Kleinod dunkler Musik viel zu gut. VOYNA erschafft Klangbilder voller dunkler Melodien, die sich mit betörender Eleganz heranschleichen und trotz manch notwendiger Kanten immer den persönlichen, punktuellen Fixpunkt des Gefühls streicheln. (andreas)

Source: Amboss-Mag.de

-> >;Mit ihrem fünften Album "The Stillness of Dissolution" begeben sich AUSTERE auf eine dunkle Reise, die durch die Abgründe der Zeit, die unausweichliche Rückkehr jeglicher Ordnung in den Zustand des Chaos und in die schwarze Leere führt. Oder in den Worten des Dichters: "… alles, was entsteht, ist wert, dass es zugrunde geht…". Dieses Album bringt wieder mehr Schwärze in den Sound der Australier, die damit eine leichte Kursänderung härter am Wind vornehmen; ohne sich der Nostalgie "alter Tage" hinzugeben. AUSTERE bleiben im selbstgesteckten Rahmen der reiferen und definierten Version ihres besonderen depressiven Black Metal Stils, der ihre Erfahrung und künstlerische Entwicklung widerspiegelt. AUSTERE entstanden aus einem Soloprojekt des Multi-Instrumentalisten und Sängers Desolate alias Mitchell Keepin, der sich im Jahr 2005 mit dem Schlagzeuger, Keyboarder und Sänger Sorrow aka Tim Yatras zusammenschloss. Mit frostigen Gitarren, spitzen Schreien und Wehklagen als Markenzeichen offenbarte AUSTEREs Debütalbum "Withering Illusions and Desolation" (2007) noch einen starken nordischen Einfluss. Das Zweitwerk "To Lay like Old Ashes" folgte im Jahr 2009 ebenfalls mit einem rohen Sound, überzeugte aber auch durch eine verfeinerte Produktion. Danach konzentrierten sich beide Musiker auf andere Projekte und AUSTERE ging in den Winterschlaf. Erst im Jahr 2021 fand das Duo erneut zusammen. Die Zahl der Anhänger war in den Jahren ihrer Abwesenheit dennoch rein durch Mundpropaganda stark angewachsen. AUSTERE sind zurück und tragen auf "The Stillness of Dissolution" schwarze Trauer. Doch darunter kleiden sich die Australier auch in all die subtilen Grautöne, die aus der kontinuierlichen Entwicklung ihrer Musik gewebt wurden, und aus dunkler Materie spannende neue Klangräume erschaffen.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Dissolved Exile-> >;
2. Time Awry-> >;
3. Redolent Foulness-> >;
4. The Downfall-> >;
5. Rusted Veins-> >;
6. Storm Within My Heart

Source: Prophecy

-> >;HEXVESSEL erkunden auf ihrem epischen siebten Album "Nocturne" liminale Räume, z.B. zwischen Licht und Dunkelheit sowie Natur und Einsamkeit. Die sich kontinuierlich wandelnde finnische Band besinnt sich wieder auf ihre Wurzeln im Folk und im psychedelischen Rock, indem sie akustische Zwischenspiele, kosmische Synthesizer und geisterhafte Pianoklänge kunstvoll mit den frostgesponnenen Fäden ihres Black Metal Geflechts verwebt. "Nocturne" klingt sowohl vertraut als auch unverhohlen progressiv, da HEXVESSEL ihre eigene Tradition mit einer frischen Neuerfindung ihres charakteristischen Sounds vermischen. Der Keim für dieses Meisterwerk wurde durch die Aufführung eines Auftragswerks beim Roadburn Festival 2024 gesetzt, das ursprünglich den Titel "Music for Gloaming: A Nocturne" trug. Mit diesem Album nimmt das Projekt eine ausgearbeitete physische Gestalt an. Dieses opus magnum verbindet den rauen Geist von Quorthons Black Metal mit dem komplexen Minimalismus zeitgenössischer Komponisten wie Philip Glass, György Ligeti und Avro Pärt. Den eklektischen Charakter von "Nocturne" unterstreichen ausgewählte Gastauftritte wie der ätherische Gesang von Saara Nevalainen oder die harschen Stimmen der Avantgarde Black Metal Vorreiter Yusaf Vicotnik Parvez (DHG/DØDHEIMSGARD) und ORANSSI PAZUZUs Juho Vanhanen. HEXVESSEL stammen zwar aus dem finnischen Tampere, die Band wurde aber vom englischen Sänger und Songwriter Kvohst alias Mat McNerney gegründet, nachdem er im Jahr 2009 in das nordische Land gezogen war. In vielerlei Hinsicht spiegeln HEXVESSEL die Natur ihres Gründers wider. Der Sänger und Songwriter war schon in vielen erfolgreichen Gruppen und Projekten aktiv, deren Spektrum von der britischen Black Metal Band CODE über einen Abstecher bei den norwegischen Legenden DHG bis hin zu den Rock-Shootingstars BEASTMILK reicht, die er später mit GRAVE PLEASURES fortsetzte. Mit "Nocturne" laden HEXVESSEL alle dunklen Seelen der Erde zu einem transzendentalen Nachtritual ein, das unter anderem die Klangvisionen von DARKTHRONE, TANGERINE DREAM und Philip Glass aus der toten Vergangenheit erweckt und mit neuem Leben erfüllt.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
01. Opening-> >;
02. Sapphire Zephyrs -> >;
03. Inward Landscapes-> >;
04. A Dark lt; Graceful Wilderness -> >;
05. Spirit Masked Wolf -> >;
06. Nights Tender Reckoning -> >;
07. Mother Destroyer -> >;
08. Concealed Descent-> >;
09. Unworld-> >;
10. Phoebus-> >;
-> >;
Bonustracks (nur Artbook und Bundle)-> >;
"Music For Gloaming, A Nocturne By The Hexvessel Folk Assembly (Live At Roadburn Festival 2024)"-> >;
-> >;
01. Sapphire Zephyrs -> >;
02. Inward Landscapes-> >;
03. A Dark lt; Graceful Wilderness -> >;
04. Spirit Masked Wolf -> >;
05. Nights Tender Reckoning -> >;
06. Concealed Descent-> >;
07. Unworld-> >;
08. Phoebus-> >;
-> >;
-> >;
Bonus Tracks (nur Bundle)-> >;
-> >;
01. Under the Lake-> >;
02. Horse Tears (Goldfrapp-Cover)

