Bist du bereit für eine Geschichtsstunde der besonderen Art? Keine Sorge, du musst nicht mitschreiben – hier geht’s um Bass, Beats und jede Menge Attitüde! Die legendäre...

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„Through Storms Ahead“. Dass der Titel Programm werden würde, hatte Tim Lambesis im Vorfeld wohl nicht auf dem Schirm. Ebenso wenig die Ironie, die nun im instrumentalen Intro mitschwingt. „Permance“ jedenfalls ist keine Qualität, die wir dieser Tage mit der Metalcore-Größe AS I LAY DYING verbinden. Wenige Wochen vor der Veröffentlichung des achten Studioalbums nahm das komplette Line-up seinen Hut – sogar Gitarrist und Songwriter Phil Sgrosso, der Lambesis 2022 noch die Treue hielt, als zum ersten Mal die damalige Stammbesetzung das Schiff verließ.

Weshalb der Shouter nun erneut vor einem Scherbenhaufen steht, ist gegenwärtig nicht im Detail bekannt. Doch auch ohne Mutmaßungen anzustellen, deuten die Zeichen auf mehr als einen Sturm im Wasserglas: Gitarrist Ken Susi nannte moralische Beweggründe für seinen Exodus, Partner Phil Sgrosso sprach über die Entscheidung, sein „Lebenswerk“ hinter sich zu lassen, auch als Gewissensfrage. In jeder Hinsicht jedoch scheint es ein unwürdiges Ende für ein Line-up, das offensichtlich eine ganze Menge zu geben hatte.

AS I LAY DYING brillieren dann, wenn sie auf ihre charakteristischen Tugenden setzen
Das wird im Laufe der rund 42 Minuten deutlich, die AS I LAY DYING vielleicht so melodisch wie nie zeigen, dabei aber immer noch ihre alten Stärken zielsicher kanalisieren. Dass sich ausgerechnet der härteste Track zu früh totläuft und somit den Tiefpunkt der Platte markiert, könnten wir fast als symbolisch werten. „We Are The Dead“ legt mit gelegentlichen Thrash-Spitzen gut los, flaut dann jedoch schnell ab – wohl auch, weil die Gastparts solch tendenziell kontroverser Persönlichkeiten wie Alex Terrible (SLAUGHTER TO PREVAIL) und Tom Barber (CHELSEA GRIN) kaum Akzente setzen können.

Groß aufspielen können AS I LAY DYING dagegen, wenn sie auf ihre charakteristischen Tugenden setzen. „Burden“ praktiziert durch sein plattes Nachtreten gegen ehemalige Bandmitglieder zwar inhaltlich schlechten Stil, bringt musikalisch aber all das mit, was die US-Amerikaner Mitte der 2000er zur Vormachtstellung verholfen haben. Unverkennbar melodisches Riffing mit Zug nach vorne prägt auch das starke „A Broken Reflection“ sowie „The Void Within“, wobei es letzteres mit der Postproduktion ein wenig zu gut meint.

Rein instrumental hat “Through Storms Ahead” eine ganze Menge zu bieten
Bassist Ryan Neff liefert auch ohne überbordende Effekte eine durchaus gefällige Performance, die zwar nicht ganz die Klasse seines Vorgängers Josh Gilbert (SPIRITBOX) erreicht, doch sich allgemein hervorragend in den Bandsound integriert. Bestes Beispiel hierfür ist der fantastische Refrain von „The Cave We Fear To Enter“, der gerade wegen Neffs Gesangsleistung zum Highlight wird. Dabei setzt der Musiker auch im Titeltrack und „Gears That Never Stop“ die entscheidenden Akzente, welche Tim Lambesis nicht immer auf den Punkt vermitteln kann. Grundsätzlich kann sich der Shouter natürlich weiterhin auf seine markante Stimme verlassen, im Vergleich zur Dominanz früherer Leistungen klingt der Bandkopf dennoch müde.

Mehr als zweckdienlich ist das Resultat nichtsdestotrotz, zumal der Fokus ohnehin auf der teils herausragenden Gitarrenarbeit Sgrossos und Susis liegt. Eben jene ist es somit, die das jüngste Schicksal AS I LAY DYINGs letztlich so schmerzhaft macht: Rein instrumental zeichnet „Through Storms Ahead“ das Bild einer Band, die noch lange nicht am Ende ihres Wegs angekommen ist und deren entflohenen Mitgliedern man nun fast raten möchte, doch unter neuer Flagge und ohne Altlasten die gemeinsame Zukunft weiterzuschreiben. Den mutmaßlich selbst gesäten Sturm zu ernten, liegt nun ja nicht mehr in ihrer Verantwortung.

Veröffentlichungstermin: 15.11.2024

Spielzeit: 42:21

Album-Line-Up
Tim Lambesis – vocals
Phil Sgrosso – guitar
Ryan Neff – bass/vocals
Ken Susi – guitar
Nick Pierce – drums

Produziert von Hiram Hernandez, Phil Sgrosso, Aaron Chaparian (Mix) und Mike Kalajian (Mastering)

Label: Napalm Records

Homepage: https://asilaydying.com/
Facebook: https://www.facebook.com/asilaydying/
Instagram: https://www.instagram.com/asilaydying
Bandcamp: https://asilaydying.bandcamp.com

AS I LAY DYING “Through Storms Ahead” Tracklist
1. Permanence
2. A Broken Reflection
3. Burden (Video bei YouTube)
4. We Are The Dead (feat. Alex Terrible, Tom Barber) (Video bei YouTube)
5. Whitewashed Tomb (Video bei YouTube)
6. Through Storms Ahead
7. The Void Within (Lyric-Video bei YouTube)
8. Strength To Survive
9. Gears That Never Stop
10. The Cave We Fear To Enter (Video bei YouTube)
11. Taken From Nothing

Source: Vampster

Freakangel is back, and the world is about to take notice! While ‘back’ might not...

Source: Side Line

Einige Jahre ist es schon her, als WINTERHORDE ihr drittes Album “Maestro” (2016) veröffentlicht haben. Das Album und die Band blieben mir in positiver Erinnerung. Und auch heute will ich vorwegschicken, dass mir WINTERHORDE grundsätzlich gefallen. Doch habe ich mit “Neptunian” – ganz offen gesagt – mehr Probleme, als mir lieb ist.

WINTERHORDEs Progressive Melodic Black Metal-Stil hat seine Tücken
Der Progressive Melodic Black Metal-Stil hat aber auch so seine Tücken, als dass man kompositorisch kreativ, melodisch eingängig und doch auch aggressiv sein soll. Und diesen Balanceakt bekommen die Israeli auf ihrem aktuellen Album einfach nicht so gut hin. Das fängt schon beim Opener an, dessen Americana Blechbläser-Einsatz im Übrigen das Highlight darstellt: hier wirken manche Songfragmente wie einfach aneinandergereiht, ohne die Übergänge fließend zu gestalten. Ein weiterer Schwachpunkt ist der Clean-Gesang von Yoni Oren, der etwas wackelig wirkt, während mir die Growls von Zed Destructive im Grunde recht gut gefallen.

“Neptunian” wird hoher Erwartungshaltung nicht gerecht
Die positiven Aspekte sind in den atmosphärischen Segmenten oder in den melodischen Gitarren-Leads zu finden. Auch die löblichen Tempo-Verschärfungen wären ein Grund zur Anerkennung. Doch gerade hier macht dem Album die schwachbrüstige Produktion einen Strich durch die Rechnung, so dass die gut gemeinten Blast Beat-Passagen ihre Wirkung ein wenig verfehlen. Das nimmt umso mehr wunder, als dass mit Jaime Gomez Arellano ein Meister seines Faches hinter den Reglern gesessen hat. Insgesamt erfüllt das aktuelle Album von WINTERHORDE demnach nicht die hohen Erwartungen, die ich an “Neptunian” hatte. Schade.

Veröffentlichungstermin: 08.12.2023

Spielzeit: 53:26 Min

Line-Up:
Zed Destructive – Gesang
Yoni “Oblivion” Oren – Gesang
Omer “Noir” Naveh – Gitarre
Moshe Benofel – Gitarre
Sascha “Celestial” Latman – Bass
Oleg “Olgerd” Rubanov – Keyboards

Label: Noble Demon

Mehr im Netz: https://winterhorde.bandcamp.com
Mehr im Netz: https://www.facebook.com/winterhorde

WINTERHORDE “Neptunian” Tracklist
01. Amphibia
02. Neptunian (As Trident Strikes The Ice)
03. Angels In Disguise (Feat. Kobi Farhi of Orphaned Land) (Lyric-Video bei YouTube)
04. The Spirit Of Freedom (Video bei YouTube)
05. Alone In The Ocean
06. The Garden
07. Ascension
08. A Harvester Of Stars (Feat. Davidavi Dolev of Subterranean Masquerade) (Video bei YouTube)
09. With Bare Hands Against The Storm
10. The Greatest Plague Of Earth (Vinyl bonus track)

Source: Vampster

Aus Finnland kommt wieder einmal eine neue Band, die mit ihrem Erstling “Luonnonoikku” durchaus Potenzial erkennen lässt: HEAVEN-GEMINI. Ihr Konzeptalbum, das auf Finnisch eine dystopische Geschichte von Existenzialismus, Buddhismus und griechischer Mythologie zu erzählen versucht, ist musikalisch breit aufgestellt, als dass Progressive Metal, Djent, Alternative Metal und gar Thrash- und Death-Elemente Einzug halten.

HEAVEN-GEMINI binden das erzählerische Moment gut ein
Von den Kompositionen ist das durchaus interessant, als dass das progressive Element oft gut eingearbeitet wird. Ihren Teil dazu tragen die verhaltenen Synths und das leicht erzählerische Element in der Musik bei. So hat bereits der Opener “Kyynelmyrkky” ein gewisses cineastisches Feeling und auch “Arkkivihollinen” gefällt in dieser Hinsicht. Ebenso Pluspunkte sammelt die Band durch die leicht deathigen Ausflüge, die sporadisch eingesetzt werden (“1001”, “Tinnitus”) und (vor allem) mit “Tappokasi”, wo die Band die Heaviness nach oben schraubt und mit Thrash- / Hardcore-Elementen arbeitet. Hier zeigt sich dann auch einen entfesselter schreiender Sänger Aleksi Kokko.

“Luonnonoikku” ist ein gefälliges Debütalbum, das noch ein paar Schwächen hat
Leider kann das Album nicht in seiner gesamten, vielleicht etwas zu langen Laufzeit überzeugen. So fühlt man in “Presque Vu” erstmals ein paar Längen – und das trotz zusätzlicher Humppa- und Punk-Einschübe. Und auch Songs wie “Pathomania” oder das abschließende “Luonnonoikku II: Kun” wirken schwächer, weil vor allem der Refrain zu einfach und farblos gehalten wurde. Ansonsten aber ein gefälliges Debütalbum, das sich auch durch die finnischen Sprache reizvoll anhört, wenngleich zumindest ich von der Story dadurch recht wenig mitbekomme.

Veröffentlichungstermin: 22.11.2024

Spielzeit: 63:47 Min

Line-Up:
Aleksi Kokko – Gitarre & Gesang
Mikko Soininen – Gitarre
Santtu Paananen – Schlagzeug
Eetu Savolainen – Bass

Label: Inverse Records

Mehr im Netz: https://heavengemini.fi/
Mehr im Netz: https://www.facebook.com/heavengeminiband
Mehr im Netz: https://heaven-gemini.bandcamp.com/

HEAVEN-GEMINI “Luonnonoikku” Tracklist
1. Kyynelmyrkky
2. Vangin Dilemma
3. Pathomania (Video bei YouTube)
4. Kuollut Kirjain
5. 1001
6. Presque Vu
7. Lorem Ipsum
8. Tinnitus (Video bei YouTube)
9. Arkkivihollinen
10. Tappokasi (Video bei YouTube)
11. Luonnonoikku I: Preesens
12. Luonnonoikku II: Kun

Source: Vampster

Exactly 42 years ago to the day, The Cure’ssingle “Let’s Go to Bed” was released on November 23, 1982. Did you already know these 5 facts? ★ After the sombre “Pornography”, Robert Smith returned from his month-long retreat in the Lake District to write “Let’s Go to Bed”. ★ The song represents a kind of […]

Source: Orkus

After releasing her first album “Pest & Power” in 2018, Patty Gurdy is now presenting her second, “Tavern”, which not only pleases the ears but also the eyes with the “Tavern” movie. In our December/January issue, we join the likeable musician in the tavern, explore the world of elves and break down walls with her. […]

Source: Orkus

Normally, the sun evokes positive associations, but Janus masterfully bypass all of them with “Sonne”. It manifests itself dangerously and devastatingly in “I saw the sun”: a 10-minute battlefield of emotions, threatening and beautiful sounds and full of madness. The latter is also present in the soundtrack-like chanson-like “All the ghosts” with goosebumps guaranteed! Sonne” […]

Source: Orkus

Kalt ist’s heute, Mitte November. Passend zum eisigen Norden. Mystisch anmutende atmopshärische Klänge die nordische Vergangenheit behandelnd sind es, die uns Grund geben, uns auf den Weg quer durch die City Berlins zu begeben. Am imposanten Tempodrom angekommen, fallen sofort die Scharen an Menschen auf, die sich vor der besagten Venue versammelt haben. Normal gekleidete Passanten gesellen sich zu schwarz gekleideten, jung und alt und hin und wieder Gewandete. Und überall: Undercuts! Uff, dass die Serie Vikings so einen Modebohei auslöst, hätte man sich damals kaum vorstellen können. Mit einem Zwinkern stelle ich erneut fest, dass Ragnar Lothbrok Inspirationsquelle für viele Männer zu sein scheint. 