Source: Prophecy

-> >;Mit ihrem vierten Album "Confessing Darkness" erweitern IMHA TARIKAT erneut alle Grenzen des Black Metal, ohne dabei die enge Verbindung zu dem harschen Stil zu verlieren. Das Genre war von Anfang an deutlich weniger eng definiert, als es eifersüchtige Gatekeeper und juvenile Sittenwächter oftmals unterstellt haben. Die deutschen Black Metal Erneuerer haben von Anfang an zahlreiche der Möglichkeiten genutzt, die das Genre zu bieten hat, und sich doch hörbar ihre eigenen Klangräume erschlossen. Ihr tonales Königreich ruht im Wesentlichen auf zwei Säulen: Musikalisch prägen ein unerbittlicher Vorwärtsdrang und eine unbändige Leidenschaft ihren Sound. "Confessing Darkness" entfesselt sogar noch mehr von dieser rohen Energie als jemals zuvor. Das andere tragende Element besteht aus einer tiefen emotionalen Intelligenz, die das Potential des Black Metal voll ausschöpft, jedes erdenkliche Gefühl auszudrücken – von der reinen Liebe bis zum finstersten Hass, von schweren Depressionen bis zu unbändiger Freude. Auch auf "Confessing Darkness" beruhen diese persönlichen Bekenntnisse auf nichts als der Wahrheit. Dabei hat IMHA TARIKATs lyrischer und musikalischer Kopf, Kerem Yilmaz alias Ruhsuz Cellât, das gesamte Album erstmals komplett im Studio aufgenommen, was dem Sound zugute kommt. Yilmaz hat sich zudem für kürzere, schärfere Attacken entschieden. Die Stücke auf "Confessing Darkness" kommen direkt und zügig auf den Punkt, und lassen sofort wieder los, sobald sich ihre zerstörerische Kraft voll entfaltet hat. IMHA TARIKAT präsentieren sich auf "Confessing Darkness" hörbar gereift. Obwohl ihrer Klanggewalt aufgrund von Erfahrung und hart errungenem musikalischen Wissen etwas von ihrem jugendlichen Ungestüm abgegeben hat, gewinnen die deutschen Black Metal Aufsteiger dadurch erheblich an Durchschlagskraft und Überzeugung. "Confessing Darkness" markiert zweifellos einen musikalischen Meilenstein für IMHA TARIKAT.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
CD Digipak-> >;
1. Intro - Aufbruch-> >;
2. Wicked Shrine-> >;
3. Another Failed Ritual-> >;
4. Voices Of Bitter Epiphany-> >;
5. Excellent Grief-> >;
6. Confessing Darkness-> >;
7. Chamber Of Sin-> >;
8. Horns In The Smoke-> >;
9. Memoria Dei (Profanity And Devil)-> >;
10. Pitch Black Reflection-> >;
11. The Day I Died (Reborn Into Flames)-> >;
12. The Sun Goes Down (A Thin Lizzy Interpretation) (bonus track)-> >;
-> >;
Artbook CD:-> >;
1. Intro - Aufbruch-> >;
2. Wicked Shrine-> >;
3. Another Failed Ritual-> >;
4. Voices Of Bitter Epiphany-> >;
5. Excellent Grief-> >;
6. Confessing Darkness-> >;
7. Chamber Of Sin-> >;
8. Horns In The Smoke-> >;
9. Memoria Dei (Profanity And Devil)-> >;
10. Pitch Black Reflection-> >;
11. The Day I Died (Reborn Into Flames)-> >;
12. The Sun Goes Down (A Thin Lizzy Interpretation) (bonus track)-> >;
13. Schwarzflammensanktum (bonus track)-> >;
14. Architect Of No Hope (bonus track)-> >;
-> >;
Vinyl:-> >;
1. Intro - Aufbruch-> >;
2. Wicked Shrine-> >;
3. Another Failed Ritual-> >;
4. Voices Of Bitter Epiphany-> >;
5. Excellent Grief-> >;
6. Confessing Darkness-> >;
7. Chamber Of Sin-> >;
8. Horns In The Smoke-> >;
9. Memoria Dei (Profanity And Devil)-> >;
10. Pitch Black Reflection-> >;
11. The Day I Died (Reborn Into Flames)

Source: Prophecy

In 2004, Pedro Engel—later joined by his wife Nadine—released his first album. Twenty years later,...