Das Tempodrom betreten und unsere Plätze bezogen bleiben uns noch knapp eineinhalb Stunden Zeit, um uns ein Getränk zu holen, den Merch zu begutachten und vor allem die Architektur zu bestaunen. Zwar sind wir nicht erstmalig hier, wohl aber ist’s heute das erste Mal, dass wir das Tempodrom bei guter Ausleuchtung bestaunen können. Die hohe Decke, einem Zelt gleich, mit Holz verkleidet. Trotz der Größe des Konzertsaals und der Menge an Menschen, die sich zuweilen lautstark unterhalten, gibt’s weder Hall noch Echos. Einfach toll! 

Die Bühne selbst ist mit langen netzartigen Tüchern verziert. Man vernimmt Vogelgezwitscher, im Hintergrund läuft ganz leise neofolkloristische Musik. 

Als dann, 20:30Uhr, pünktlich wie die Maurer, WARDRUNA die Bühne betreten, erbebt der Boden und das Gemäuer vor tosendem Applaus. Alle haben diesem Moment entgegengefiebert. Der Beifall verstummt, Gespräche verstummen zuleisem Gemurmel. Es folgt Stille. Ein leichtes Krächzen kündigt einen Raben an. Auf der großen Leinwand im Hintergrund erscheint er. Riesig und weiß. Das Symboltier des Albums “Kvitravn” (“Weißer Rabe”), was zugleich der Künstlername von Einar Selvik, Vater des Projektes WARDRUNA, ist. Dieses Synonym kommt aus einer Zeit vor WARDRUNA, als Einar noch in einer der einflussreichtes Black Metal Bands Norwegens als Drummer zugegen war: GORGOROTH. Dort zeigte er in den Jahren von 2000 bis 2004, dass er ein gutes Gespür für Rhythmen hat. Heute also stellt er, mit seiner Band, erneut sein Können unter Beweis.

So steigt die Kapelle sogleich, eingeleitet von John Stenersen’s Spiel auf der Moraharpa, mit dem Titel “Kvitravn” ein und sofort ist jeder im Saal gefesselt. Die Verbindung aus vermeintlich uralten, ungemein rhythmischen Klängen, vorgetragen in altnordischer Sprache ist es, die den Zuschauer und -hörer direkt in ihren Bann zieht. Beim Titel “Skugge” legt Einar sein ganzes Stimmrepertoire dar. Angetrieben von durch Mark und Bein dringenden Trommeln sind die ersten Zuschauer auf den seitlichen, unverkauften Rängen, geneigt, sich im Tanz zu verlieren. 

Auch Lindy Fay Hella, die Sängerin zu Einars Rechten, bringt Bewegung auf die Bühne und beginnt beinahe ekstatisch zu tanzen. Bei “Solringen” wird auf die Leinwand hinter den Musikern ein Kreis aus Licht gezeigt, der sich langsam schließt und optisch an eine totale Sonnenfinsternis erinnert. So schaffen es die Künstler auf dem Podium stets, Spannung aufrecht zu erhalten. Immer wieder gibt es neue Elemente und kuriose, aus früher Vorzeit stammende Instrumente zu bestaunen. So bringen Rahmentrommeln den Boden zum Erzittern. Moraharpa, Talharpa (Geigen alter Bauart) und Kraviklyra (eine Art Harfe) wirken so fern unserer Zeit. Luren klingen wie Alphörner, erinnern mich persönlich ein wenig an die Carnyx der eisenzeitlichen Kelten. Die Show ist einfach nur perfekt. Perfekt im Sinne von “weniger ist mehr”. 

Beim Song “Lyfjyberg” (“Berg der Heilung”) wird der Boden mit wahren Unmengen von Kunstnebel geflutet. Der Boden verschwindet, die Band steht wie auf Wolken. Es regt sich kein Lufthauch, so wabert der Nebel einem Wasserfall gleich von der Bühne und strömt durch die Reihen der Sitzplätze. Man arbeitet mit einer unaufdringlichen Lichtshow. Zuweilen werden die Schatten der Musiker mittels Flutlichtern abwechselnd auf die Wände geworfen, was dem Ganzen eine gewisse Surrealität verleiht. Es gibt kein Stroboskop oder bunte grelle Scheinwerfer. 

Es ist der Klang, der zählt. Und dieser kommt hier und heute, einfach nur umwerfend direkt und klar zur Geltung. 

Minimalismus ist es auch, der beim Lied “Voluspá” (vom Album “Skald”) ungemein passend ist. So verlässt der Rest der Musiker die Bühne, um Einar “seinen Moment” zu gönnen. Hier ist er eins mit seiner Kraviklyra. Gänsehaut pur.

Natürlich darf bei einem Konzert von WARDRUNA ein Lied nicht fehlen. Als Finisher wird uns allen “Helvegen” serviert. Ein Song, der davon handelt, was es bedeutet, ins Totenreich hinüberzutreten. Einar selbst beschreibt es bei seiner einleitenden Ansage ans Publikum gerichtet so:

“Uns alle verbindet eins: Dieser Weg, den wir alle einst gehen werden. Nichts ist so sicher, wie der Tod.”

Tief berührt ersehnt sich ein jeder im Publikum noch eine letzte Zugabe, welche wir auch bekommen. “Snake Pit Poetry” ist es. Von Selvik schmunzelnd angekündigt als ein Lied über den “Star” Ragnar Lothbrok und dessen Ende in der Schlangengrube. Tja, am Soundtrack zur eingangs erwähnten Serie Vikings war WARDRUNA schließlich nicht ganz unbeteiligt.

Und so geht ein grandioser Abend zu Ende. Ein weiteres Mal zeigt die Band und das Projekt WARDRUNA, dass sie/es nicht zu Unrecht als Begründer einer eigenen Musik-Subkultur gehandelt wird.

Abschließend möchte ich noch eine von Einar Selvik’s Ansprachen betonen, welche ihm tosenden Applaus bescherte. Aus dem Gedächtnis kann ich sie nicht wortwörtlich wiedergeben, wohl aber verteufelte er den Konflikt zwischen den Kulturen. Keine Kultur ist besser oder schlechter, als die Andere. Gingen wir noch viel weiter in der Zeit zurück, so würden wir feststellen, dass wir doch alle gleich sind. WARDRUNA soll alle Kulturen und Völker berühren. Alle sollen sie singen und tanzen und leben. Miteinander. 

Fotogalerie: WARDRUNA

WARDRUNA Setlist

Kvitravn

Hertan

Skugge

Solringen

Kvit hjort

Runaljod

Lyfjaberg

Voluspá

Tyr

Isa

Grá

Himinndotter

Rotlaust tre fell

Fehu

Helvegen

Snake Pit Poetry

 

 

 

Source: Vampster

Die Psychedelic Space Rock-Band GHOSTWOUND hat ein neues und selbstbetiteltes Album angekündigt. Es ist das erste Album er Italiener aus Mailand und wird am 6. Dezember 2024 via Go Down Records erscheinen. Nun gibt es einen Video-Clip zum Opener “Funky Robot“.

“Ghostwound” wurde gemeinsam mit Gianluca Mancini im MaiTai Studio in Mailand aufgenommen, von Gitarrist Paolo Bramino gemixt und von Daniel Grego gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Paolo Proserpio.

GHOSTWOUND Line-Up:
Paolo Bramino guitars
Michele Ricciardi synth, vocals
Petrolio bass, backing vocals
Virgil Mermoud drums

GHOSTWOUND “Ghostwound” Tracklist
SIDE A
1. Funky Robot (Video bei YouTube)
2. Ghostwound
3. Smoke
4. Gimcana Spiralis
5. Dive Into The Mirror
SIDE B
1. Five Ave Marias
2. Lycantropus
3. Rojava
4. Azimuth
5. Coffee Grounds Revelations

Source: Vampster

Mit “Burn At The Stake” wird am 29. November 2024 die neue EP der Power / Thrash Metal-Band VALLEY OF DESPAIR erscheinen. Es ist der erste Release der Kanadier aus Edmonton. Vorab gibt es zum Titeltrack ein Lyric-Video. Der Song setzt sich mit den Hexenprozessen von Salem auseinander.

VALLEY OF DESPAIR Line-Up:
Vocals & Rhythm Guitar – Cheryl Leia
Lead Guitar – TJ Buggins
Bass – Joel Croft
Drums – Preston Lehoux

VALLEY OF DESPAIR “Burn At The Stake” Tracklist
01. Deathgrip On My Heart
02. Burn At The Stake (Lyric-Video bei YouTube)
03. Rise From The Ash
04. Edge Of Time
05. American Dream

Source: Vampster

Die Melodic / Metallic Hardcore-Band STINKY stellt ihre neue Single “Under Care” in Bild und Ton bei YouTube vor. Der Track ist nach “Down In The Dumps” ein weiterer Vorbote des kommenden Studioalbums “Solace”, das am 21. Februar 2025 erscheinen wird. Drummer Paul stellt ein abwechslungsreiches und melodisches Album in Aussicht:

“‘Down in the Dumps’ handelt von den Qualen des Burnouts und dem langen Kampf, sich davon zu erholen. Mit diesem neuen, mehr von Metal/Modern Hardcore geprägten Stück zeigen die Mitglieder von STINKY ihren Willen, neue Horizonte zu erkunden, und versprechen ein abwechslungsreiches und immer melodischeres Album.”

“Solace” ist die erste Platte mit runderneuertem Line-up: Zu Clair (Vocals) und Paul (Drums) stießen mit Max (Bass), Enzo (Gitarre) und Clément (Gitarre) gleich drei neue Mitglieder hinzu.

Einen weiteren Höreindruck der vierten Platte bietet zudem das Video “Moonbow” und das Video zu “Alignment”.

STINKY “Solace” Tracklist

Down in the Dumps (Video bei YouTube)
Grass Snakes
Mourning Flowers
Alignment (Video bei YouTube)
Under Care (Video bei YouTube)
Silent Birds
Moonbow (Video bei YouTube)
Natural Savior
Nothing Can Fix It
Soft Sand

Source: Vampster

Die Metalcore-Band SPACE OF VARIATIONS hat nach “Tribe” mit “Lies” eine weitere neue Single mitsamt Video-Clip veröffentlicht.

“Normalerweise tauchen wir in unserer Band nicht in Liebeslieder ein, aber dieses hier ist anders. Wir haben beschlossen, diese Gefühle laut auszusprechen. Es geht um intensive Gefühle am Rande der Sucht. Wir alle kennen dieses Gefühl, auf die eine oder andere Weise. Unsere Herzen sind unzählige Male gebrochen worden, aber es ist immer noch besser, als gar nichts zu fühlen und im Grab zu liegen”, sagt die Band.

Die Ukrainer haben zudem gerade ihre Europa-Tournee gestartet.

SPACE OF VARIATIONS Line-Up:
Dmytro Kozhukhar – vocals
Olexii Zatserkovnyi – guitar, vocals
Anton Kasatkin – bass
Tymofii Kasatkin – drums

SPACE OF VARIATIONS “Tribe” (Video bei YouTube)

SPACE OF VARIATIONS “Lies” (Video bei YouTube)

SPACE OF VARIATIONS Tourdaten 2024
21.11.24 BE – Ittre-Virginal / Zik Zak
23.11.24 FR – Amiens / La Lune des Pirates
24.11.24 CH – Lyss / Kufa
26.11.24 DE – Hamburg / Monkeys Music Club
27.11.24 DE – Karlsruhe / P8
28.11.24 DE – Lindau / Club Vaudeville e.V.
29.11.24 AT – Salzburg / Dome of Rock Festival, Rockhouse
30.11.24 CZ – Prague / Bike Jesus
02.23.24 CZ – Ostrava / Barrak Music Club
03.12.24 AT – Graz / Explosiv
04.12.24 AT – Vienna / Viper Room
07.12.24 ES – Badalona / Estraperlo Club
08.12.24 ES – Portugalete / Groove Estudios Y Ensayos
10.12.24 FR – Barberaz / Le Brin de Zinc
11.12.24 FR – Lyon / Rock’n Eat
12.12.24 FR – Carquefou / Black Shelter
13.12.24 FR – Angoulins Sur Mer / Crossroad
14.12.24 FR – Saint-Jean-de-Védas / Secret Place
25.12.24 CZ – Rymarov / Bigbeatove Vanoce
27.12.24 SK – Topcolcany / Tohc Fest

Source: Vampster

Mit einem neuen Studioalbum meldet sich die Progressive Metal-Band THE HYPOTHESIS zurück: “Evolve” erschien am 18. Oktober 2024 via Noble Demon. Nach dem Video zu “Watch The World Burn With Me” gibt es zu “Where The Dreams Come To Die” nun einen weiteren Video-Clip.

Im September teile die Band zu “Here I Stand” ein Lyric-Video.  Auch den ersten Preview-Track “Stray” kann man als Clip bei YouTube ansehen. Worum es in dem Stück geht, erklären die Finnen:

“Ein ängstlicher Reisender kämpft sich durch Schwierigkeiten. Geister aus der Vergangenheit halten ihn fest und schwere Worte aus seiner Vergangenheit hallen in seinem Kopf wider. Schließlich befreit er sich von den Lasten der Vergangenheit und findet seinen Weg nach Hause.”

THE HYPOTHESIS “Evolve” Tracklist
1. Wanderer
2. Here I Stand (Lyric-Video bei YouTube)
3. Watch the World Burn with Me (Video bei YouTube)
4. Evolve
5. Where the Dreams Come to Die (Video bei YouTube)
6. From the Ashes
7. Dead Cold Silence
8. Thousand Skies
9. Stray (Video bei YouTube)

THE HYPOTHESIS Line-up 2024
Juuso Turkki – Vocals, Guitar
Asko Sartanen – Guitar, Backing Vocals
Markku Ruuskanen – Bass, Backing vocals
Otso Tiilama – Drums

Source: Vampster

Die Gothic / EBM-Band BLUTENGEL hat mit “Dämonen:Sturm” ein neues Album angekündigt. Das neue Album von Chris Pohl wird am 28. Februar 2025 via Out Of Line Music erscheinen. Vorab gibt es mit “She Wears Black” einen Video-Clip.

“”She Wears Black” ist ein sehr 80er inspirierter Track, der für BLUTENGEL recht ungewöhnlich ist und uns an lange Nächte im Club erinnert. Es geht um eine Frau, die sich immer wieder in die falschen Männer verliebt, am Ende alleine ist und Trost in trauriger Gothic-Musik findet. Der Song thematisiert den Moment, in dem sie sich sicher und wohl fühlt, aber dennoch eine Dunkelheit in sich trägt und mit ihrem traurigen Leben zurechtkommt”, sagt Chris Pohl.

BLUTENGEL “Dämonen:Sturm” Tracklist
CD1
Dämonen (Prologue)
Der Sturm
My creation
When darkness falls
Ivory tower
She Wears Black (Video bei YouTube)
Angst
Reunited
Weitergehen
The right path
Tausend Leben
False gods
I will surrender
After the storm (Epilog)

CD2
Empire of blood (Instrumental)
Freedom awaits you
Nothing left (feat. Solar Fake)
Remembrance
Follow me
I am the one
Guide me (through the night)
Bleeding out
Fight the demons
Wir
The dark veil (instrumental)

CD3 (Akustik / Orchester Versionen, nur im limitierten Digibook enthalten)
Weitergehen
Reunited
Ivory tower
I will surrender
Wir

BLUTENGEL Tourdaten 2025
03.04.2025 Frankfurt (Main)
04.04.2025 Oberhausen
05.04.2025 Hamburg
11.04.2025 Jena
12.04.2025 Dresden
25.04.2025 Stuttgart
26.04.2025 Aarburg (CH)
27.04.2025 Nürnberg
30.04.2025 Magdeburg
16.05.2025 Berlin

Source: Vampster

Die Heavy Stoner Rock-Band GODZILLIONAIRE hat einen Labeldeal bei Ripple Music unterschrieben. Im Zuge dessen werden die US-Amerikaner aus Kansas ihr neues Album “Diminishing Returns” veröffentlichen. Es ist nach “Negative Balance” (2020) das zweite Album der Band und wird am 17. Januar 2025 erscheinen. Vorab gibt es den Track “3rd Street Shuffle” zu hören.

“Diminishing Returns” wurde gemeinsam mit Paul Malinowski bei Massive Sound aufgenommen und gemixt und von Slade Templeton gemastert. Das Cover-Foto stammt von Katie Hennessy.

GODZILLIONAIRE Line-Up:
Michael Dye – Bass, Synth, Vocals
Mark Hennessy – Vocals
Cody Romaine – Drums
Ben White – Guitar, Synth, Vocals

GODZILLIONAIRE “Diminishing Returns” Tracklist
1. Drowning All Night
2. Boogie Johnson
3. Spin Up Spin Down
4. Astrogarden
5. 3rd Street Shuffle (Audio bei Bandcamp)
6. Unsustainable
7. Common Board, Magic Nail
8. Shadow Of A Mountain

Source: Vampster

Tja, wieder mal Samstag! Heute lust auf ein bisschen Retro-Vibes mit einer Prise Überraschung? Dann spitz die Ohren, denn der dänische Sound-Chamäleon '(((S)))' hat mal wieder zugeschlagen!...

Source: MedienKonverter

Dictius Te Necare ist Bethlehems zweites Langspielalbum und ein unbestrittener Grundstein des gesamten Suicidal/Depressive Black Metal Genres. Die Prophecy-Wiederveröffentlichung dieses Klassikers erscheint als Digipak-CD mit 12-seitigem Booklet und bleibt dabei dem ursprünglichen Geist des Albums treu.

Titelliste:
1. Schatten aus der Alexander Welt
2. Die anarchische Befreiung der Augenzeugenreligion
3. Aphel - Die schwarze Schlange
4. Verheißung - Du Krone des Todeskultes
5. Verschleierte Irreligiosität
6. Tagebuch einer Totgeburt
7. Dorn meiner Allmacht

Gatefold-LP (dunkelrotes Vinyl) inkl. gefütterter Innenhülle und Schutzhülle (500 Stück erhältlich)

Source: Prophecy

Die Quintessenz Alcests

"Les Voyages De L'Âme" (dt. "Die Reisen der Seele") ist das dritte Album von Alcest und stellt die Quintessenz des bisherigen Schaffens der Gruppe dar. Während "Le Secret", die Debüt-EP von 2005, einst der Schlüssel zur Welt von Alcest war, so vereint "Les Voyages..." konzeptionell und musikalisch alles, was Alcest bislang ausmachte. Während eine epische Komposition wie "Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles" auch auf "Écailles De Lune" hätte stehen können, erinnert "Beings Of Light" mit seinem gleißenden Wesen unwillkürlich an das bahnbrechende "Le Secret". "Autre Temps" hingegen, die erste Single des Albums, zu der auch ein beeindruckendes und bildgewaltiges Video gedreht wurde, ist ein Musterbeispiel für die melodisch-eingängige Seite Alcests, die erstmals auf dem Debütalbum "Souvenirs D'Un Autre Monde" in ihrer ganzen Pracht erstrahlte.
Allen Liedern gemein ist jedoch das vorherrschende Gefühl von Euphorie und Glückseligkeit, über dem stets ein subtiler Schatten von Melancholie und Sehnsucht liegt.

Tracklist:
01. Autre Temps
02. Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles
03. Les Voyages De L' me
04. Nous Sommes L'Emeraude
05. Beings Of Light
06. Faiseurs De Mondes
07. Havens
08. Summer's Glory

Bonustracks (nur Artbook):
09. Autre Temps (live at Hellfest 2022)
10. Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles (live in Lyon 2018)

LP (kristallklares Vinyl) inkl. bedruckter Innenhülle, Schutzhülle und Poster (500 Stück erhältlich)

Source: Prophecy

Kreaturen der Nacht sehnen sich in die 80er Jahre des letzten Jahrhunderts zurück. Post-Punk und New Wave stiegen zu glorreichen Höhen auf und diese epische Erforschung dunkler Klangwelten auf der Basis von harten Gitarren und treibender Elektronik fand auf allen alternativen Tanzflächen statt. Klangvolle Namen wie SISTERS OF MERCY, FIELDS OF THE NEPHILIM, DEPECHE MODE, JOY DIVISION, THE HUMAN LEAGUE, ULTRAVOX und viele andere funkeln noch immer in einem magischen Glanz. Zum Glück sind all die subtile Erotik, elektrisierende Spannung und die düstere musikalische Leidenschaft nicht für alle Zeiten verloren gegangen: Die Rettung naht mit SOROR DOLOROSA auf schwarzen Schwingen. Das vierte Album der Franzosen mit dem vielsagenden Titel "Mond" hat musikalische Reißzähne, die schon beim ersten Durchgang köstliches Klangblut sprudeln lassen. Der klassisch-dunkle Post-Punk findet sich ebenso wieder wie Wave-Elemente und ein überwältigender Drang, die Füße in ekstatischen Tänzen unter dem namensgebenden Mond bewegen zu müssen. Doch SOROR DOLOROSA gehen dabei keineswegs mit abgestandenem Nostalgie-Schlangenöl hausieren. Die nach Paris umgezogenen Veteranen haben das klassische Feeling mit dem massiven Sound des neuen Jahrtausends für einen neuen Höhenflug aufgerüstet. Die Idee, den Mix und das Mastering von "Mond" James Kent anzuvertrauen, erweist sich als hervorragender Schachzug. Der PERTURBATOR-Vordenker hat die üppige Produktion dieses epischen Albums mit einer vibrierenden Power und wohltuenden ätherischen Kühle aufpoliert. Textlich bleiben SOROR DOLOROSA dem seit ihrer Gründung im Jahr 2001 in der südfranzösischen Stadt Toulouse eingeschlagenen Weg treu. Die erstmals mit der "Severance" (2009) Debüt-EP manifestierten dunkel-romantischen und kathartischen Gefühlslandschaften lassen noch immer das Herz der Band schlagen. Die Inspiration für "Mond" stammt unter anderen aus den Federn von Dichtern und Schriftstellern wie William Blake und Edgar Alan Poe. Mit "Mond" wagen sich SOROR DOLOROSA weit aus dem bekannten Sonnensystem in die Tiefen des musikalischen Weltraums vor, wo sich ihre tonale Vergangenheit und Zukunft zu einem aufregenden neuen Kapitel in der Evolution ihres Sounds verbinden.

Tracklist:
1. Tear It Up
2. You're Giving Me
3. Red Love
4. Souls Collide
5. Sugar Moon
6. Broken Love
7. Obsidian Museum
8. Hurlevent
9. But Today

Bonus-CD (nur Artbook):
1. A Dead Yesterday (re-recorded)
2. Autumn Wounds (re-recorded)
3. Silver Square (re-recorded)
4. Beau Suicide (re-recorded)
5. Trembling Androgyneous (re-recorded)
6. Everyway (re-recorded)

Source: Prophecy

NACHTMYSTIUM sind zurück! Nach allem, was gesagt wurde und geschehen ist, steht Mastermind Blake Judd wieder mit beiden Beinen fest auf dem Boden. Und nicht nur das: Judd hat sich aus den tiefsten Abgründen seines Lebens herausgekämpft, um als ein an dieser extremen Erfahrung gereifter Künstler und Mensch zur Musik zurückzukehren. Sein Erscheinen wird nicht überall auf Beifall stoßen – auch nicht in der Black Metal Szene, die ihm herausragende Alben verdankt. Wer die turbulente Karriere von Blake Judd und seiner bahnbrechenden Band verfolgt hat, dürfte von harschem Gegenwind kaum überrascht sein. Davon unbeirrt legen NACHTMYSTIUM mit ihrem neunten Studioalbum "Blight Privilege" erneut ein Meisterwerk vor. "Blight Privilege" kann es sogar mit der großen Trilogie von Alben aufnehmen, die Kritiker und Anhänger der amerikanischen Black Metal (USBM) Vorreiter nach wie vor als den Höhepunkt der frühen Karriere betrachten: "Instinct: Decay" (2006), "Assassins: Black Meddle Pt. I" (2008), und "Addicts: Black Meddle Pt. II" (2010). Wie ein infernalischer Scharfschütze trifft jeder Song auf "Blight Privilege" voll ins Schwarze. Die ersehnten und unentbehrlichen finsteren Elemente sind vollzählig vorhanden: Kehlig-raue Gesänge, das aggressive Surren der Gitarren, die in einem eiskalten Feuer brennen, und jene Momente ebenso ekstatischer wie erhabener Schönheit in den ansonsten höllischen Klangwelten. Doch auch jene feinen, aber großartigen Details, die der musikalisch äußerst versierte Judd stets geschickt in seinen schwarzen Klanggewittern versteckt hat, wie etwa Elemente aus Post-Punk und Wave finden sich auf "Blight Privilege". Sogar eine Messerspitze Outlaw Country ist neu hinzugekommen. Auch wenn "Blight Privilege" an die glorreichen Zeiten von NACHTMYSTIUM anknüpft – ist es dennoch kein Schwelgen in Nostalgie, sondern eine zukunftsweisende Fortsetzung und die nächste musikalische Evolutionsstufe der Band. Dieses neunte Album des Amerikaners ist von einer Reife geprägt, die aus harten Erfahrungen und einem brutalen Lernprozess resultiert. Judds ebenso charakteristische wie diabolisch eingängige Melodien sind scharfkantiger als je zuvor und haben nichts von ihrem Biss verloren. Das mag auch damit zu tun haben, dass es das erste Album der USBM-Speerspitze ist, das von Judd in einem rauschfreien Zustand komponiert wurde. "Blight Privilege" ist eine Kampfansage, mit der NACHTMYSTIUM den USBM-Thron vehement einfordern. Dieses Album hat wieder die musikalische Kraft und lyrische Kühnheit, um diesem Anspruch gerecht zu werden. Liebt oder hasst das Album, aber NACHTMYSTIUM errichten mit "Blight Privilege" zweifellos einen massiven Meilenstein!