Source: Side Line

Black hole swallows, I remain

Cross the wormhole, break the chain

Unknown, unseen by machines

First free future, death of dreams

In the opening days of a new year, Germany’s Caput Medusae (Tina Mar and Stefan Scott) release Schwarzschild as if sending a carefully calibrated signal into the dark, one that travels with the quiet authority of astronomy itself, attentive to forces that govern motion, closeness, and collapse. Drawn from the language of physics yet grounded in human intimacy, the song frames attraction as a gravitational problem, asking how near two bodies can move before distance disappears and inevitability takes over.

Schwarzschild advances with a controlled sense of motion, its low frequencies tracing steady orbital routes while synth lines shift, intersect, and settle into a tense equilibrium. Lyrically, the song takes its cue from the physical concept of the Schwarzschild radius—the point of no return in a black hole—and translates it into the dynamics of human relationships: how close can two people draw before everything collapses inward? Over this terrain, the vocal arrives as a focused transmission, reminiscent of HAL-9000: calm, deliberate, and alert to the danger implicit in proximity. As the arrangement unfolds, time and space seem to exchange properties; memory slackens, foresight loses its authority, and consequence becomes absolute. The event horizon is treated not as spectacle but as a condition of being—continuation remains possible, yet reversal has quietly vanished. Within this precise, highly controlled sound, echoes of Visage, Gary Numan, John Foxx, and Kraftwerk surface with measured clarity. At the same time, the lyricism approaches an Anne Clark level of poetry, patient and observant like a cosmologist monitoring encoded futures—until a single decision disrupts the structure, snaps continuity, and forces a release from the past.*

The accompanying video, directed by Designbaustelle, extends this meditation through stark black-and-white imagery that feels like a message received out of sequence, filtered through obsolete technologies that still hum with intent. Human faces hover in an uncanny valley state; familiar yet altered, suggesting a future imagined by earlier generations, where optimism and anxiety shared the same architectural plans. Op art disorients the eye, Brutalist forms impose order, and the overall effect carries the unsettling atmosphere of 2001: A Space Odyssey, or a clasic Star Trek quest in progress –  a vision recognized by its nomination for the International Short Film Festival Oberhausen 2026.

Watch Schwarzschild below:

With Schwarzschild, Caput Medusae locate themselves at a precise point of convergence, where darkwave heritage meets contemporary electronic restraint and emotional inquiry is framed through cosmic scale. Like the universe it quietly references, the song suggests that meaning often reveals itself at the boundary where certainty fails, where forward motion continues, and where understanding begins precisely because there is no way back.

Caput Medusae are back with a brand new mini-album, arriving at the beginning of  2026, and for true fans and music lovers, the band has crafted a limited edition Digipak CD featuring an exclusive Black Hole design. This eye-catching collector’s piece is available exclusively for pre-order here.

Listen to Schwarzschild below and order the single here.

SCHWARZSCHILD [Album] by Caput Medusae

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The post German Dark Synthpop Duo Caput Medusae are Swallowed by a Black Hole in Video for “Schwarzschild” appeared first on Post-Punk.com.

Source: Post-Punk.com

-> >;Vier ehemalige Mitglieder der heiß geliebten, aber leider aufgelösten finnischen Band GHOST BRIGADE kamen Ende 2020 in ihrer Heimatstadt Jyväskylä zu einem Gespräch zusammen. Das Gespräch entwickelte sich bald in eine unerwartete Richtung, die am Ende zur Geburt von CERESIAN VALOT führte. Mit mehreren Songwritern und zwei Sängern, die auf Finnisch singen, war Gitarrist und Hauptsongwriter Wille Naukkarinen voller Zuversicht, dass sich der Musikstil der neuen Band von ganz allein in eine neue Richtung entwickeln würde. Die Zeit gab ihm Recht. Der Sound des Debütalbums "Uumen" ("Tiefen") entpuppt sich als sehr dynamisch, vielschichtig und mit einer breiten Palette von Klängen und Ideen. Stilistisch verschmilzt das Album unter anderem Alternative, Rock, Progressive und verschiedene Metal-Genres. Die in finnischer Sprache geschriebenen Texte auf "Uumen" kreisen um das Thema "Unsicherheit". Obwohl das Album oft düster und melancholisch wirkt, sind die Texte keineswegs apokalyptisch, sondern sie bieten auch Hoffnung und ein Licht am Ende des Tunnels an – auch wenn das nicht unbedingt hell erstrahlt. Da die Finnen in ihren Reihen Songwriter, Grafiker, Produzenten, Mixing lt; Recording Engineers und sogar einen Mastering Engineer haben, ist es kaum verwunderlich, dass die Band einen ausgeprägten DIY-Ethos pflegt. Mit "Uumen" brechen CERESIAN VALOT zu einer aufregend neuen musikalischen Reise auf, die etwas Altes, etwas Neues, etwas Geborgtes, etwas Dunkles und ein goldenes Talent für Songwriting mit sich führt: Wer "Uumen" mit offenen Ohren hört, wird mit subtiler Schönheit belohnt.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Ajattomuus / Rajattomuus-> >;
2. Taivaankatsoja-> >;
3. Uumen-> >;
4. Pohjavirtauksia-> >;
5. Karavaaniseralji-> >;
6. Hyöky-> >;
7. Valojuovat