Tracklist:
1. Survivors Remorse
2. Predator Phoenix
3. A Slow Decay
4. Conquistador
5. Blind Spot
6. The Arduous March
7. Blight Privilege
Bonus track (nur Buch-CD):
8. Banished

Source: Prophecy

Die Quintessenz Alcests

"Les Voyages De L'Âme" (dt. "Die Reisen der Seele") ist das dritte Album von Alcest und stellt die Quintessenz des bisherigen Schaffens der Gruppe dar. Während "Le Secret", die Debüt-EP von 2005, einst der Schlüssel zur Welt von Alcest war, so vereint "Les Voyages..." konzeptionell und musikalisch alles, was Alcest bislang ausmachte. Während eine epische Komposition wie "Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles" auch auf "Écailles De Lune" hätte stehen können, erinnert "Beings Of Light" mit seinem gleißenden Wesen unwillkürlich an das bahnbrechende "Le Secret". "Autre Temps" hingegen, die erste Single des Albums, zu der auch ein beeindruckendes und bildgewaltiges Video gedreht wurde, ist ein Musterbeispiel für die melodisch-eingängige Seite Alcests, die erstmals auf dem Debütalbum "Souvenirs D'Un Autre Monde" in ihrer ganzen Pracht erstrahlte.
Allen Liedern gemein ist jedoch das vorherrschende Gefühl von Euphorie und Glückseligkeit, über dem stets ein subtiler Schatten von Melancholie und Sehnsucht liegt.

Tracklist:
01. Autre Temps
02. Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles
03. Les Voyages De L' me
04. Nous Sommes L'Emeraude
05. Beings Of Light
06. Faiseurs De Mondes
07. Havens
08. Summer's Glory

Bonustracks (nur Artbook):
09. Autre Temps (live at Hellfest 2022)
10. Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles (live in Lyon 2018)

Edition:
- LP (lim. Sunrise Pearl Vinyl) inkl. bedruckter Innenhülle, Schutzhülle und Poster

Titelliste:
1. Autre Temps
2. Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles
3. Les Voyages De L'Âme
4. Nous Sommes L'Emeraude
5. Beings Of Light
6. Faiseurs De Mondes
7. Havens
8. Summer's Glory

Source: Prophecy

Auf ihrem Zweitwerk "Écailles de Lune" ("Moon Scales") besannen sich ALCEST wieder stärker auf ihre Herkunft aus dem Black Metal, wobei sie ihre auf dem Debütalbum "Souvenirs d’un Autre Monde" entwickelten Markenzeichen jedoch keineswegs vernachlässigten. Die französischen Post-Black Metal Pioniere schufen auf ihrem Erstling einen schimmernd, träumerischen Sound, dessen andersweltliche Schönheit sie gleichzeitig definierte – und den sie seither stetig verfeinert haben.

Auf der musikalischen Ebene, verschmelzen ALCEST in sich ruhende, halbakustische Passagen, sich wiederholende hypnotische Muster und eingängige Melodien mit Ausbrüchen von schroffen Gitarrenriffs und heftigen Schlagzeugattacken. Einen ähnlichen Kontrast und komplementären Effekt wendet Bandkopf und Gitarrist Neige bei seinen Stimmeinsätzen an. Während sein Klargesang zwischen einem warmen, dunklen Tonfall und einer sanften höheren Stimmlage pendelt, brechen immer wieder unvermittelt verzweifelte Schreie und wütende, geschwärzte Kehllaute durch – bis sich die weicheren Gesänge wie eine unaufhaltsame Welle wieder durchsetzen.

"Meine Inspiration für dieses Album floss besonders aus dem Meer sowie der Energie und dem Hochgefühl, welche sich einstellten, als ich in den Nächten vor dem Ozean saß", offenbarte Neige zum Schaffensprozess von “Écailles de Lune”. "Die See erscheint dann schrecklich faszinierend, geheimnisvoll und ebenso schön wie furchteinflößend."

Über die Jahre wurde die Musik von ALCEST mit diversen Etiketten versehen, von denen Post-Black Metal, Post-Rock, Shoegaze und Blackgaze die gängigsten sind. Doch wie immer man die ursprünglich in Avignon beheimatete und nun in Paris ansässige Band kategorisieren möchte, ihr Sound ist bis heute einzigartig geblieben. Ein weiteres typische Element ihrer Alben besteht in Konzepten oder thematischen Motiven, die sich durch die jeweiligen Songs ziehen. Auf "Écailles de Lune" handelt es sich um eine Geschichte der Wandlung. "Die Geschichte dieses Albums stellt keine Metapher für den Tod dar", schrieb Neige. "Für mich dreht sie sich im einen Mann, der sich wortwörtlich dafür entscheidet, seine Welt für eine andere zu verlassen. Es geht mehr um einen Übergang in einer andere Realität oder Existenzebene."

Für all jene, die den Fußspuren diesen Mannes auf der Reise zu einem anderen Ort folgen wollen, bieten ALCEST den Schlüssel an. Wer seine Augen schließt, um "Écailles de Lune" zu lauschen, reist in eine Welt voller musikalischer Wunder und atemberaubender Schönheit – aber Vorsicht: Auch die Rosen der Anderswelt tragen Dornen.

Edition:
- LP (lim. Arctic Pearl Vinyl) inkl. bedruckter Innenhülle, Schutzhülle und Poster

Titelliste:
1. Écailles De Lune - Part 1
2. Écailles De Lune - Part 2
3. Percées De Lumière
4. Abysses
5. Solar Song
6. Sur L'Océan Couleur De Fer

Source: Prophecy

  An InterView with Finnegan Bell of Love Ghost   By Ilker Yücel (Ilker81x)

Over the past decade, Finnegan Bell and his cohorts have been steadily developing a fusion of various alternative styles to bring Love Ghost to life. [..]

Source: RE:GEN Mag

Die deutsche Black-Metal-Institution 'Krater' hat ein neues Video zu ihrem Song 'Once: Into The Endless Void' veröffentlicht, das Fans des Genres sowohl musikalisch als auch visuell fordern...

Source: MedienKonverter

Lines on my face tell stories of the years
Each wrinkle a reminder of joys and tears
I try to escape there is no way to go
But I’ll keep dancing until Time fades my soul
Time, that relentless tide, sweeps all in its path—dimming brilliance, eroding grandeur, leaving behind whispers where once there were symphonies. Its ceaseless march strips us bare, peeling away layers of our certainty until we stand face to face with our own fleeting nature. We grasp at moments, futile as clutching smoke, hoping to halt the decay that turns all to echoes. Each tick is a thief, each second a reminder that permanence is but an illusion. In the face of time’s erosion, we struggle not to despair but to glean meaning, to create, to live vividly before the sands slip away.

Berlin artist Daniel Knutz’s latest offering, Victim of Time, strikes like a clock’s cold chime, its relentless rhythm echoing life’s battle against the unyielding march of moments. The lyrics speak to the slow erosion of all things, the steady fade of what once shone bright, leaving us to wrestle with the fleeting nature of existence. Yet, amidst the fading light, Knutz offers defiance—a rallying cry to rise, to waltz boldly through the fleeting hours, to hold fast to the fire of each moment. The track throbs with life’s urgency, its imagery rich with the paradox of beauty and impermanence. Victim of Time urges its listeners not to cower beneath the weight of inevitability but to carve meaning into the passing seconds, to embrace the fleeting with a fierce joy, and to celebrate the fragile dance that defines us all.

Knutz’s baritone voice crashes in like thunder, deep and resonant, filling every corner with an overwhelming gravity. His voice doesn’t merely accompany the music—it dominates, rolling and reverberating through the track like an unshakable force. The entire piece vibrates with a tension that tightens with every beat, pulling you further into its gravitational pull.  Victim of Time surges with the kind of dark ferocity that recalls Sisters of Mercy, Peter Murphy, Depeche Mode, and Clan of Xymox. Through this dense storm cuts a sharp, melodic synth, crackling dry and electric, flickering like lightning across the sky.

The video, directed by Knutz and captured through the lens of Apostolos Tsakiris, draws deeply from the angular allure of German expressionism. Knutz’s stark presence, both haunting and defiant, is interspersed with the relentless ticking of a clock, a grim reminder of time’s impartial march. Slow-motion sequences stretch moments into eternity, while overlays and fractured light evoke a sense of reality bending under the weight of passing seconds. It’s a bold visual meditation on time’s inescapable grip, the impartial force that unites us all in its steady erosion. In its stark contrasts and cinematic flourishes, it distills the paradox of existence: the beauty in our frailty and the strength in facing the universal passage of time with open eyes and steady resolve.

Watch the video for “Victim of Time” below:



Before stepping into the solo spotlight, Daniel Knutz was the relentless force behind Brazil’s The Knutz, the post-punk deathrock band he formed with his brother Tiago Abud. With three albums and two live records, The Knutz carved their place in the scene, culminating in a 2017 Latin American tour and the critically lauded 2018 release The Tower. Seeking new horizons, Knutz left Brazil for Berlin, where he co-founded the flamboyant and theatrical Discodrama with Ludmila Houben. Eventually, Knutz struck out alone, fully embracing his artistic independence. From recording and directing to releasing his work, he charts a fiercely personal path.

Listen to Victim of Time at the link below, and order the track here.

Victim of Time by Daniel Knutz

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The post The Relentless Ticking of the Clock — Deathrock Crooner Daniel Knutz Debuts his Video for “Victim of Time” appeared first on Post-Punk.com.

Source: Post-Punk.com

Die schöne Chrysantheme in ihrer Form mit schlichter, weißer Blütenfarbe wird auch Friedhofsblume genannt. Aufgrund ihrer Langlebigkeit wird sie gerne zur Dekoration von Gräbern verwendet. Für BLACK NAIL CABARET ebnet die Blüte der Chrysantheme den Weg für unser eigenes Porträt am Sterbebett. Der Sensenmann kommt zu uns allen. Die Aussicht auf das Ende verwandelt uns in angsterfüllte Gefäße. Wir könnten diese besser mit so vielen anderen Dingen füllen, aber die Furcht vor dem Tod durchdringt alles. Der Titel des sechsten Albums des ungarischen Pop Noire Duos, "Chrysanthemum", symbolisiert ein Aufbegehren gegen die Angst, aber auch Akzeptanz. BLACK NAIL CABARET bleiben durchaus auch ihrem Hang zur sexuell expliziten Provokation treu, doch die unterbewusste Angst vor dem Tod mit ihrer großen emotionalen Kraft, zieht sich metaphorisch als roter Faden durch "Chrysanthemum". Die Erotik der Ungarn bildet statt billiger Klischees ihre gelebte BDSM-Realität künstlerisch ab, die von hohen ästhetischen Ansprüchen geleitet wird. Musikalisch haben BLACK NAIL CABARET ihr herausragendes Songwriting auf "Chrysanthemum" weiter perfektioniert. Es gelingt dem Duo scheinbar mühelos, dunkle elektronische Klänge mit Elementen des Pop Noire zu vereinigen. Ihre Kompositionen stehen auf eigenen Beinen und benötigen keine elektronischen Spielereien, wodurch sich BLACK NAIL CABARET wohltuend abheben. Spätestens mit ihrem selbst veröffentlichten vierten Langspieler "Pseudopop" (2018) verschmolzen die Ungarn erfolgreich Kunst, Pop, dunkle Harmonien und kraftvolle Elektronik miteinander. Mit dem folgenden fünften Album "Gods Verging on Sanity" (2020) setzten BLACK NAIL CABARET ihren Siegeszug auch international fort. Der exzellente Ruf des Duos verbreitete sich rasch auch durch Mundpropaganda, und das trotz aller Einschränkungen durch die globale Pandemie. Endlich stehen die Sterne günstig, dass BLACK NAIL CABARET die Welt mit diesem dunklen Soundtrack über die Schönheit des Lebens erobern, was diese strahlend weiße Blume von scheinbarer Unschuld letztlich auch symbolisiert, deren Duft aber auch die ewige Macht des Todes verbreitet: "Chrysanthemum".

Tracklist:
01. My Home Is Empty
02. Autogenic
03. Totem and Taboo
04. Never Enough
05. Neurons
06. 1mg
07. Darkness Is A Friend
08. Godspeed
09. Roadtrip
10. Teach Me How To Techno
11. The Faceless Boy

Bonustracks (nur Artbook):
01.Remains of A StarGone Supernova
02.The Killing
03.Weeding
04.Autogenic (Die Arkitekt Remix)

Source: Prophecy

Du liebst es, die Nacht zum Tag zu machen und denkst, Sonnenlicht ist nur was für Solarzellen? Perfekt! Seit über 26 Jahren rocken wir als unabhängige, unkommerzielle...

Source: MedienKonverter

Mitsubishi-Electric-Halle, Düsseldorf, Germany 21st November 2024Faithless - “Champion Sound” Tour 2024 - Support: Tinlicker Following rave reviews for their recent headline performance at Glastonbury, Wilderness, and Bestival, as well as a jaw-dropping new live setup debuted on a limited run UK/EU tour earlier this year, dance pioneers FAITHLESS announced a 21-date live UK/EU tour. This November, the Dance collective hits the road for 21 dates across the UK and Europe, including a homecoming show at London’s O2 Academy Brixton, and further shows in Edinburgh, Belfast, Manchester, Antwerp, Zurich, Milan, Vienna, Amsterdam, and Copenhagen, among others - and today in Düsseldorf.

Source: Reflections of Darkness

  As the Ukrainian quartet is currently in the midst of a European tour, Space of Variations has released a new digital single and music video for “Lies.” The song highlights the more emotional aspects of the band’s songwriting, touching on the addictive nature of intense feeling [..]

Source: RE:GEN Mag

Mit ihrer EP "To the Stars" knüpfen BEBORN BETON direkt an ihr neuntes Album "Darkness Falls Again" an. Das deutsche Synthie Pop Trio erweitert mit den drei neuen Tracks und vier Remixen der EP die musikalische Bandbreite des Albums und bleibt dessem Geist dabei sowohl lyrisch als auch musikalisch treu. Es gibt mehr als eine Art, BEBORN BETONs neuntes Album "Darkness Falls Again" zu hören: Es lässt sich einfach nur tanzen und als zeitgenössische Synthie-Pop-Hymnen genießen, die musikalisch fest in den goldenen 80ern verankert sind – und mit einer Prise leckerer 90er-Einflüsse serviert werden. Eingängige Melodien und ausgereiftes Songwriting verbinden sich zu einer klanglichen Spritztour. Doch BEBORN BETON legen ihren Finger auch auf den Puls unserer Zeit. Das Trio spricht sich lyrisch klar gegen Frauenfeindlichkeit, sexuelle Diskriminierung und Umweltzerstörung aus. BEBORN BETON wurden 1989 von Sänger Stefan Netschio, Keyboarder und Schlagzeuger Stefan Tillmann sowie Keyboarder Michael Wagner gegründet. Die drei Deutschen setzten sich erfolgreich zum Ziel, den Synth-Pop relevant zu halten und ihn um wichtige Inhalte zu bereichern. Nach den ersten beiden regulären Alben "Tybalt" (1993) und "Concrete Ground" (1994) trafen BEBORN BETON in ihrer neuen Label-Heimat auf namhafte Acts wie WOLFSHEIM und DE/VISION. Nachdem sich die Elektro-Musiker in Deutschland fest etabliert hatten, expandierten die Drei mit dem 1996 erschienenen Album "Nightfall" ins Ausland, wo sie ebenso wie mit den folgenden Scheiben "Truth" (1997) und "Fake" (1999) bei Kritikern und Fans auf große Gegenliebe stießen. Spätestens mit dem im Jahr 2000 erschienenen Werk "Rückkehr zum Eisplaneten" hatten sich BEBORN BETON in ihrer Szene fest als Headliner positioniert und in allen Hochburgen der elektronischen Musik rund um den Globus gespielt. Doch die anstrengenden Touren und die kreativ äußerst anspruchsvolle Veröffentlichung so vieler exzellenter Alben in kurzer Folge forderten ihren Tribut. Nachdem die Band "Tales from Another World" (2002) vorgelegt hatte, worauf sie unter anderem eine ausgedehnte Konzertreise quer durch die USA absolvierte, legten BEBORN BETON eine längere Pause ein. Erst 13 Jahre später kehrten BEBORN BETON zur großen Freude und Überraschung ihrer immer noch zahlreichen Anhängerschaft mit einem neuen Album auf Dependent Records zurück. "A Worthy Compensation" (2015) wurde von allen einschlägigen Magazinen wie Sonic Seducer und Orkus mit Lob überschüttet. Da BEBORN BETON nicht in einen unerbittlichen Produktionszyklus zurückfallen wollten, nahm sich das Trio genügend Zeit, um ein weiteres Meisterwerk zu komponieren. "Darkness Falls Again" hat all die köstlichen Zutaten, die Synth-Pop so großartig machen: Eingängige Songs, die die Beine zucken lassen. Eine Prise Melancholie. Eine Dosis Ironie. Aber auch eine Messerspitze Wut. BEBORN BETON haben mit ihrem letzten Album wieder Musik mit Aussagen und Verstand abgeliefert, was sich auf der EP "To the Stars" nahtlos fortsetzt. Nochmals willkommen zurück, BEBORN BETON!

Tracklist:
1. Ticket To The Moon
2. American Girls
3. Progeny
4. I Watch My Life On TV (Club Mix by Olaf Wollschläger)
5. My Monstrosity (EMMON Remix)
6. I Watch My Life On TV (Black Light Odyssey Remix)
7. My Monstrosity (Control Mix by Blac Kolor)

Source: Prophecy

Der Titel von PERCHTAs zweitem Album "D'Muata" heißt aus dem österreichischen Dialekt von Frontfrau Frau Percht ins Deutsche übertragen "Die Mutter". Der Name ist Programm, denn die Sängerin und ihre Band haben im Kontext ihres folkloristisch geprägten Black Metal ein feministisches Manifest geschaffen. Das Feminine in all seinen Facetten fristet in diesem Genre meist ein Nischendasein – und das, obwohl es ein untrennbarer Bestandteil sowohl des Menschen als auch der natürlichen Welt auf diesem Planeten ist. PERCHTA haben sich 2017 im Jahr ihrer Gründung in Tirol, Österreich nach einer von der älteren Forschung rekonstruierten heidnischen Göttin benannt. Von Anfang an beabsichtigte Frau Percht mit ihrer Musik regionale Traditionen zu bewahren und zu verjüngen. Drei Jahre später erschien das Debütalbum "Ufång" (2020), mit dem sich PERCHTA schnell einen Ruf als höchst individualistische und einzigartige Band erwarben. Dazu gehört, dass die Texte von "Ufång" in der Tiroler Mundart intoniert werden. Dies geschieht mit einem extremen, durch Mark und Bein gehenden Gesang, der in einen Sturm aus Gitarren-Tremolos und ritualistisch interpretierter Folklore eingebettet ist. Nach der globalen Zwangspause machten PERCHTA auch durch ihre faszinierenden Live-Auftritte auf sich aufmerksam. Durch die Konzerte trat der Charakter als Band stärker hervor. Jetzt kehren die schwarze Hexe der Tiroler Berge und ihre Gesellen mit einem magischen neuen Album zurück, das PERCHTA auch zurück auf die Bühne bringen wird!

Tracklist:
1. Vom Verlånga
2. Ois wås ma san
3. Heiliges Bluat
4. Hebamm
5. D'Muata
6. Wehenkanon
7. Ausbruch
8. Långtuttin & Stampa
9. Mei Dianä Mei Bua

Source: Prophecy

TRELLDOM sind das geistige Kind von Kristian Eivind Espedal – besser bekannt unter seinem Künstlernamen Gaahl. Der Norweger wurde zu einem der führenden Köpfe der nordischen Black Metal Szene, nachdem er sich im Jahr 1998 der berüchtigten Bergener Band GORGOROTH angeschlossen hatte. Sowohl aufgrund seines extremen Gesangs als auch zahlreicher finsterer Gerüchte über seine Person wurde der Frontmann oft in eine besonders schmale Schublade gesteckt. Doch wenn eine Aussage über Espedal wahr ist, dann ist es die gegenteilige, nämlich dass von ihm meist das Unerwartete kommt. Auch mit TRELLDOM hat er bereits Black Metal Geschichte geschrieben. Die im Jahr 1992 von Gaahl in Sunnfjord im Distrikt Vestland, gegründete Band veröffentlichte drei Jahre später ihr Debütalbum "Til evighet..." (1995), das in Underground Black Metal Kreisen großen Anklang fand. Das Nachfolgeralbum "Til et annet..." (1999) präsentierte den Gitarristen Valgard sowie Stian "Sir" Kårstad am Bass als Neuzugänge bei TRELLDOM und erreichte auch die "Mainstream-Medien" im Metal. Als Produzent zeichnete der legendäre Toningenieur Pytten in den Grieghallen Studios in Bergen verantwortlich. Pytten nahm ebenfalls den dritten Meilenstein "Til minne..." (2007) auf, der sowohl von Kritikern als auch von Fans hoch gelobt wurde. Einer der Schlüsselaspekte dieser ersten TRELLDOM-Trilogie lag darin, dass Gaahl in seiner eigenen Band die Möglichkeiten seiner Stimme frei von den strengen Regeln erforschen konnte, unter denen GORGOROTH operierte. Danach wurde es still um die Band, da sich alle beteiligten Musiker auf zahlreiche andere Projekte konzentrierten. Bei der Rückkehr bleibt die wichtige Zusammenarbeit mit Stian Kårstad das musikalische Herzstück der Band. Der größte Teil des Materials auf "...by the shadows..." stammt aus der Feder des Gitarristen. Andere Aspekte von TRELLDOM hat Espedal bewusst verändert. Die daraus resultierenden Effekte haben zu faszinierenden Resultaten geführt. Auf dem Hocker thront nun der renommierte Schlagzeuger Kenneth Kapstad, der neun Jahre lang bei MOTORPSYCHO war und aktuell auch bei SPIDERGAWD, MØSTER! und THORNS für den Rhythmus sorgt. Mit Kapstad stieß auch der international gefeierte Jazzmusiker und Saxophonist Kjetil Møster (MØSTER!, RÖYKSOPP, THE END) zur Besetzung. Die Einbeziehung von Møsters unorthodoxen Saxophon-Klängen ist ein erstes Indiz dafür, dass sich TRELLDOM nicht mehr durch eine enge Definition von Black Metal gebunden fühlen. Die Musik auf "...by the shadows..." ist zwar nach wie vor dunkel und harsch, und auch ihre Wurzeln in der schwarzen Vergangenheit bleiben erkennbar. Doch Espedal hat seine Band in eine weitaus komplexere Kreatur verwandelt und sie in einer avantgardistischen Dimension losgelassen - mit einem Sound, der manchmal sogar ins Experimentelle reicht. TRELLDOM sind erwacht und liefern mit "...by the shadows..." ein beherztes Manifest der künstlerischen Freiheit als starke Kampfansage an jegliche nostalgische Stagnation ab. Dieses Album fordert heraus: Love it or leave it!

Tracklist:
1. the voice of what whispers
2. exit existence
3. return the distance
4. between the world
5. i drink out of my head
6. hiding invisble
7. by the shadow

Source: Prophecy

In vielen nordischen Mythen verfügen Stimmen über magische Kräfte. Unter dem Namen WHISPERING VOID erforscht und verkörpert ein Kollektiv renommierter Musiker von Norwegens Westküste auf ihrem Debütalbum "At the Sound of the Heart" diese alten Traditionen. Alle Bandmitglieder brachten einen Teil ihres musikalischen Hintergrunds in WHISPERING VOID ein: Die unverwechselbaren Stimmen von WARDRUNAs Lindy-Fay Hella und ihrem männlichen Gegenpart Kristian "Gaahl" Espedal ziehen Zuhörer mit einer enormen Bandbreite an Techniken und Tönen unwiderstehlich in ihren Bann. Gitarrist Ronny Stavestrand und ENSLAVED-Schlagzeuger Iver Sandøy kombinieren auf "At the Sound of the Heart" unter anderem Ambient, psychedelischen Prog und Rock mit Klängen aus dunklem Folk und Metal zu etwas, das im Kern nordisch klingt, aber über die vielen bereits erforschten Sounds hinausgeht. Der kreative Funke, der das Feuer von WHISPERING VOID entfachte, kam aus einer langen Zeit musikalischer Experimente von Ronny Stavestrand. Der Gitarrist hatte viele Jahre in der legendären Underground Black Metal Band TRELLDOM des herausragenden Sängers Kristian "Gaahl" Espedal verbracht. Espedal war mit GORGOROTH zu notorischem Ruhm gelangt und hat inzwischen mit GAAHLS WYRD einen weiteren eigenen Kanal für seine Kreativität etabliert. Daher lag es für Stavestrand nah, Espedal um dessen Mitwirkung bei WHISPERING VOID zu bitten. Der Sänger stimmte zu und als bei der gemeinsamen Erkundung neuer Klangdimensionen der Bedarf nach einer weiblichen Stimme aufkam, war Gaahl aufgrund seines früheren Mitwirkens bei WARDRUNA sofort bewusst, dass die charakteristische, kraftvolle Stimme von deren Frontfrau Lindy-Fay Hella, die sie auch in ihren eigenen Projekten einbrachte, perfekt zu WHISPERING VOID passen würde. Zum Glück folgte die Sängerin gerne dem Ruf des Duos. Das Quartett wurde schließlich durch Iver Sandøy als Schlagzeuger und Bassist komplettiert, der sein makelloses musikalisches Feingefühl und Timing schon vor einigen Jahren in den Dienst von ENSLAVED stellte, und sich zuvor bereits mit der progressiven Band EMMERHOFF & THE MELANCHOLY BABIES einen Namen gemacht hatte. Das Ergebnis ihrer kollektiven Studioexperimente und ihres kontinuierlichen Austauschs ist eine einzigartige Mischung aus den diversen Einflüssen, welche die Bandmitglieder repräsentieren. Auf "At the Sound of the Heart" finden sich Elemente aus Ambient, Dark und Nordic Folk, psychedelischem Prog, Rock und viele weitere Zutaten, die WHISPERING VOID nahtlos zu einem ebenso einzigartigem wie frischem musikalischen Ganzen kombinieren. Die Musik der Norweger lässt sich am besten individuell erleben und einordnen, doch eines steht fest: In "At the Sound of the Heart" ertönt pure Magie!