Source: Prophecy

2025 felt like a century—yet it slipped away in a heartbeat. And when I try to retrace it month by month, it doesn’t play back like a neat timeline so much as a trail of vignettes, an oasis of music experiences amongst the desolation of each surreal news cycle. If you compare year-end lists across different sites, the overlap is thinner than usual—and I don’t think that’s a sign of fragmentation so much as abundance. There were simply too many releases worth defending, too many albums that demanded a second pass, then a third, then the kind of listening where you stop “reviewing” and start living inside them. In so many ways, it still feels like we’re in a golden age for the music we champion here.

Amidst all of that, I did have one certainty: my album of the year came from a place I never expected. If you had asked me five years ago whether AFI would land at the very top of my list—let alone that we’d be featuring them here—I would’ve said no without hesitation. Yes, there were tells: the post-punk pull of 2021’s Bodies, the darker contouring going back to 2013’s Burial. But Silver Bleeds the Black Sun isn’t a flirtation with the lineage—it’s a full-bodied commitment. It sounds like a band who spent their lives alone in the same darkened room as Bauhaus, Killing Joke, The Cure, and The Sisters of Mercy, absorbing the grammar, the tension, the romance, the bite—and then writing something with a spirit that shares a greenroom with its Goth forebears.

Maybe I shouldn’t have been surprised. I’ve stood next to Davey Havok at more than a few shows over the years—watching stalwarts like The Mission and The Chameleons, and then catching newer artists too, the same kind of names he’s been calling out lately in interviews. That context makes Silver Bleeds the Black Sun hit even harder: it feels like a record made by lifelong fans—who understand exactly where this music came from and who still have the nerve to make it feel dark, dangerous, and danceable.



I had another moment like that halfway across the world. I was in a record store in Tokyo when Suede’s Antidepressants stopped me in my tracks—one of those “rewind it, play it again” encounters where the room briefly disappears. Suede have been on a consistently strong run since 2013’s Bloodsports (with 2016’s Night Thoughts still towering for me), and Antidepressants felt like that rare thing: a band with nothing to prove still finding new angles to sound urgent.

Besides the many phenomenal releases on my list—including Bootblacks, Lebanon Hanover, Lathe of Heaven, and Silver Tears—I also want to take a moment to spotlight a few newer artists I’d strongly recommend, projects that feel genuinely forward-moving rather than content to circle familiar ground. Tiffadelic immediately stood out to me for their soulful vocals—often ghostly in tone—layered over icy synth sounds that feel unearthed rather than assembled, echoing coldwave and darkwave currents from France and Germany in the ’80s through the 2000s. It’s as goth as it gets, but without affectation: the real thing, rooted in atmosphere and emotional gravity. Moon 17—who were first introduced to me by Spike Hellis—create old-school industrial music that is complex and operates in a space that actively defies standard EBM tropes. Their music carries the same sense of experimentation and risk that defined the Wax Trax era, but without the camo-and-crew-cut baggage that calcified the genre through the ’90s and 2000s. Some tracks unfold with strikingly beautiful vocals, others erupt into screams, and the tension between those extremes is exactly what makes the project so compelling. And finally, a mea culpa: we missed the mark this year by overlooking The Sick Man of Europe. Their self-titled album—particularly the track and single “Obsolete”—lands with sharp, nervy precision that recalls peak Colin Newman–era Wire: taut, intelligent, and mesmerizing.

There were plenty of other releases I wanted to squeeze in, and a few that deserve their flowers even if they didn’t make it into my top list. The Chameleons’ Arctic Moon earns an honourable mention, as well as Pink Turns Blue’s Black Swan, and Corpus Delicti’s Liminal, also stayed in heavy rotation for me, each in their own way reminding me why this strain of music keeps surviving every trend cycle. And Jim E. Brown’s I Urinated on a Butterfly was one of the year’s strangest pleasures— hilarious, satirical, self-effacing, and impossible to forget once it gets its hooks in. I also want to nod to Frank’s picks—especially The Horrors and Martin Dupont, and a few more that were just shy of being in my top 25,

My favorite EP this year was, by far, the bold early ’90s dance-pop diversion, the Trouble EP by Nuovo Testamento, followed by Automelodi’s Chanson-synth gem, the Cavallo EP. And the Australian duo Sacred Hearts released my favorite single of the year with “Possession”. But as far as synth-pop goes, Madeline Goldstein and Ronnie Stone released, hands down, two of the best tracks of the year, with “My Own Design” and “BOUND 2 THE RHYTHM”.