Tracklist:
1. Vinden vier
2. Vi finnes
3. Whispering Void
4. At The Sound of the Heart
5. Lauvvind
6. We Are Here
7. Flower

Artbook:
1. Vinden Vier
2. Vi Finnes
3. Whispering Void
4. At The Sound Of The Heart
5. The Vines (Bonus Track)
6. Lauvvind
7. We Are Here
8. Flower

Source: Prophecy

Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy

Mit "The Machine in the Ghost" erreichen HAUJOBB den beeindruckenden Meilenstein des zehnten Studioalbums. Auch ihr neuestes Werk unterscheidet sich von all seinen Vorgängern. Das derzeit in Leipzig residierende Duo verweigert sich weiterhin standhaft jeder Wiederholung. "The Machine in the Ghost" unterscheidet sich bereits durch die Verwendung von Feldaufnahmen, um die Sounds für dieses Album zu erzeugen. Um die gewünschten Effekte zu erzielen, haben HAUJOBB bewusst auf eine Mischung aus Software und Hardware gesetzt – letzteres in Form von mit Alltagsgegenständen erzeugten Tönen. Diese symbolische Anspielung auf eine Zeit, in der es weniger Software und mehr analoges Drehen an den Reglern gab, ergänzt das Thema von "The Machine in the Ghost" um einen Hauch von Retro-Feeling – ohne jede nostalgische Verklärung. Das Album dreht sich um die spannungsgeladene Beziehung zwischen analog und digital, Geist und Materie. Als sich HAUJOBB im ostwestfälischen Bielefeld zunächst zu einem Trio formierten, kamen ihre Haupteinflüsse noch aus der Vancouver-Schule des Industrial – und speziell SKINNY PUPPY sowie FRONT LINE ASSEMBLY. Dies ist auf ihrem ersten Album "Homes & Gardens" (1993) noch hörbar, doch schon bald wurden HAUJOBB selbst als Aushängeschilder eines modernen elektronischen Industrial-Sounds angesehen. Auf den folgenden Alben "Freeze Frame Reality" (1995) und "Solutions for a Small Planet" (1996) entfernten sich die Deutschen zunehmend von den kanadischen Einflüssen, indem sie damit begannen, IDM (Intelligent Dance Music) mit Industrial und EBM zu verschmelzen. Damit katapultierten sich die Deutschen mitten in die internationale Szene und verschafften sich sogar in den USA einen Kultstatus. Auch nachdem HAUJOBB zum Duo mutiert waren, blieben sie einflussreich und insbesondere ihr 2011 in Eigenregie veröffentlichtes Album "New World March" gilt als weitere Großtat. Mit "The Machine in the Ghost" schlagen HAUJOBB ein neues spannendes Kapitel in ihrer bemerkenswerten Karriere auf. Unmittelbar zu Beginn der nächsten industriellen und kreativen Revolution, die der rasante Aufstieg der künstlichen Intelligenz auszulösen verspricht, legen HAUJOBB ihre metaphorischen musikalischen Finger erneut direkt an den Puls der Zeit.

Tracklist:
01. Uncanny Valley
02. Uselessness
03. In The Headlights
04. Under The Gun
05. Tommorrow
06. The Internation
07. Opposition
08. Singularity
09. Mass
10. While It Rains

Bonustracks (nur Artbook)
01. In The Headlights (Extended Remix)
02. In The Headlights (Qual Tech Support Mix)
03. Mass (Hammered)
04. Uselessness (Quiet)
05. Opposition (ACTORS Remix)
06. Uselessness (Absolute Body Control Remix)
07. The Internation (Chrome Corpse Remix)
08. Opposition (Storm Remix)
09. Singularity (Agent Side Grinder Remix)
10. Mass (Tribute)
11. Opposition (Thorofon Remix)
12. Uselessness (Loud)

Source: Prophecy

Das lang erwartete Debütalbum

Darkher ist der Künstlername von Jayn Maiven, einer charismatischen Sängerin und Songschreiberin aus West Yorkshire, hinter deren fragiler Eleganz die Schöpferin kraftvoll gefühlsgeladener Musik steht. Bezeichnend für ihre einnehmenden Klänge stehen Gitarren, so unheilvoll wie sich langsam zusammenbrauende Gewitterwolken, vor allem aber Jayns spukhafte, aufrüttelnde Stimme. Ihr beispiellos düsterer Stil steckt voller Kontraste, klingt zugleich mächtig und zerbrechlich, zerrüttet und erhaben. In ihm vereint sich das Gefühl kalter Einsamkeit mit der Wärme der Hoffnung, und er ist durchzogen von einer Atmosphäre esoterischer Pracht und tiefer spiritueller Zuversicht.

Darkhers Debüt-Veröffentlichung, die EP "The Kingdom Field", diente 2014 bereits als Blaupause ihrer intensiven Musik und schlug szeneübergreifend hohe Wellen. Dass die daraus resultierende hohe Erwartungshaltung gegenüber ihrem ersten Album gerechtfertigt ist, bestätigt Darkher mit "Realms" nun eindrucksvoll. Das Album mit seinen neun distinktiven Liedern besticht durch eine Dynamik und Dramatik, denen man sich nur schwer entziehen kann. Das eindringlich-flehende 'Moths', das treibende 'Wars' mit seinem prägnanten Schlagzeugmotiv, das bedrohlich-abgründige 'Buried' oder das bereits von "The Kingdom Field" bekannte "Foregone" seien hier als Eckpfeiler eines Albums genannt, dem durch seine Qualität und Abwechslungsreichtum das Potenzial eines zukünftigen Klassikers innewohnt.

Die Texte von "Realms" spiegeln das bedrohliche, Ehrfurcht gebietende Wesen der Musik wider - die auf dem Album thematisierten "Gefilde" (eine ungefähr treffende Übersetzung des Titels) liegen zwischen dem Diesseits und unsichtbaren früheren wie jenseitigen Welten. Die Lieder beleuchten Jayns Verhältnis zu Liebe, Furcht, Tod und Spiritualität und beschäftigen sich im Speziellen mit der Frage, wie die Liebe Seelen über die Grenzen von Zeit und Tod hinaus zusammenführen kann. "Ich hatte mehrere übersinnliche Erfahrungen", deutet Jayn mit Bezug auf den Albumtitel an. "In Momenten tiefer Trauer und großen seelischen Schmerzes erkannte ich diese Zeichen und empfand sie als erhebend und magisch, wodurch mein Glaube an solche jenseitigen Gefilde gestärkt wurde."
Wer "Realms" gehört und für sich erschlossen hat, ahnt wovon Jayn hier spricht...

Gatefold-LP (goldenes Vinyl) inkl. 2-stg. Beileger, gefütterter Innenhülle und Schutzhülle (500 Stück erhältlich)

Source: Prophecy

Zwei Jahre nach der Veröffentlichung von "Ayam" hat sich das vierte DISILLUSION-Album sicherlich schon unzählige Male auf Plattenspielern und in CD-Playern gedreht oder wurde dauernd gestreamt. Jede Melodie, jeder Rhythmus und jede Note wurden wieder und wieder angehört und auswendig gelernt. Dennoch lassen sich noch immer zahlreiche musikalische "Geheimnisse" lüften und Perlen entdecken. Mit "Ayam (Instrumental)" reichen DISILLUSION ihren treuesten Anhängern großzügig eine wunderbare Schatzkarte, um einige dieser versteckten Preziosen zu finden. Ohne den großartigen Gesang glänzen plötzlich andere Aspekte der Stücke und bislang wenig beachtete Aspekte erscheinen im Vordergrund. Dabei wurde den originalen Songs nichts hinzugefügt, lediglich die Gesangsspuren wurden aus "Ayam" entfernt. Mangels Möglichkeiten live aufzutreten und den privaten Einschränkungen, verlagerte sich der Fokus von DISILLUSION während der Pandemie vor allem auf die Band sowie auf die Aufnahme ihres vierten Albums "Ayam". Der Effekt ist hörbar: "Ayam" klingt tiefer, noch vielschichtiger und ausgereifter als seine hochgelobten Vorgängeralben. Der Detailreichtum in der Musik der deutschen Avantgardisten ist jedoch nie ein bloßer Selbstzweck, sondern die Komplexität dient immer dem Song und dem "Malen" von Bildern für das große Kopfkino. Während DISILLUSION enger zusammenrückten, kamen auch alte Gewohnheiten auf den Prüfstand. Um etwas Neues auszuprobieren, überließ die Band den Mix ihres neuen Albums erstmals anderen Händen und Ohren als den eigenen. Die Wahl fiel auf den renommierten Produzenten Jens Bogren (OPETH, KATATONIA, MOONSPELL), was sich einmal mehr als wahrer Glücksgriff entpuppte. Die beinahe magische Fähigkeit des Schweden, die Eigenheiten einer Band deutlich herauszuarbeiten, verlieh dem ohnehin schon einzigartigen Sound von DISILLUSION seinen hörbaren Feinschliff. So wurde beispielsweise der Gesang in ein klangliches Rampenlicht gestellt. DISILLUSION gründeten sich im Jahr 1994 in Zwickau um Sänger und Gitarrist Andy Schmidt herum. Die Ostdeutschen schafften das seltene Kunststück, sich bereits mit der Veröffentlichung ihres Debütalbums "Back to Times of Splendor" im Jahr 2004 einen exzellenten Namen im Bereich des progressiven Melodic Death Metal zu erwerben. Mit dem folgenden Langspieler "Gloria" (2006) gelang der Band ein Quantensprung und eine rasante Evolution in mehrere Richtungen gleichzeitig. Als zuletzt "The Liberation" im Jahr 2019 erschien, beschrieben Kritiker das Album als logische Fortsetzung von "Back to Times of Splendor". In den Songs spiegelten sich 15 Jahre zusätzliche Erfahrung in Andy Schmidts musikalischer Entwicklung wider. "The Liberation" kombinierte die besten Qualitäten von DISILLUSION: Das perfekte Zusammenspiel von massivem Metal verschmolz mit Momenten purer Euphorie aber auch ruhiger Introspektion, die eine klangliche Achterbahnfahrt voller leidenschaftlicher Emotionen erzeugte. Mit "Ayam" segeln DISILLUSION erneut zwischen den Sternen zu neuen Konstellationen der harten Gitarrensounds. Dabei bleiben die deutschen Avantgarde-Pioniere ihrem generellen Kurs treu, werfen aber auch immer wieder den Anker aus, um funkelnde neue Klangwelten zu erkunden. "Ayam" bietet eher eine aufregende Evolution als radikale Revolution. Dieses Album ist ein goldenes Ticket für die außergewöhnliche musikalische Reise des Lebens. Kommt alle an Bord, Anker hoch und Leinen los! Und mit „Ayam (Instrumental)" lässt sich die Insel des musikalischen Glücks sogar auf einem neuen Kurs erreichen!

Tracklist:
1. Am Abgrund (Instrumental)
2. Tormento (Instrumental)
3. Driftwood (Instrumental)
4. Abide the Storm (Instrumental)
5. Longhope (Instrumental)
6. Nine Days (Instrumental)
7. From the Embers (Instrumental)
8. The Brook (Instrumental)

Source: Prophecy

UNREQVITED-Bandkopf 鬼 (Geist) hat eine ausgeprägte Vorliebe für wunderbare musikalische Kreationen, die ihre Krallen und Reißzähne erst bei näherer Betrachtung und nach einer längeren Beschäftigung mit ihnen offenbaren. Das Soloprojekt hat Wurzeln im Blackgaze, aber auch Ableger in Ambient, Post-Rock, Post-Black Metal und andere artverwandte Stilrichtungen. Mit dem siebten Album "A Pathway to the Moon" gelingt 鬼 ein beeindruckender Evolutionssprung. Ein Element dieser bedeutenden klanglichen Entwicklung von UNREQVITED ist die Erkundung dominanter lyrischer Dimensionen. Dieser Schritt weg von weiten Klanglandschaften und hin zu mehr Gesang ist auch auf den Übergang von UNREQVITEDzu einer Live-Band zurückzuführen. 鬼 hat "A Pathway to the Moon" sorgfältig mit Blick auf geplante Konzerte komponiert. Dadurch ist ein Album entstanden, das als eine Art Blackgaze-Soundtrack gehört werden kann – was der Bonustrack des Artbooks, eine Coverversion der Hans Zimmer "Interstellar"-Komposition 'Cornfield Chase', nachdrücklich unterstreicht. Trotz der Kursänderung zu Gesang und Lyrik bleiben auf "A Pathway to the Moon" auch die leichten und erhabenen Passagen erhalten, die auf "Beautiful Ghosts" (2021) neben den üblichen dunklen Einschüben verstärkt zum Einsatz kamen. Das vermehrte Einstreuen von Klargesang auf dem Vorgängeralbum entpuppt sich im Nachhinein als Vorbote des Evolutionssprunges. Die Kernelemente, die UNREQVITED in der Vergangenheit ausgemacht haben, kommen auch weiterhin zum Einsatz: Die massiven hymnischen Refrains von "Mosaic I: L'amour et l'ardeur" (2018) sind auf "A Pathway to the Moon" ebenso präsent wie die schlichten melancholischen Melodien des 2016er Debütalbums "Disquiet" und die orchestrale Erhabenheit von "Empathica" (2020). Seit 鬼 im Jahr 2016 UNREQVITED als das musikalische Vehikel für sein facettenreiches Schaffen konzipiert hat, lässt sich sein Projekt als ein ständig mutierendes Wesen mit erheblicher stilistischer Spannweite beschreiben. Mit "A Pathway to the Moon" führt der Kanadier erneut die Stränge seiner bisherigen Arbeiten zusammen, wagt sich aber zugleich auch auf musikalisches Neuland vor. Mit "A Pathway to the Moon" rücken UNREQVITED näher an ein traditionelles Rock- und Metal-Album auf Basis von Songs heran als jemals zuvor – doch zugleich hat es auch alle Qualitäten eines Soundtracks, der auf eine höchst faszinierende Klangreise entführt.