Honorable mentions on the singles front: Death Bells had two great ones, including “Shiver.” And the new tracks featured on Ductape’s Echo Drama Deluxe were fantastic, as well as the latest singles released in advance of their next album, Faded Flowers. And while David Byrne’s Who Is This Sky? Wasn’t my favourite of his solo work, but “T-Shirt”—with long-time collaborator Brian Eno—hit with all the kind of sly, minimalist synth brilliance that could hope for.

One last housekeeping note: there’s no Andi Harriman list this year, as she’s been buried in authoring a book that’s due out soon. We’ll be shouting about it properly when the time comes. For now, here’s my list—one attempt to pin down a year full of great music that flourished while society collapsed.

Alex’s List:
1. AFI – Silver Bleeds the Black Sun

Silver Bleeds the Black Sun… by AFI

2. Suede – Antidepressants

3. Lathe of Heaven – Aurora

Aurora by Lathe of Heaven

4. Silver Tears – Silver Tears

Silver Tears by SILVER TEARS

5. Bootblacks – Paradise

Paradise by Bootblacks

6. Lebanon Hanover – Asylum Lullabies

Asylum Lullabies by Lebanon Hanover

7. Odonis Odonis – Odonis Odonis

Odonis Odonis by Odonis Odonis

8. Ash Code – Synthome

Synthome by Ash Code

9. Korine – A Flame In The Dark

A Flame In The Dark by Korine

10. Ritual Howls – Ruin

Ruin by Ritual Howls

11. Soft Vein – Through Blinds

THROUGH BLINDS by SOFT VEIN

12. Rosa Anschütz – Sabbatical

Sabbatical by Rosa Anschütz

13. Home Front – Watch It Die

Watch It Die by HOME FRONT

14. Mareux – Nonstop Romance

15. Ultra Sunn – The Beast In You

The Beast In You by ULTRA SUNN

16. Safe Mind – Cutting the Stone

Cutting the Stone by Safe Mind

17. The Discussion – All the Pretty Flowers

All the Pretty Flowers by THE DISCUSSION

18. Moon 17 – TX_1320

TX_1320 by Moon 17

19. Nyx Division – Midnight Lights

Midnight Lights by Nyx Division

20. Body Maintenance – Far From Here

Far From Here LP by Body Maintenance

21. Tiffadelic – Retrosynthesis Vol. I

Retrosynthesis Vol. I by Tiffadelic

22. Pixel Grip – Percepticide: The Death of Reality

Percepticide: The Death of Reality by Pixel Grip

23. The Sick Man of Europe – The Sick Man of Europe

The Sick Man Of Europe by The Sick Man Of Europe

24. Automatic – Is It Now?

Is It Now? by Automatic

25. Sextile – yes, please

yes, please. by Sextile

EPs

1. Nuovo Testamento – Trouble EP

Trouble by NUOVO TESTAMENTO

2. Automelodi – Cavallo EP

Cavallo EP by Automelodi

3. Claudia Kane & Metallic Lover – A New Way To Hurt EP

A NEW WAY TO HURT EP by METALLIC LOVER, Claudia Kane

4. The Names – Procrastination EP

Procrastination EP by THE NAMES

5. Closed Mouth – You Don’t Need a God EP

You Don’t Need A God by closed mouth

Singles

1. Sacred Hearts – Possession

Possession by Sacred Hearts

2. Madeline Goldstein – My Own Design

My Own Design by Madeline Goldstein

3. Ronnie Stone – B0UND 2 THE RHYTHM

B0UND 2 THE RHYTHM by Ronnie Stone

4. Traitrs – Burn In Heaven

5. House of Harm – Away Above

Away Above by House of Harm

Continue to the next page for Frank’s picks and our 2025 Playlist!

The post Post-Punk.com — The Best of 2025 appeared first on Post-Punk.com.

Source: Post-Punk.com

Since its launch in 2022, Dresden’s Cold-Hearted Festival has rapidly evolved into a cornerstone of the European darkwave scene, selling out year after year and steadily expanding its reach. Returning in 2026, the festival once again solidifies its reputation as one of Europe’s premier gatherings for darkwave, coldwave, and post-punk devotees. This year, Cold Hearted Festival takes place on November 13th at Hamburg’s Markthalle, followed by November 14th at Dresden’s Alter Schlachthof.

Collectively, the bands on the bill span the full spectrum of darkwave, post-punk, and coldwave, from stark minimalism and synth-driven severity to guitar-led gothic urgency. Each act brings a distinct voice to the lineup, reinforcing Cold-Hearted Festival’s commitment to showcasing the breadth and vitality of the contemporary dark underground. It’s not just one of the coolest festivals in Europe…it’s ice-cold.

Leading the 2026 edition is Cold Cave, whose emotionally charged synth-pop and post-punk lineage has left a lasting mark on the modern darkwave canon. They’re joined by an international lineup including Kaelan Mikla, Gvllow, Ash Code, Qual, Haunt Me, Night In Athens, Darkways, Vioflesh, Skelesys, and Huir – a bill that reflects both the genre’s legacy and its restless forward momentum.

Cold Cave

Founded by Wesley Eisold, Cold Cave occupy a tense, singular space where synth-pop, post-punk, and darkwave converge under pressure rather than nostalgia. Stark electronics serve as emotional architecture, framing lyrics that oscillate between confession and confrontation. Drawing from industrial minimalism and romantic new wave in equal measure, their songs feel both inward-facing and immense. Renowned for live performances that favour release over spectacle, Cold Cave remain a vital, unflinching presence within the modern dark underground.

Passion Depression by Cold Cave

Kaelan Mikla

Icelandic trio Kaelan Mikla channel coldwave severity into something ritualistic and charged, where glacial synth lines, insistent bass, and incantatory vocals converge. Their songs move with a sense of repetition as invocation, drawing power from restraint rather than excess. Sung primarily in Icelandic, the music carries a stark, elemental weight: rooted in place yet unbound by it, earning the band a devoted following far beyond their homeland.

Stjörnuljós by Kælan Mikla

Gvllow

Hailing from California, Gvllow operate at the intersection of darkwave, EBM, and industrial, favoring impact over adornment. Distorted basslines drive the songs forward with blunt force, while commanding vocals cut through with confrontational intent. The result is music built for physical response: tense, unrelenting, and direct, translating with equal potency from record to stage.

Waste Away by GVLLOW

Ash Code

Italian trio Ash Code approach modern darkwave with a measured poise, fusing sleek, club-driven rhythms with a cool undercurrent of melancholy. Their tracks move with controlled momentum, where emotional restraint sharpens rather than dulls the impact. It’s music built for the dancefloor but shadowed by introspection, securing Ash Code a place among the most quietly compelling voices in the contemporary darkwave scene.

Synthome by Ash Code

Qual

The solo project of William Maybelline (Lebanon Hanover), Qual strips electronic music down to its most severe impulses. Drawing from EBM, industrial, and minimal synth, the project favours abrasion over comfort, repetition over release. The result is an uncompromising, confrontational body of work brought to life through performances that feel less like shows than sustained exercises in intensity.

Love Zone by Qual

Haunt Me

Haunt Me distill shadowed synth-pop and post-punk into tightly coiled, emotionally charged forms. Minimalist electronics and hushed vocals work in service of mood rather than excess, circling themes of isolation and unease. The songs unfold slowly, inwardly, steeped in nocturnal introspection, capturing the low-grade anxiety and quiet tension that sit at the core of contemporary darkwave.

Watch You Bleed by Haunt Me

Night In Athens

UK-based Night In Athens fuses classic post-punk tension with glinting synth textures, shaping songs that feel simultaneously cinematic and inward-facing. Atmosphere does the heavy lifting here: lines stretch, pulse, and recede, pulling the listener into a space of late-night reflection and low-level restlessness. It’s music that unfolds in half-light, sustained by mood and momentum.

WITHR (feat. Skelesys) by Night in Athens

Darkways

Spanish act Darkways works within coldwave and post-punk traditions while refining them through a contemporary electronic lens. Melody is never allowed to soften the blow; severity is held in careful balance with propulsion. The result is music that remains dark yet resolutely danceable, its melancholic pull sharpened by precision, rather than excess.

Eternidad by Darkways

Building on a track record of sold-out editions and a lineup that spans the breadth of darkwave and post-punk, Cold-Hearted Festival 2026 asserts itself as a key convergence point for the scene—drawing devotees from across Europe and well beyond.

Purchase tickets here.

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Source: Post-Punk.com

A cold shimmer runs through Lilii Mar’s latest release, like Shinjuku neon on December snow—guitars cutting an angular swath, and vocals drifting in with a baroque sense of drama, swelling like a thundercloud. “White Glow” is the second single from the Tokyo-based artist Lilii Mar a.k.a. masa, the founding member and composer of Sex Virgin Killer, now pushing their solo work deeper into depths of gothic rock, post-punk, darkwave, cold wave, and neo-psychedelia.

masa’s story stretches back well before this single: The band Sex Virgin Killer first took shape in Tokyo in 2006, built around masa’s vocals and guitar. In recent years, that world has been re-energized—new releases, new momentum—and the project’s DIY ethos sharpened further through the artist’s own imprint, lilii sound loom. That same spirit runs through Lilii Mar’s solo work: small-run physical editions that feel hand-tended, with a sound that’s grown colder, cleaner, and more nocturnal.

The title track moves on icy minor-chord shapes and angular guitar lines brushed with haunting reverb, tracing a dark melody up and down the spine of classic gothic rock. masa’s vocal delivery glides above it—rich, dramatic, and occasionally widening into something ghostly and bellowing—giving the song a devotional intensity without losing its pulse. On “Angel (Heaven Version)”—a more effects-laden reworking of Lilii Mar’s debut single, and originally featured on The Ancient Wall (Compilation Supporting Gaza) by Psychic Eye—a dancey dream-pop jangle and snare-forward beat carry a sighing surge of guitar drone, while distant vocals land like a sermon delivered through winds of a tempest. The EP closes with “White Glow (More Wave Version)”, alongside a Bandcamp-exclusive bonus (track 4).