Tracklist:
1. Overture / I Disintegrate
2. The Antimatter
3. The Starforger
4. Void Essence / Frozen Tears
5. Into the Starlit Beyond
6. Celestial Sleep
7. Departure / Everlasting Dream

Bonustrack (Nur Artbook):
8. Cornfield Chase

Source: Prophecy

In Jahren der Not mussten Frauen im Laufe der Geschichte oft eine noch schwerere Last tragen. Auf ihrem zehnten Album "Ruby Red" reflektiert das in San Francisco ansässige Quartett AMBER ASYLUM eindringlich über turbulente Zeiten. Die vier Musikerinnen verbinden instrumentale Passagen mit beschwörenden Texten. "Ruby Red" vereint Klagelieder und introspektive Trauer mit einem kraftvollen Songwriting, das sowohl Verzweiflung als auch Hoffnung generiert. Das Album pendelt zwischen dunklen Themen wie Schmerz, Verlust, Ermächtigung und Sterblichkeit. AMBER ASYLUM erschaffen dabei intensive Klanglandschaften, die sowohl ursprünglich und rau als auch introspektiv sind. "Ruby Red" setzt sich aus klassischen Streichern, Bass, Schlagzeug und Perkussion, modularen Synthesizern und Frauenstimmen zusammen. Musikalisch balancieren AMBER ASYLUM treibende neoklassische Elemente gegen die rohe Kraft von stampfenden Bässen und Schlagzeug, die eine starke, rhythmische Wirkung entfalten und hervorragend mit den ruhigeren, grüblerischen Streichern auf "Ruby Red" kontrastieren. Bass und Schlagzeug erzeugen einen permanenten Puls, der das Fundament der Songs bildet und den dunklen Momenten des Albums sowohl Intensität als auch Tiefe verleiht. AMBER ASYLUM wurden von der Komponistin, Sängerin und Multiinstrumentalistin Kris Force im kalifornischen San Francisco im Jahr 1990 gegründet. Im Laufe ihrer sich wiederholt neu erfindenden musikalischen Evolution hat sich die Band durch eine Vielzahl von Stilen bewegt und dabei auch mit zahlreichen Musikern wie Steve van Till (NEUROSIS), Sarah Schaffer (WEAKLING), John Cobbet (HAMMERS OF MISFORTUNE), Leila Abdul-Rauf (VASTUM) und vielen anderen mehr zusammengearbeitet. Auf "Ruby Red" fangen AMBER ASYLUM zielstrebig das wachsende Unbehagen und den Schrecken vieler Menschen vor einem neuen dunklen Zeitalter ein, das vor der Tür zu stehen scheint. Doch die Kalifornier gleichen das Unheimliche und Verstörende in ihrer Musik durch eine zerbrechliche Schönheit und den Keim der Hoffnung aus. "Ruby Red" wird zu einem faszinierenden Soundtrack für all das, was uns noch bevorstehen mag. Genau hinzuhören, lohnt sich!

Tracklist:
1. SECRETS
2. RUBY RED
3. DEMAGOGUE
4. THE MORRIGAN
5. AZURE
6. WEAVER
7. A CALL ON THE WIND

Source: Prophecy

Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy

CAMERATA MEDIOLANENSE sind eine dieser seltenen musikalischen Perlen, die sich kaum in simple Kategorien einordnen lassen. Die Italiener trotzen allen Erwartungen und setzen sich über generelle Konventionen in Bezug auf Formate, Stil und die Art und Weise, wie Musik üblicherweise komponiert und aufgeführt wird, hinweg. Mit ihrem sechsten Studioalbum "Atalanta Fugiens" kehren CAMERATA MEDIOLANENSE zu ihrem "klassischen Stil" zurück. Das bedeutet starke Perkussion und Rhythmen, die in Verbindung mit leichten Keyboard-Elementen ein perfektes Gegengewicht zu den schwebenden Melodien aller Sängerinnen und Sänger bilden. Letztere bestehen aus den wunderbaren Sopranistinnen Carmen, Chiara und Desirée in der Hauptrolle sowie harmonischen Chören. Die recht martialischen Rhythmen des italienischen Ensembles werden von eindringlichen Melodien begleitet, die auf Tonleitern Alter Musik aufbauen. Zwei Cembali, die Bass-Bratsche, wiederkehrende Störgeräusche und die unkonventionelle Handhabung von Echo und Verzögerung sowie der gezielte Einsatz von Krachelementen zielen allesamt darauf ab, einen sowohl himmlischen als auch höllischen Klang zu erschaffen. Es versteht sich von selbst, dass sich die sorgfältig komponierte Musik mit dem starken Schwerpunkt auf den Stimmen in faszinierenden und fundiert recherchierten Texten widerspiegelt. Der Albumtitel "Atalanta Fugiens" bezieht sich auf ein gleichnamiges Werk, das am Beginn der Frühen Neuzeit im Jahr 1617 veröffentlicht wurde. Das von dem deutschen paracelsischen Arzt und Alchemisten Michael Maier verfasste Emblembuch enthält 50 Reden mit Illustrationen des berühmten Matthias Merian, die jeweils von epigrammatischen Versen, Prosa und einer musikalischen Fuge begleitet werden. Nach mehr als zehn Jahren intensiven Studiums des rätselhaften Buchs komponierten CAMERATA MEDIOLANENSE für eine Auswahl der Embleme eine völlig neue Musik. Das Album beginnt mit dem ersten und endet mit dem letzten Emblem. CAMERATA MEDIOLANENSE wurde im Jahr 1994 in der norditalienischen Stadt Mailand als Ensemble gegründet. Dieser Umstand verlieh der Band gleichzeitig ihren Namen, denn er bedeutet wörtlich "Gruppe von Kammermusikern aus Mailand" – unter Verwendung des lateinischen Namens der Stadt. Als primus inter pares schreibt die klassisch ausgebildete Komponistin Elena Previdi stets den Großteil der Musik. Nicht alle Mitglieder des Ensembles kommen aus der klassischen Musik. Vor allem Post-Punk, Wave und sogar Folklore spielen eine wichtige Rolle in der musikalischen DNA der Italiener. In den letzten drei Jahrzehnten konnten sich CAMERATA MEDIOLANENSE einen exzellenten Ruf für ihre höchst individuellen Alben und herausragenden Konzerte erwerben, die Kenner und Musikliebhaber aus ganz unterschiedlichen Szenen anziehen. Die Italiener werden oft als eine Mischung aus Neo-Klassik und Dark Wave gesehen, decken jedoch ein viel breiteres Spektrum an Stilen und Ausdrucksformen ab. Mit "Atalanta Fugiens" tragen CAMERATA MEDIOLANENSE das immense Gewicht und die Kraft, die 30 Jahre ihres Schaffens zu einer einzigartigen musikalischen Erfahrung geformt haben, hoch hinauf zu einem strahlenden neuen Gipfel.

Tracklist:
01. Embryo Ventosa
02. Rosetum
03. Rupe Cava
04. Corallus
05. Hermaphroditus
06. Victor Quadrupedum
07. Mercurius
08. Arpie
09. Draco
10. Alta Venenoso

Bonustracks (nur Artbook)
01. Follia Del Mondo
02. Hic Leo
03. Ripresa Hermaphroditus
04. Alta Venenoso II

Source: Prophecy

Das Debütalbum von VUUR & ZIJDE ("Feuer & Seide") dreht sich auf bemerkenswerte Weise um Themen wie bedingte und bedingungslose Liebe - und den Unterschied zwischen diesen, die Befreiung von Intimität und Mutterschaft. Mit "Boezem" ("Schoß", wörtlich: "Busen") lehnt es das niederländische Quintetts höflich ab, die ewigen Heavy Metal-Klischees zu bedienen. Obwohl die Niederländer im Black Metal verwurzelt sind und deren Mitglieder in so etablierten Bands wie LASTER, NUSQUAMA, SILVER KNIFE, GREY AURA, WITTE WIEVEN und TERZIJ DE HORDE gespielt haben oder weiterhin dabei sind, haben sie ihren stilistischen Kurs seit dem Split-Album mit IMPAVIDA (2020) korrigiert. Die Entwicklung von einem Trio zu einem 5-köpfigen Ensemble hatte eine größere Bandbreite an Einflüssen und Ideen zur Folge. Die subtilen Veränderungen auch der Produktion reichen aus, um einen Teil des neuen Sounds in der spannenden aktuellen Evolution des Post-Black Metal zu verorten. Die schwarze Seite der Musik drückt sich hauptsächlich in wirbelnden Schlagzeugattacken und surrenden Gitarrenriffs aus. Doch "Boezem" baut noch auf einer weiteren starken Säule auf, denn die Band nennt auch Acts wie COCTEAU TWINS und sogar DEAD CAN DANCE als wichtige Einflüsse, die beide im Post-Punk begannen und sich dann zu verträumteren, meditativen Klängen weiterentwickelten. Synthesizer-Sounds sowie die schöne, warme Stimme von Sängerin Famke tragen offensichtlich zu dieser anderen Seite von VUUR & ZIJDE bei. Die Sängerin zeichnet auch für einige Texte verantwortlich, die in Frysk (Friesisch) verfasst sind. Diese alte germanische Sprache wird noch immer in einigen niederländischen und deutschen Nordseeküstengebieten gesprochen, die sich bis zur dänischen Grenze erstrecken. Alle anderen Texte sind auf Niederländisch verfasst. Mit "Boezem" gelingt VUUR & ZIJDE ein perfekter Balanceakt zwischen ihren gegensätzlichen Polen. Die aggressive Seite mit schwarzen, zum Post-Black Metal verwandelten Elementen kontrastiert mit der lichten Seite von Shoegaze, Post-Punk und Wave. Beide Seiten kreisen in einem endlosen Tanz umeinander, der faszinierende neue Musik hervorbringt. "Boezem" erstrahlt voller Schönheit und ist doch wie eine schwarze Rose zugleich von Dornen übersät.

Tracklist:
1. Onbemind
2. Zusterzon
3. Ús
4. Omheind
5. Kuier
6. II
7. Nest
8. Adem
9. Naakt

Source: Prophecy

Ohne die Möglichkeit, live aufzutreten und auch privat von den vielen Einschränkungen betroffen, verlagerte sich der Fokus von DISILLUSION in den letzten zwei Jahren voll und ganz auf die Band sowie auf die Aufnahme ihres vierten Albums "Ayam". Der Effekt ist hörbar: "Ayam" klingt tiefer, noch vielschichtiger und ausgereifter als seine hochgelobten Vorgängeralben. Der Detailreichtum in der Musik der deutschen Avantgardisten ist jedoch nie ein bloßer Selbstzweck, sondern die Komplexität dient immer dem Song und dem "Malen" von Bildern für das große Kopfkino. Während DISILLUSION enger zusammenrückten, kamen auch alte Gewohnheiten auf den Prüfstand. Um etwas Neues auszuprobieren, überließ die Band den Mix ihres neuen Albums erstmals anderen Händen und Ohren als den eigenen. Die Wahl fiel auf den renommierten Produzenten Jens Bogren (OPETH, KATATONIA, MOONSPELL), was sich einmal mehr als wahrer Glücksgriff entpuppte. Die geradezu magische Fähigkeit des Schweden, die Eigenheiten einer Band deutlich herauszuarbeiten, verlieh DISILLUSIONs ohnehin schon einzigartigen Sound einen hörbaren Feinschliff. So wurde beispielsweise der Gesang in ein klangliches Rampenlicht gestellt. DISILLUSION gründeten sich im Jahr 1994 in Zwickau um Sänger und Gitarrist Andy Schmidt herum. Die Ostdeutschen schafften das seltene Kunststück, sich bereits mit der Veröffentlichung ihres Debütalbums "Back to Times of Splendor" im Jahr 2004 einen exzellenten Namen im Bereich des progressiven Melodic Death Metal zu erwerben. Mit dem folgenden Langspieler "Gloria" (2006) gelang der Band ein Quantensprung und eine rasante Evolution in mehrere Richtungen gleichzeitig. Als zuletzt "The Liberation" im Jahr 2019 erschien, beschrieben Kritiker das Album als logische Fortsetzung von "Back to Times of Splendor". In den Songs spiegelten sich 15 Jahre zusätzliche Erfahrung in Andy Schmidts musikalischer Entwicklung wider. "The Liberation" kombinierte die besten Qualitäten von DISILLUSION: Das perfekte Zusammenspiel von massivem Metal verschmolz mit Momenten purer Euphorie aber auch ruhiger Introspektion, die eine klangliche Achterbahnfahrt voller leidenschaftlicher Emotionen erzeugte. Mit "Ayam" segeln DISILLUSION erneut zwischen den Sternen zu neuen Konstellationen der harten Gitarrensounds. Dabei bleiben die deutschen Avantgarde-Pioniere ihrem generellen Kurs treu, werfen aber auch immer wieder den Anker aus, um funkelnde neue Klangwelten zu erkunden. "Ayam" bietet eher eine aufregende Evolution als radikale Revolution. Dieses Album ist ein goldenes Ticket für die außergewöhnliche musikalische Reise des Lebens. Kommt alle an Bord, Anker hoch und Leinen los!