White Glow will also arrive as a limited-edition cassette of 50 copies on December 25, 2025 via lilii sound loom (lilii-014). The cassette edition features three tracks across two sides.

Listen to White Glow below and order the cassette here.

White Glow by Lilii Mar

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Source: Post-Punk.com

Anja Huwe has announced a long-awaited return to North America in March 2026—bringing a live set that draws from her solo work while reaching back into the fierce lineage of Xmal Deutschland, one of the most enigmatic and influential names to emerge from Germany’s early-’80s post-punk movement

For longtime devotees, the news lands with extra weight: Xmal Deutschland did not tour North America often. Their stateside appearances in the mid-1980s were brief but mythic—most famously their 1984 stop at New York’s Danceteria, followed by a final West Coast run in December of 1985 (San Francisco’s Mabuhay Gardens and Los Angeles’ The Palace). Decades later, Huwe’s 2026 dates finally reopen that transatlantic thread.

Among the bands to have graced 4AD’s revered orbit, few burned with the same unplaceable intensity as Xmal Deutschland. Formed in Hamburg in 1981 by a group of self-taught upstarts, they arrived with a voracious, unyielding drive—an aesthetic of flamboyant hair and kohl-rimmed eyes that mirrored the dual nature of their sound: relentless energy tempered by a strange finesse. Though they emerged from the broader Neue Deutsche Welle moment—sharing a lineage with DAF and Einstürzende Neubauten—they resisted easy classification, sidestepping “goth” or “gothic rock” in favor of a sharper, more accurate term: post-punk.

Their ascent crystallized in 1982 with the release of the “Incubus Succubus” single, and that same year a pivotal London performance opening for the Cocteau Twins pulled them into an eager avant-garde audience. Soon after, their relocation to London and subsequent embrace by 4AD set the fuse. The first two albums—1983’s Fetisch and 1984’s Tocsin—arrived like twin impact events, reshaping the contours of the international post-punk scene with a cold clarity that still cuts through today.

The band’s formative line-up—Caro May, Rita Simonsen, Manuela Rickers, Fiona Sangster, and Anja Huwe—embodied punk’s audacious break from traditional mores: they ventured into music without the trappings of prior experience, simply because the moment demanded it. A twist of fate during the recording of the early single “Schwarze Welt” pushed Huwe—initially the bass player—into the role of lead vocalist. “The only condition from my side [was that] I will never perform onstage,” she later recalled. “Two months later, they made me without ever telling me up front. I had no choice.”

From there, Xmal Deutschland’s arc spanned four albums—two with 4AD, followed by 1987’s Viva, which expanded their reach and achieved further international success, and 1989’s Devils, released after a key line-up shift. While the band’s image was often framed by media fascination—an “all-female” ensemble later playfully amended with the arrival of Wolfgang Ellerbrock, jokingly dubbed the “token male”—Huwe has always emphasized the deeper force at work: a self-contained circle of friends, fiercely committed to their own unconventional way of being. “We were like paradise birds,” she once said. “We were enough for ourselves.”

Following Xmal Deutschland’s distinguished run and split in the early 1990s, Huwe shifted her creative focus toward visual art and painting, stepping away from the musical stage even as the legend refused to fade. “Since the split… I have been haunted by the ‘Legend of Xmal Deutschland’ and never-ending requests from all over the world, all of which I always turned down,” she admitted—until recent years finally made her refusals yield to return.

Photo by Nastya Platinova
And a flurry of archival restoration and renewed activity has anchored that return. Sacred Bones helped bring essential material back into circulation with Early Singles (1981–1982), expanded with bonus tracks, while 4AD commemorated the band’s defining era with Gift: The 4AD Years—an Abbey Road–remastered collection spanning Fetisch, Tocsin, and related EP material. With a limited vinyl reissue of Devils now back in the conversation and more still on the horizon, Anja Huwe and Xmal Deutschland’s story continues with a new generation of fans.

Codes, Huwe’s first solo album released via Sacred Bones, arrived as the other half of that restoration: a modern work shaped by her long friendship with Mona Mur and sharpened by the return of Manuela Rickers’ guitar presence on the album. Built over months of meticulous collaboration, the record carries the same steely emotional directness that defined Xmal Deutschland—now refracted through a deliberate architecture of poetry, pressure, and survival.

At the center stands Huwe—an artist of distinction whose voice remains as direct and commanding as it was in the early days, whether cutting through the razor angles of the Xmal catalogue or moving through the more deliberate modern framework of her solo LP. The 2026 dates offer a rare chance to experience that continuum live, on this side of the Atlantic, with decades of context finally in place.