Tracklist:
1. Am Abgrund
2. Tormento
3. Driftwood
4. Abide the Storm
5. Longhope
6. Nine Days
7. From the Embers
8. The Brook

Gatefold-2LP (weißes Vinyl) mit bedruckten Innenhüllen und Schutzhülle (500 Einheiten erhältlich)

Source: Prophecy

Das Stoner-Doom-Duo Year Of The Cobra - Amy Tung (Bass/Gesang) und Jon Barrysmith (Schlagzeug) - aus Seattle wird sich mit seinem zweiten Album "Ash And Dust" endgültig als eine der wichtigsten Bands des Genres etablieren, auch weil sich die beiden mit Psychedelic- und Post-Punk-Einflüssen finsterer und vielfältiger als zuvor präsentieren.

Mittlerweile haben Year Of The Cobra ihre eigene Nische gefunden, in der Lava-Riffs und tonnenschwere Grooves mit einer gleißend anmutigen Stimme und bemerkenswert poppigen Hooks verschmelzen. Inmitten der erdrückenden Heaviness offenbart "Ash And Dust" somit auch Augenblicke leichtfüßiger, engelsgleicher Schönheit. Dank einer überlebensgroßen Produktion des legendären Tontechnikers Jack Endino (Nirvana, Soundgarden, Bruce Dickinson) wird das Album zu einem Klangerlebnis, das zum Tanz in einen flammenden Abgrund einlädt.

"Ash And Dust" erscheint als Digipak-CD und 180g LP (schwarzes oder silberfarbenes Vinyl).

LP (rotes Vinyl) inkl. gefütterter Innenhülle und Schutzhülle (500 Stück erhältlich)

Source: Prophecy

KIRLIAN CAMERA sind ein kreativer Wirbelwind der musikalischen Innovation. Die mitreißende Kraft ihrer Inspiration manifestiert sich sowohl destruktiv, wenn es um das Einreißen von Grenzen in Bezug auf Genre, Stil und Konventionen geht, als auch konstruktiv, wie beim Errichten einer neuen Klangarchitektur auf den Ruinen der alten. Auch das jüngste Meisterwerk der Italiener, "Radio Signals for the Dying", folgt dieser Tradition und erklimmt dabei einen weiteren künstlerischen Höhepunkt. Oberflächlich betrachtet wandeln KIRLIAN CAMERA erneut auf dem dunklen musikalischen Pfad, den sie auf ihrem letzten Doppelalbum "Cold Pills (Scarlet Gate of Toxic Daybreak)" (2021) eingeschlagen haben. Dass die italienischen Elektro-Provokateure direkt mit dem Nachfolger noch ein prächtiges Doppelwerk folgen lassen können, spricht Bände über ihre ungeheure kreative Energie. Dabei bringt "Radio Signals for the Dying" keineswegs eine bloße Wiederholung des glorreichen Vorgängers. Stattdessen verändern KIRLIAN CAMERA ihren Sound auf subtile Weise durch raffinierte Details, reizvolle Tricks, großartige Effekte, unerwartete Wendungen und musikalische Ausflüge sowie spannende Variationen bestehender Themen. Seit über vier Jahrzehnten erschaffen KIRLIAN CAMERA ein Reich vielschichtiger Klangkonstruktionen, okkulter Transzendenz und subversiver Inhalte, die schon immer zum Kern ihrer Kunst gehörten. In der Vergangenheit hat die im besten Sinne schamlose, zuweilen geradezu unverschämte Lust der Italiener an der Provokation der Welt einen ehrlichen Spiegel vorgehalten und damit wiederholt Kontroversen ausgelöst. Die Italiener haben nie damit aufgehört, nach neuen Antworten zu suchen und ihre Hörer auf eine abenteuerlichen musikalischen Reise zu okkulte Dimensionen und magischen Orte von gefährlicher Schönheit und freudiger Dunkelheit mitzunehmen. KIRLIAN CAMERA sind Elektro-Schamanen, Rockmystiker, Klangrevolutionäre und Hohepriester der freien Künste, die als musikalischer Phönix im kreativen Feuer von "Radio Signals for the Dying" erneut wiedergeboren werden.

Tracklist:
Disc 1
1. Il Tempo Profondo
2. Stella Ominis
3. Winter (In memory of Adrian Borland)
4. Götter, Geht Weg!
5. Monarch Architecture
6. Wrong
7. Madre Nera
8. Luminous Shade (incl. Julian Assange's speech excerpts)

Disc 2
1. The Great Unknown
2. C. R. U. D (Corpse Recovery Unit D)
3. Deleted MSG
4. Genocide Litanies
5. Il Tempo profondo (Radio Signal version)
6. Esilio
7. We Have To Amputate
8. Homicide Aristocracy

Bonus CD (nur Artbook)
1. Il Mio Odio E' Per Voi
2. Odyssey Europa (Italian version)
3. Stella Ominis (Italian version)
4. Esilio (Sant'Elena version)
5. Il Mattino Di Cristallo (Crystal Morn)
6. Povera Patria
7. FiumeRosso
8. L'Ottavo Presidente (The 8th President)

Source: Prophecy

Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy

Manche Leute haben alles Glück der Welt. XASTHUR-Gründer Scott Conner zählt leider nicht dazu. Die offene Wunde seines Lebens blutet in einem konstanten klanglichen Ausfluss erst in sein neues Album "Disharmonic Variations" hinein – und von dort wieder heraus. Die dreizehn bitteren, dreckigen, schmerzhaften und manchmal auch ein wenig hoffnungsvollen Songs sind natürlich auch keine hübschen "Goldberg Variationen". Vielmehr ist der Titel "Disharmonic Variations" ("Disharmonische Variationen") zugleich Botschaft und Programm. Musik ist nicht einfach das, was Scott macht. Er führt kein Bilderbuchleben. Für ihn und in ihm gibt es nur die Musik – ohne die der amerikanische Hüne vermutlich auch nicht mehr auf dieser Welt weilen würde. Scott schreibt und nimmt nicht bloß die üblichen 8 Songs im Jahr auf. Sondern er macht Musik in jeder Stunde und an jedem Tag einer Woche in seiner eigenen Zeit und auf seine eigene Art; und zwar das ganze Jahr über. Scott spielt analog und nimmt auch so auf – auf die harte, altmodische Tour, während sich Ausrüstung und Instrumente in dem Zimmer stapeln, in dem er gerade haust. In diesem musikalischen "Stream of Consciousness", diesem Tagebuch eines Künstlers, sind alle Gedanken zu einem bestimmten Stil ein Luxus, den Scott weder hat noch hegt. Seine aktuelle Ausdrucksform auf "Disharmonic Variations" tendiert zum bitteren Geschmack der Dark Folk Americana mit einem vereinzelten Ausreißer in den Ambient-Sound. Es wird nie eine Garantie für die Richtung geben, die XASTHUR als nächstes einschlagen. Was auch immer noch passieren wird, hängt allein davon ab, was Scott Conner dann fühlt. Der Sänger und Multiinstrumentalist rief XASTHUR ursprünglich im Jahr 1995 ins Leben. Obwohl das Projekt im sonnigen Kalifornien, USA seinen Anfang nahm, bewegte es sich anfangs in der Dunkelheit des nordischen Black Metal der zweiten Welle. Im Jahr 2010 gab Scott das Ende von XASTHUR bekannt und kehrte mit einem akustischen Dark Folk Projekt unter dem Namen NOCTURNAL POISONING zurück. Dessen Alben wurde später unter dem Namen XASTHUR neu veröffentlicht. Im Jahr 2015 nahm der Amerikaner den Faden mit XASTHUR wieder auf, betonte aber, dass seine Black Metal Tage vorbei seien. Diese Aussage wurde mit der letzten Veröffentlichung "Inevitably Dark" (2023) teilweise revidiert – einfach nur, weil Conner wieder Lust auf etwas Black Metal hatte. Mit "Disharmonic Variations" liefern XASTHUR ihre nächste Scheibe ab, die unter dem Motto "Nehmt das Album so wie es ist oder lasst es bleiben" entstand. Scott Conner ist es egal, was andere über seine Musik denken. Er kann nicht anders. Ob er verflucht oder gelobt wird – Conner macht immer nur das, was er gerade will, und das ist und bleibt seine wahre künstlerische Leistung.

Tracklist:
01. Beginning of a new end
02. Mirrors made of misery
03. Haunted by the living
04. Selling yourself to die
05. Who will smash the mirror of lies
06. Psychedelic darkness in reality
07. Messenger of your reflection
08. Your existence is not enough
09. Other blind believers
10. As you point into guilty mirrors
11. Fairytale ideologies
12. Sheep in wolves clothing
13. Counterfeit pennies

Bonustracks (artbook only)
14. Trapped in purgatory
15. Dangerously poor

Source: Prophecy

Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy

MILDREDA sind vom Teufel besessen! Das zweite physische Album der belgischen Elektro-Shootingstars mit dem vielsagenden Titel "Blue-Devilled" entpuppt sich als Konzeptalbum. Die Idee der "Hölle" zieht sich als roter Faden durch das Album, wobei der studierte Philosoph und Bandkopf Jan Dewulf jedoch nicht das religiöse Inferno meint. Er folgt inhaltlich vielmehr dem französischen Existentialisten Jean-Paul Sartre, dessen Hölle sich in den Augen anderer Menschen widerspiegelt. Musikalisch erweist sich "Blue-Devilled'' im Vergleich zum direkten Vorgänger "I Was Never Really There" als abwechslungsreicher. Die neuen Tracks bestechen mit mehr Melodien und Klangfarben. Dabei sind die düsteren kanadischen EBM-Einflüsse durchaus noch präsent, ebenso wie eine gute Prise des belgischen Stils. Doch der neue, erweiterte und offenere Sound zeigt das wahre Gesicht von MILDREDA. Im Jahr 1995 veröffentlichte der 16-jährige Jan Dewulf im Eigenverlag sein erstes Tape "II Castrato" unter dem MILDREDA-Banner. Dem rohen Erstling folgte im Jahr 1996 eine weitere Kassette mit dem Titel "De Laffe Denker" – die in Elektrokreisen vielfach kopiert wurde und weite Verbreitung fand. MILDREDA gewannen eine vielköpfige Anhängerschaft und einen ausgezeichneten Ruf in der belgischen Szene – und weit darüber hinaus. Es folgten Live-Auftritte mit so bekannten Acts wie PLASTIC NOISE EXPERIENCE, TERMINAL CHOICE, COVENANT, VNV NATION und vielen anderen. Trotz des schnellen Durchbruchs machte sich Unzufriedenheit mit dem Musikgeschäft bei Dewulf breit, der MILDREDA daraufhin auf Eis legte. In den folgenden Jahren absolvierte er ein Philosophiestudium und startete ein neues Projekt unter dem Namen DISKONNEKTED, das sich mehr auf Dance-Einflüsse fokussierte. Dennoch wuchsen MILDREDA auch während ihrer Abwesenheit durch Mundpropaganda weiter. Im Jahr 2016 kehrte Dewulf mit der digitalen Veröffentlichung "Coward Philosophy" zu seiner Liebe, den dunklen elektronischen Klängen, zurück. Das erste physisches Album "I Was Never Really There" katapultierte MILDREDA im Jahr 2021 zurück ins Rampenlicht der Electro-Szene. "Blue-Devilled" markiert, sowohl musikalisch als auch lyrisch, einen weiteren Meilenstein in der Karriere von MILDREDA. Die Belgier sind zurück und liefern den Beweis, dass selbst in einer philosophischen Hölle der Teufel immer noch die besten Songs schreibt!

Tracklist:
01. Awakening
02. Karma Oyster
03. Friendly Fire
04. Damaged Goods
05. Huis Clos
06. Prophecies
07. Lobotomy
08. Miss Destruction
09. A Shift in Perspective
10. Mirror View
11. Devil's Gaze
12. A Dog from Hell

Bonus CD:
01. Connecting the Dots
02. Frozen in Time
03. Houdini Blues
04. Oceans of Regret
05. Before I got Wise

Source: Prophecy