North American Tour Dates (2026)

March 18, 2026 — New York, NY — Le Poisson Rouge — Tickets
March 19, 2026 — Montréal, QC — Théâtre Fairmount — Tickets
March 21, 2026 — Chicago, IL — Epiphany Center for the Arts — Tickets
March 22, 2026 — San Francisco, CA — Great American Music Hall — Tickets
March 25, 2026 — Los Angeles, CA — 1720 — Tickets
March 28, 2026 — Mexico City, MX — Mesones72 — Tickets
March 29, 2026 — San José, Costa Rica — Amon Solar — Tickets

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Electro-industrial artist Staytus steps into charged territory with her new single The God, The Artist, & The Creator. The track circles worship, desire, and authorship, treating creation as a physical and spiritual act; belief pressed against skin, faith spoken through want. Her voice glides with purpose, cool one moment, confrontational the next, guiding the song’s slow-burn intensity.

Produced by Grammy-winning, multi-platinum producer Mikal Blue at Revolver Recording Studio in Thousand Oaks, California, the track pairs tensile electronics with a sense of exposed resolve. Jeff Friedl’s percussion pushes forward with measured force, anchoring the song’s heat and motion. Guitar textures from Patrick “Embryo” Tapu arrive warped and abrasive, their waveshaper edges cutting the air, while Anthony Laurie of Thredge adds dimensional accents that widen the frame without overcrowding it. There’s a lineage running through the track that recalls Lydia Lunch’s scorched authority, Liz Phair’s unguarded candor, and Courtney Love’s volatile poise; voices that claimed autonomy through exposure rather than polish. Staytus channels that same raw authorship, placing desire on the altar without apology or disguise.

“This song is about creation in every sense – the divine, the artistic, and the physical,” says Staytus. “It’s about surrendering to something greater than yourself, whether that’s love, lust, inspiration, or faith. I wanted it to feel like a prayer whispered in the dark and a confession of desire at the same time.”

Lyrically, the song dwells in volatile intimacy, healing alongside hunger, secrecy beside exposure. Sex becomes ritual. Affection turns feral. Power passes back and forth in a charged exchange where devotion risks erasure, yet insists on presence. The chorus hits with blunt insistence, transforming obsession into declaration.

The accompanying visualizer reinforces this duality, with Staytus performing while shifting between Madonna-whore archetypes: the bad girl, the good girl, the creator, suggesting a fluid divinity where identity multiplies and authority is self-assigned.

“I’ve always been fascinated by the idea of creators and creation—the god behind the art, the art behind the god,” adds Staytus. “This track is my way of exploring that relationship, where belief, desire, and obsession coexist.”

Watch the video for “The God, The Artist, & The Creator” below:

With collaborators that include Sean Beavan and Matt McJunkins, Staytus continues to carve a space where industrial weight meets emotional exposure…music that treats desire as doctrine and creation as confession.

Listen to God, The Artist, & The Creator below.

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Source: Post-Punk.com

The silence is empty, where love used to be

Now you never check up if I’m drowning at sea

Or if I have an attack, or my vision goes black

Cuz you don’t care anymore

Fidelity is a vow made in motion, a promise that only survives through attention. When loyalty decays, it rarely shatters all at once; it thins, frays, forgets to ask simple questions. Neglect is the hollowed-out shell of love, echoing with the memories of devotion. From that absence, fury grows. Anger becomes the body’s last proof that devotion existed, that something vital was withdrawn without consent.

Emotion, in the new video for Marie Ann Hedonia and Casey Desmond‘s Fuck Your Feelings (Salt In The Wound), is treated as something spatial; an energy that inhabits rooms after the people vanish. Heartbreak is not dramatized but left behind, settling into empty sanctuaries and overgrown spaces where vows once had weight. The setting does much of the speaking: an abandoned church as a monument to fidelity neglected, beauty persisting where care has receded.

The track treats loyalty as an active practice rather than a sentimental idea. Marie’s Eurorack-driven production coils with industrial tension: precise, unyielding, while Casey’s vocal cuts cleanly through it, expressive and exposed, confrontational without posturing. An arpeggio climbs and snaps into a steel-edged rhythm, all chrome and compression. This is synth-pop stripped of nostalgia, built for rupture. Hedonia sets a sleek, controlled frame; Desmond tears into it, her melodies slicing through the gloss with deliberate force, leaving the surface scored. Anger rises from the refusal to pretend devotion never existed, while grief hardens into something sharper and more insistent.

Visually, the film resists easy catharsis. The performances unfold like private rituals rather than spectacles, surrounded by decay that feels lived-in rather than curated. Burning florals and vacant interiors echo the song’s core contradiction: destruction occurring alongside creation. This is more of a reckoning than a redemption arc; context deepens the work without softening it.

Watch below:

Created during a period of profound transformation: new life, new records, unstable ground, the collaboration between the two artists becomes an assertion of movement forward without erasure. It is about what remains when loyalty thins, when love empties the room, and when anger becomes the last honest language left standing.

“Fuck Your Feelings (Salt in the Wound)” is featured on the Solar Eclipse EP.

Listen below, and order here.

Solar Eclipse by Marie Ann Hedonia

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Source: Post-Punk.com